Charlotte Day Wilson kommt aus ihrem Kopf heraus

Der Titel des Albums könnte als eine Entscheidung des Egos angesehen werden, aber „alpha“ kann auch einen Anfang bedeuten. Mit ihrem ersten vollständigen Album steht Wilson zweifellos am Anfang von etwas Neuem.

Genau vor unserem Anruf hatte sie eine Live-Show geprobt und freute sich darüber, endlich wieder Musik spielen und sich auf eine neue Art und Weise mit ALPHA beschäftigen zu können, während ihre Band die von ihr geschaffene Musik lernt. Da sie dazu neigt, Dinge auseinanderzunehmen und wieder zusammenzusetzen, bis sie ihr gefallen, scheint die Inszenierung einer Live-Show genau die Art von akustischen Puzzles zu sein, die sie genießt.

ALPHA bewahrt die Qualitäten, die Wilson von Anfang an zu einer Künstlerin gemacht haben, die man im Auge behalten sollte — ihre gefühlvolle Stimme und ihr Gespür für vielschichtige, emotional abgestimmte Produktionen — während es neue Wärme, Tiefe und berührende Ehrlichkeit mitbringt. Es gibt einen roten Faden des Wachstums im Album, der zwischen Liebe und Sehnsucht schwankt, manchmal gleichzeitig. Wilson sagt, sie sei ihre eigene schlimmste Kritikerin und habe Schwierigkeiten, ihre Gedanken loszulassen — etwas, das sie versucht zu überwinden, indem sie auf ihre physische Intuition vertraut. Wir sprachen über diese Intuition, ihren Produktionsprozess und wie Freunde die besten Kollaborateure sind.

Dieses Interview wurde gekürzt und zur Klarstellung bearbeitet.

VMP: Ich habe in Billboard gelesen, dass Sie sagten, die Verzögerung bei der Veröffentlichung von ALPHA sei eigentlich eine Art Glück im Unglück gewesen, da Sie dadurch mehr Zeit hatten, daran zu arbeiten. Haben Sie in dieser Zeit hauptsächlich die Produktion verändert oder größere Änderungen vorgenommen und Dinge neu aufgenommen?

Charlotte Day Wilson: Hauptsächlich habe ich die Produktion geändert. Ich hatte einfach die Zeit, Dinge ein wenig zu analysieren – und ich habe auf dem Album oft Folgendes gemacht: Ich habe alles auf den Gesang und vielleicht ein weiteres Element reduziert, um zu sehen, was der Kern des Songs wirklich ist – und dann habe ich die Produktion neu angegangen, im Grunde den Song neu abgemischt. Einige dieser Änderungen habe ich beibehalten, andere nicht, und ich bin teilweise zu den Originalversionen zurückgekehrt, aber das war etwas, das ich während der Pandemie oft gemacht habe. Eine weitere Sache, die ich gemacht habe, war herauszufinden, was die zentrale Linie der Produktion sein sollte, also, ob es ein akustischer Gitarrenton ist, den ich wirklich mag, und den ich im ganzen Album verstreuen wollte, oder die stark bearbeiteten Vocals, die ich ziemlich oft verwendet habe – einfach Wege finden, um das Album produktionstechnisch kohärent zu gestalten.

Sie sind auch als Editor für [die visuellen Aspekte des Albums] genannt; ist das eine neue Fähigkeit oder etwas, an dem Sie in Zukunft interessiert sind?

Ich habe es mir während der Pandemie selbst beigebracht; ich hatte ein wenig zusätzliche Zeit [lacht]. Ich lerne solche Dinge gerne — da ich offensichtlich am Bearbeiten von Audio interessiert bin, fühlte es sich wie etwas an, das ich ausprobieren und mich darin vertiefen wollte — und ich bin wirklich froh, dass ich es getan habe, weil ich eine Methode gefunden habe, Video und Musik im Tandem zu bearbeiten. Wenn ich das Gefühl hatte, dass das Video an einem bestimmten Moment einen Höhepunkt haben musste und dann wieder kleiner werden sollte, würde ich in das Lied gehen und es ebenfalls bearbeiten, und sagen: „OK, lassen Sie uns diesen Höhepunkt klanglich sowie visuell erschaffen.“

Können Sie ein bisschen darüber sprechen, warum Sie [Mustafas] Gedicht [in der Video-Version von „If I Could“] aufgenommen haben?

