Bailamos cuidadosamente hacia el \"Laurel Hell\" de Mitski

“Demos un paso cuidadoso hacia la oscuridad. Una vez que estemos dentro, recordaré mi camino,” Mitski promete a los oyentes en la línea de apertura de su nuevo álbum, Laurel Hell. Hay un pequeño retraso entre las pistas vocales duplicadas, creando un eco sutil y escalofriante sobre el ominoso zumbido de apertura del sintetizador. Como resultado, escuchamos cada una de sus consonantes nítidas dos veces en rápida sucesión, pareciendo el sonido de un santoku afilado ejecutando un corte confiado contra una tabla de cortar resistente. Después de la pausa de la artista de 31 años, la línea se siente como un intenso y magnético viejo amigo que se acerca para retomar donde lo dejaste.

La pausa de Mitski de dos años y medio, y el agotamiento y sufrimiento que la motivaron, son tanto un tema recurrente lejano a lo largo del álbum, como lo que ofreció el espacio que hizo posible su regreso. Cuando se fue, no estaba segura de si volvería. Ella ha explicado que la necesidad de un descanso se debía a un cóctel destructivo de años consecutivos de giras rigurosas, y el desgaste espiritual constante que proviene de verse obligada — como cualquier artista exitoso en una economía capitalista, en cierto grado, debe — a convertir tu persona en un producto para el consumo masivo. Poco después de que se alejara de la industria musical, a finales de 2019, escribió el sencillo principal del álbum, “Working for the Knife.” En muchos sentidos, la pista se siente como un compañero sombrío del sencillo principal de su último álbum, “Geyser,” en el que presenta una metáfora del impulso interno explosivo para crear. ¿Y si, se pregunta el narrador de “Working for the Knife,” esa misma fuerza inevitable te impulsa hacia una vida o entorno que te está deteriorando? La percusión sincopada de la canción suena como una burla infantil y los acordes de guitarra distorsionan y deforman la forma en que el aire caliente dobla y refracta la luz.

Con lanzamiento programado para el 4 de febrero en Dead Oceans, Laurel Hell lleva el nombre de un término folklórico de los Apalaches del Sur donde las hermosas y densas plantas de laurel crecen abundantemente. Al igual que la idea de vivir exitosamente creando música y persiguiendo tus sueños, la planta es deslumbrante y seductora. Sin embargo, como sugiere el término “laurel hell,” los laureles son peligrosos, venenosos y están compuestos de ramas torcidas y nudosas que dejan a humanos y vida silvestre propensos a quedar atrapados dentro de sus parches.

Tomando inspiración de algunos de los momentos más brillantes y optimistas de su último álbum, Laural Hell se inclina hacia el New Wave, la disco y el pop de los 80, convirtiéndolo en su disco más bailable hasta la fecha. Si bien Mitski mantiene con frecuencia su capacidad sorprendente de producir sonidos y melodías que son distintivamente Mitski, en cualquier momento, las canciones del álbum evocan un rango desde Sylvester hasta ABBA hasta Depeche Mode. Ella explicó a la periodista Matt Wilkinson en Apple Music 1 que el álbum había pasado por una variedad de sonidos: En varios momentos durante la producción del álbum, comenzó a tomar la forma de un disco punk o una colección de canciones de rock que suenan tristes. En un momento, era un álbum de country. Quizás sorprendentemente, lo que finalmente empujó a Mitski y a su productor de mucho tiempo, Patrick Hyland, hacia un universo sónico brillante y resplandeciente fue una reacción al impacto de COVID-19.

“A medida que avanzaba la pandemia, Patrick y yo dejamos de poder — simplemente no podíamos soportar la idea de hacer otro tipo de álbum triste y sombrío. Simplemente no podíamos hacerlo,” dijo. “Creo que estábamos pensando, ‘¿Qué tipo de sentimiento queremos producir? Queremos producir algo que sea esperanzador. ¿Cuándo la música se sentía esperanzadora? En los 80.”

Los personajes que encontramos en lo último de Mitski son, sin sorpresa, mucho más complicados que muchos de aquellos en sus brillantes predecesores de los años 80. En la explosión sintética “The Only Heartbreaker” — la única canción en el disco y la primera canción en el catálogo de Mitski que comparte un crédito de coautoría, en este caso, con Dan Wilson de Semisonic — el protagonista asume el papel de “villano” en una relación, pero identifica sus errores como un signo de esfuerzo e inversión emocional. Una narrativa sexual carga “Stay Soft” impulsada por el bajo, pero es una de desesperación y peligro, sugiriendo el costo recíproco que la vulnerabilidad y el placer a menudo conllevan: “Abre tu corazón, como las puertas del infierno,” canta. “Should’ve Been Me” lleva el sentimiento exacto que el título sugiere, pero a diferencia de la mayoría de las canciones de “eso debió ser yo”, este narrador se disculpa y asume la culpa: “No te he dado lo que necesitas.” La mesa narrativa de Mitski está impulsada por el realismo, y hay espacio para el paradoja y la complicación; lo bueno, lo malo, la ira, la promesa, la desesperación, el éxito, la agotamiento — todos se sientan juntos en armonía y perfecta conversación.

“No estoy diciendo que no haya matices en la música pop, pero creo que una narrativa prevalente en la música pop es la del chico bueno y el chico malo,” le dijo a Wilkinson. “Y esas canciones nunca expresan realmente todo el espectro de lo que siento y mi realidad. Y mi realidad es que a veces me doy cuenta de que soy la mala persona en la relación; a veces soy el que está haciendo las cosas mal. O a veces, la otra persona en la relación hizo algo mal, pero entiendes por qué y la ves como una persona completa, por lo que sientes compasión hacia ella.”