I 10 migliori album industriali da possedere in vinile

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle ha inventato la musica industrial. In effetti, hanno coniato il termine: Industrial Records era il loro etichetta, e la frase "musica industriale per persone industriali" è diventata il loro slogan, a partire dal report annuale del 1977 The Second Annual Report. Anche se all'inizio, ciò che significava "industriale" non era così ben definito. Formandosi come COUM Transmissions nel Regno Unito a metà degli anni '70, Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti e Peter "Sleazy" Christopherson hanno infine adottato il nome Throbbing Gristle, esibendosi in set dal vivo di confrontazione featuring immagini pornografiche o violente mentre creavano musica cacofonica, spesso con accompagnamento di spoken word, portando a capolavori dell'orrore come "Hamburger Lady" del 1978.

La loro vetta è stata 20 Jazz Funk Greats del 1979, un album che rappresenta Throbbing Gristle nel loro momento più musicale — anche se è un termine relativo. La copertina dell'album ritrae la band che appare felice a Beachy Head, un luogo di suicidi notorio in Gran Bretagna, una sorta di mossa di esca e cambio che serviva a provocare gli ascoltatori ignari che sfogliavano i bin dei negozi di dischi. Eppure, mentre questo album è duro, è anche ritmico e spesso accessibile in alcune parti, offrendo le loro interpretazioni di exotica, dub e minimal synth-punk nello stile di Suicide. Contiene anche "Hot on the Heels of Love", il loro numero disco più diretto, preso liberamente dal bagaglio di trucchi di Giorgio Moroder. Ci sono momenti di relativa calma, persino ganci, ma ogni traccia sembra precaria e inquieta, ogni istante di melodia esiste per creare un falso senso di comfort — solo per essere strappato via dalla band un momento dopo.

Killing Joke: Killing Joke

Il gruppo post-punk londinese Killing Joke non ha compiuto la trasformazione completa in industrial metal fino all'inizio degli anni '90, quando hanno rilasciato Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. Eppure, le basi di quei inno incessanti e macinanti risiedono nello stomp punk rock aggressivo del loro album di debutto omonimo. L'album — sebbene completamente realizzato con una formazione tradizionale di chitarra, basso e batteria — è inondata di suoni metallici e freddi e effetti corrosivi. Il sintetizzatore che introduce "Requiem" è qualcosa di simile a un modello primitivo per i suoni elaborati e sequenziati che Ministero e Nine Inch Nails adotteranno in seguito, mentre l'effetto vocale disorientante e distorto di Jaz Coleman in "Wardance" conferisce alla canzone un terrore bizzarro che può essere ricondotto all'industriale più antico. Seppur il debutto di Killing Joke sia più cruciale per gettare le basi piuttosto che vedere il suono pienamente realizzato, è un collegamento mancante essenziale.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton non è solo una figura fondamentale nella musica sperimentale, ma è anche altamente prolifico. Il suo catalogo vanta più di 60 album in studio, oltre a un lungo elenco di collaborazioni con artisti all'interno della musica industrial (Current 93), prototipi del genere (Faust) e quelli totalmente al di fuori (Stereolab). Il suo capolavoro, Homotopy to Marie, è arrivato relativamente presto nella sua carriera, ed è un collage sonoro di 50 minuti che abbina l'estetica della performance art dell'avanguardismo di Throbbing Gristle a una sensibilità ancora più assurda e surrealista. Pochissimi momenti su Homotopy to Marie assomigliano a melodie reali, e quegli attimi spesso arrivano dopo che l'ascoltatore è stato guidato attraverso labirinti orribili di piatti che clangono, dialoghi trovati, porte scricchiolanti, cani abbaiare e vari altri suoni che sono i più inquietanti quando le luci sono spente e tutto il resto è inquietantemente silenzioso. Il fatto che gran parte dell'album sia spazio vuoto serve solo a rendere i rumori sui nastri di Stapleton ancora più terrificanti. Mentre gli artisti industriali successivi avrebbero creato schemi ritmici di rumori e effetti così duri, Stapleton ha trovato la sua arte in una sinfonia distorta del caos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Il Cabaret Voltaire di Sheffield è iniziato proprio come i Throbbing Gristle, attraverso esposizioni di performance art abbinate a esperimenti con nastri. Tuttavia, la band — chiamata per un club di Zurigo al centro del movimento dadaista all'inizio del XX secolo — è evoluta attraverso varie fasi della loro carriera, facendo una forte impressione con singoli synth-punk come "Nag Nag Nag" prima di incorporare suoni più scuri e duri che somigliano maggiormente all'intenso approccio di ciò che ora conosciamo come "industriale". Il loro quarto album 2x45, pubblicato dopo i loro dischi iniziali più severi e il materiale più orientato al dancefloor del loro periodo di musica elettronica (EBM), è la release più creativamente selvaggia dei Cabaret Voltaire, fondendo dance punk, no wave e il militarismo pesante in elettronica dell'industriale precoce. È uno dei loro album più divertenti, spinto dai groove di brani come il brano di apertura "Breathe Deep" e "Protection", ma è anche tra le loro registrazioni più strane e sinistre. Le voci distorte e la densità caotica di "War of Nerves" sembrano un po' come uno Godflesh funky. È tra gli album più accessibili della band, nonostante gli elementi a volte duri ed è significativo che sia stato il primo a entrare nella classifica degli album del Regno Unito.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