Er ist ein wirklich enger Freund von mir, und wir hingen tatsächlich einfach bei mir zu Hause herum und ich zeigte ihm das Video und sagte: „Hey, du solltest etwas Poesie machen, wenn du willst,“ oder so. Und er schrieb das Gedicht vor Ort und nahm es in meinem Keller auf, innerhalb von 20 Minuten nachdem ich gesagt hatte: „Du solltest etwas machen,“ sagte er: „Ja.“ Er hatte das Video gesehen und wusste ziemlich genau, worum es im Album ging und welche Themen damit verbunden waren, [und] er hat eine erstaunliche Fähigkeit, Ideen zu verkapseln und durch diese Poesie zu schaffen.

„Keep Moving“ scheint eine ähnliche Wachstumsmentalität wie das Gedicht zu haben, und für mich schien es darum zu gehen, Grenzen zu setzen und sich selbst in den Vordergrund zu stellen. Können Sie ein bisschen darüber sprechen, was dieser Song für Sie bedeutet?

Es geht einfach um Resilienz und die Fähigkeit, zwei Wahrheiten gleichzeitig zu halten. Während man etwas wollen könnte, ist es vielleicht nicht das Beste für einen. Aber auch, ich tendiere dazu, ein kopflastiger Mensch zu sein, und ich werde ewig über Dinge nachdenken, und für mich war es eine Art Erinnerung, aus meinem Kopf herauszukommen und sicherzustellen, dass ich weiterhin tatsächlich im wirklichen Leben lebe und nicht nur in meinem Kopf, und einfach, ja, weitermachen.

Ich weiß, dass Sie gesagt haben, dass ALPHA für Sie sehr persönlich ist, vielleicht ein wenig persönlicher als einige Ihrer früheren Veröffentlichungen. Können Sie über die Spannung sprechen, falls es eine gab, bei einem Projekt, das so persönlich ist, hier mehr Kollaborateure einzubeziehen als in Ihrer früheren Arbeit?

Ich denke, dass das Schöne an der Zusammenarbeit und daran, andere Menschen in den Prozess einzubeziehen, ist, dass es überhaupt nichts von der persönlichen Bedeutung wegnimmt. Tatsächlich denke ich, dass das Schöne daran ist, dass eine gute Zusammenarbeit nur eine andere Dimension der Geschichte hinzufügt, die Sie bereits erzählten. Und eine gute Zusammenarbeit wird mich, oder mich, Charlotte, als Künstlerin dazu bringen, zurückzugehen und darüber nachzudenken, auf wie viele Arten diese Person etwas sagen konnte, das ich auch fühlte, aber nicht tatsächlich sagen konnte – also führt es irgendwie zu mehr Wahrheiten.

Ich weiß, dass Sie viel schreiben, performen und selbst produzieren, und Sie haben einen Heimraum, in dem Sie Musik machen. War es schwierig, andere daran teilhaben zu lassen, oder war das auch relativ intuitiv?

Ich habe ziemlich eng mit meinem Freund Jack Rochon zusammengearbeitet, der auch in meiner Band spielt und ein wirklich enger Freund ist, und es war wirklich natürlich, mit ihm an vielen der Produktionen zu arbeiten, weil er ein erstaunlicher Zuhörer und ein erstaunlicher Instrumentalist, Produzent und Ingenieur ist. Wir haben einen ziemlich schönen nahtlosen Arbeitsablauf zusammen, also war das ziemlich einfach.