Il nome degli Einstürzende Neubauten si traduce in "nuove costruzioni che collassano", riassumendo essenzialmente l'etica della band tedesca. Hanno portato l'idea di industrial all'estremo letterale, creando suoni da pezzi di metallo e hardware, i suoni duri che producono sono spesso più allineati con la musica concreta che con la vera scrittura. Halber Mensch (traduzione: metà uomo) ha rappresentato una svolta per la band poiché le loro composizioni sono diventate molto più musicali, più umane, anche se ancora piuttosto terrificanti. Ad esempio, la title track dell'album è un pezzo corale, ma è stuff da incubi — un settetto di voci che cantano come se fossero coinvolti in un rito cultuale. "Yü-Gung", per quanto abrasivo possa essere, è comunque guidato da un ritmo costante in 4/4 e dalla bark vocale ritmica di Blixa Bargeld. Ci sono momenti di particolare bellezza nei brani "Seele Brennt" e "Sensucht". Negli anni a venire la band abbraccerà melodie più convenzionali, i loro video appariranno anche una o due volte su 120 Minutes di MTV, ma nessun album ha mai fuso così fluidamente la cacofonia della loro strumentazione in metallo di scarto con canzoni genuine come questo.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell ha accumulato quasi tanti alias quanti ne ha registrazioni nel corso degli anni — You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus e Clint Ruin, per citarne alcuni. Ma l'evoluzione dei suoi molti nomi parla della creatività costante dalla mente del mad scientist musicale australiano. Nail, il suo quarto album in studio come Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, per quelli che tengono il conto), è al contempo il suo lavoro più accessibile e l'insieme di musica più sfrenamente creativo. Una fusione dei suoni percussivi metallici e clangorosi dell'industriale con blues, jazz, post-punk e persino canzoni da musical, l'album a volte sembra le colonne sonore dei cartoni di Raymond Scott eseguite da robot malvagi.

I punti di riferimento di Thirlwell sono numerosi e diversi, prendendo in prestito da Shakespeare nello stomp punk-blues "Throne of Agony", mentre "Enter the Exterminator" incorpora elementi di "In the Hall of the Mountain King" di Grieg e "DI-1-9026" fa riferimento a Timothy Leary. Quando l'album raggiunge la traccia finale "Anything (Viva!)", Thirlwell urla: "Posso fare qualsiasi dannato cosa voglio!" In effetti.