Mit anderen Produzenten, mit denen ich zusammengearbeitet habe, oder einfach Instrumentalisten, habe ich oft in anderen Studios gearbeitet und dann Leute dazu gebracht, eine Fülle von Ideen, eine ganze Menge Sounds oder was auch immer aufzunehmen, und dann komme ich zurück zu meinem Zuhause, meinem Raum, in dem ich mich wohlfühle. Und ich öffne das Projekt und bearbeite und tüftle in eine Richtung, die vielleicht persönlicher ist, mehr auf das zugeschnitten, was ich im Sinn hatte. Mit den Sounds anderer Menschen in meinem eigenen Raum nachträglich zu spielen, ist irgendwie, wo ich wirklich aufblühe.

Ich wollte Sie fragen, wie Sie entschieden haben, [das Zwischenspiel von Daniel Caesar] einzubauen, und wie der Aufnahmeprozess dafür war?

Ich meine, Daniel ist einfach ein so unglaublicher Songwriter. Ich hatte ihm etwas mit einem Instrumental darunter geschickt, auf dem er singen sollte, und das tat er, und dann war es eine dieser Situationen, wo ich alle seine Vocals in die Projektdatei importierte und dann das Instrumental stumm schaltete — wie ich schon sagte, dass ich das oft mit diesem Album machen würde, wo ich Vocals isoliere — und dann hörte ich seine Strophe nur für sich allein ohne alles darunter, und ich dachte: „Das ist einfach so kraftvoll und würde ein perfekter Moment zwischen ‚Mountains‘ und ‚Changes‘ sein.“ Und ich meine, seine Texte sind sehr schön und persönlich für ihn, und ich fühle, dass sie auch zu mir sprechen, also fühlte ich, dass es perfekt auf die Platte passt.

Ein weiterer meiner Favoriten vom Album ist „Take Care of You“ mit Syd. Und ich weiß, als Sie vor ein paar Jahren mit VMP sprachen, sprachen Sie über die Seltenheit, dass eine Frau in der R&B über die Liebe zu Frauen singt, und ich wollte Sie fragen, wie es war, mit Syd an diesem Song zu arbeiten, einer der wenigen anderen sichtbaren queeren Frauen in der R&B?

Ja, es ist so lustig, dass das in diesem Interview eine Art voller Kreis ist, weil ich wirklich froh bin, dass ich in der Lage war, dieses Gefühl, das ich zuvor hatte, zu ändern. Es war ein wirklich einfacher Fit mit Syd. Als ich diesen Song schrieb, wusste ich sofort, dass ich sie erreichen und fragen wollte, ob sie eine Strophe singen würde, weil sie einfach perfekt dazu passte. Sie hörte es und noch am selben Tag sagte sie: „Ja, absolut, ich möchte darauf singen,“ schickte ihre Strophe zurück und es war perfekt. Ich erinnere mich noch genau daran, wie ich, als ich ihre Strophe hörte, auf meinem Song mitsang, so sehr lächelte.

Sie haben darüber gesprochen, dass eine Möglichkeit, wie Sie wissen, dass Songs fertig sind, darin besteht, dass Sie Gänsehaut bekommen — und ich muss sagen, ich bekomme oft Gänsehaut, wenn ich Ihre Arbeit höre, und ich denke, ein Teil davon liegt daran, wie Sie Harmonie angehen und die Momente der Stille und Zeiten, wenn die Instrumentierung ein wenig nachlässt, einbeziehen. Verlassen Sie sich immer noch viel auf diese physische Intuition?

Das ist definitiv mein Leitfaden, eine physische Reaktion zu haben, und ich fühle — ich habe das wahrscheinlich in der Vergangenheit gesagt — aber ich bin wirklich hart zu mir selbst. Also, ich weiß, als mein strengster Kritiker, dass wenn ich mir selbst Gänsehaut bereite, dann ist es wahrscheinlich gut [lacht]. Weil ich so hart zu mir selbst sein kann, und wenn ich es höre und fähig bin, mich auf einer viszeralen, physiologischen Ebene damit zu verbinden, denke ich: „OK, es hat eine Wirkung.“ Also Zeit, es loszulassen.

Ich muss nach James Blake fragen, weil ich gelesen habe, dass Sie ein Fan sind und wirklich aufgeregt waren, dass er „Falling Apart“ neu interpretiert hat, und das war für mich als Fan von Ihnen beiden aufregend zu sehen. Können Sie darüber sprechen, wie es war, das zum ersten Mal zu hören?

Es war verrückt. Ich hatte ihn eigentlich nicht lange davor getroffen und ihn überhaupt erst zu treffen und Zeit mit ihm zu verbringen — und es war Mustafa, der uns vorgestellt hat — war schon ein ziemlich besonderes Erlebnis für mich, weil er einen riesigen, riesigen Einfluss auf mich hat. Und dann, als ich das Lied hörte, haben wir nur eine E-Mail bekommen, die sagte „Song zur Freigabe,“ oder so, und ich dachte: „Was?“ Ich öffnete es und hörte es, und ja, mein Kiefer fiel einfach herunter. Ich konnte nicht glauben, dass mein Lieblingssänger meine Texte und Melodien sang. Es war ziemlich verrückt.

Ich kann definitiv den Einfluss von James Blake in einigen Ihrer Produktionsentscheidungen hören, und besonders auf diesem Album in einigen der unkonventionelleren oder mehr remixten Vocals, wie in „Take Care of You“ oder „Changes,“ besonders. Ist das die Art von Produktion, die Sie im Moment am meisten interessiert, oder gehen Sie in andere Richtungen?

Ich denke, zu der Zeit war ich offensichtlich sehr an der Manipulation von Vocals interessiert. Im Moment bin ich in Bezug auf das, was mich produktionstechnisch interessiert, überall. Aber ich glaube, ich hatte mich in der Vergangenheit aus irgendeinem Grund von der Manipulation von Vocals ferngehalten. Ich war eher ein Purist, was die Behandlung von Vocals betrifft, dass sie ehrlich und roh sein sollten und keine schwere Verarbeitung verwenden sollten. Und dann habe ich irgendwie erkannt, dass das ein wenig archaisch und nicht erfinderisch war und einfach eine seltsame Einschränkung, die ich mir ohne Grund auferlegt hatte. Und je mehr ich mich auf die Manipulation von Vocals einließ — meine Stimme ist wahrscheinlich mein stärkstes Werkzeug, also kann ich sie genauso gut als Asset in jeder erdenklichen Weise ausnutzen.

Ich habe gelesen, dass Sie als Nächstes für andere Leute produzieren möchten; gibt es einen Künstler oder zwei, den oder die Sie unbedingt produzieren möchten?

Ich habe das Gefühl, dass es einige großartige Produzenten gibt, die genreübergreifende Produktionen machen können, aber ich würde gerne meine Hände in verschiedene Musikwelten eintauchen. Und im Moment denke ich, dass meine Lieblingssinger-Songwriterin Adrianne Lenker ist. Sie wäre unglaublich zu produzieren.

Wenn man Ihr Album insgesamt betrachtet, gibt es viele Songs, die sich mit Liebe, aber auch mit Sehnsucht und der damit verbundenen Traurigkeit befassen. Können Sie ein bisschen darüber sprechen – so allgemein oder so spezifisch, wie Sie möchten – was die Inspiration für Sie hinter dem Album war?

Ich würde nicht sagen, dass es eine spezifische Inspiration gibt, aber es ist irgendwie nur ein Schnappschuss meines Lebens in den letzten Jahren und der Beziehungen, die in und aus meinem Leben gekommen sind, sei es romantisch, unerwidert oder, wissen Sie, alle verschiedenen Arten, sogar Freundschaften. Also, alles, was ich wirklich tun kann, ist die Geschichte meines Lebens zu erzählen, und ich würde nicht sagen, dass es ein übergeordnetes Konzept oder eine Absicht gab, die ich damit hatte, es ist einfach mehr, dass dies meine Erfahrungen sind.