Coil: Horse Rotorvator

La copertina dell'album Horse Rotorvator dei Coil, una semplice ma inquietante immagine di un gazebo vuoto con le sue ombre che si estendono su un campo vuoto, è imprinted con una breve narrazione su un "immenso dispositivo di movimento terra" realizzato con le mandibole dei cavalli dei Quattro Cavalieri dell'Apocalisse. Questo è un buon indizio dei tipi di orrori inquietanti che aspettano l'ascoltatore nell'album. Dove un artista come Nurse With Wound è terrificante a causa dell'assoluta incomprensibilità di ciò che succede, i Coil creano un tipo simile di orrore da qualcosa di molto più accessibile, persino bello. John Balance, Stephen Thrower e l'ex membro dei Throbbing Gristle Peter Christopherson trovano bellezza nella depravazione e viceversa, mostrando un lato inquietantemente tenero sulla ballata "Ostia (The Death of Pasolini)", una nenia proto-neofolk sulla brutale uccisione del regista Pier Paolo Pasolini nel 1975. C'è anche lo stomp marziale punitivo di EBM in "Penetralia" e l'atonalità agghiacciante in "Blood From the Air". Una voce familiare per gli ascoltatori new wave appare anche nella straordinaria "Slur" death-blues, precisamente quella di Marc Almond dei Soft Cell, accreditato con il nome Raoul Revere. Solo due anni prima, infatti, i Coil avevano fatto la loro versione di "Tainted Love", resa famosa dai Soft Cell, con Almond apparso nel video simboleggiando l'Angelo della Morte.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Gli anni iniziali dei Ministry sono stati spesi a lanciarsi praticamente tutto contro il muro e vedere cosa attaccava (sint-pop, nuova romantica, goth rock), e negli ultimi due decenni li abbiamo visti stabilirsi nel metal industrial politico e pieno di battute. Ma a metà degli anni '80, Al Jourgensen e compagni hanno trovato il loro ritmo, creando essenzialmente il template per l'industrial rock. Dove l'industriale ha storicamente avuto un piede nello spazio artistico e l'altro sulla pista da ballo, i Ministry hanno a lungo preferito quest'ultima, i loro suoni ricchi di campioni creando una collisione di ritmi elettronici e chitarre heavy metal.

The Land of Rape and Honey non è certamente il loro album più snello, ma è di gran lunga il loro migliore, un'esplosione creativa di oscura atmosfera minacciosa e pura intensità. Con "Stigmata", hanno creato un inno da club per rivaleggiare con il loro precedente singolo più kitsch "Every Day Is Halloween", mentre "The Missing" li ha visti spingere oltre l'estetica metal e "Golden Dawn" evocava un'atmosfera apocalittica e cinematografica che evoca immagini di edifici in rovina e colonne di fumo. Sebbene i Ministry siano lontani dall'essere il gruppo più serio nella storia dell'industriale, sono stati i primi a dominarlo come una produzione su larga scala, amichevole per il pubblico.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick aveva solo 19 anni quando fece il suo debutto monumentale nell'industrial-metal con Godflesh, Streetcleaner del 1989. Questo è un fatto notevole considerando che non sembra l'opera di un neolaureato — è il tipo di suono che ti aspetteresti di sentire provenire da entità malvagie e immortali che vivono sotto la superficie della terra. Dove le radici del metal industrial provenivano principalmente da artisti che si erano evoluti dalle radici post-punk iniziali dell'industriale — come Killing Joke o Ministry — il personale dei Godflesh era già in parte affermato nel metal stesso, Broadrick avendo suonato brevemente nei Napalm Death prima di rallentare il ritmo e reclutare una drum machine. Streetcleaner, di conseguenza, non è in nessun modo un album da ballo — è una serie dura di urli primordiali spostati di tonalità, riff di chitarra macinanti e thud di basso Roland. È il suono di una distopia particolarmente sadica.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

Per la stragrande maggioranza degli atti pionieristici dell'industriale, l'accettazione mainstream non era un fattore molto importante, e nel caso dei Throbbing Gristle, il successo incrociato era un'idea che andava completamente contro le loro sensibilità provocatorie. Eppure per Trent Reznor, un artista che ha collaborato effettivamente con membri dei Throbbing Gristle, pop e industrial non erano contraddittori. Rolling Stone ha descritto il debutto dei Nine Inch Nails Pretty Hate Machine come "il primo album industrial di un cantautore", e con il suo seguito del 1994, The Downward Spiral, Reznor ha usato quel primo schema per costruire un album d'arte rock coeso e concettuale utilizzando gli strumenti dell'industriale per creare il suo suono widescreen.

Alla sua uscita, The Downward Spiral è stata una svolta senza precedenti per la musica industrial, mostrando sia gli estremi maniacali del metal industrial basato su campioni ("March of the Pigs") sia la sua ballata più introspettiva e devastante ("Hurt"). A volte, l'album assomiglia persino a un'entità robotica che si muove attraverso docce di scintille, come nella feroce "Reptile". È un capolavoro di produzione, uno che ha reso l'idea di musica industrial universalmente riconosciuta, grazie non poco al successo travolgente del brano erotico, "Closer". Il fatto che Maxwell abbia reinterpretato il pezzo nello MTV Unplugged solo un paio d'anni dopo ha segnato un momento piuttosto surreale in cui la linea tra una cultura underground un tempo ricca di rumori e il Top 40 si è finalmente sfumata.