Die 10 besten Alben von Rolling Stones, die Sie auf Vinyl besitzen sollten

  

England’s Newest Hit Makers (1964)

Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman und Charlie Watts brachen 1964 mit ihrem amerikanischen Debütalbum, England’s Newest Hit Makers (bekannt als The Rolling Stones im Vereinigten Königreich), auf. Das Album besteht überwiegend aus Covers und beginnt mit dem Opener „Not Fade Away“, einem Cover von Buddy Holly, das sehr an Bo Diddley erinnert, einen frühen Helden der Band. Dieses eine Lied fasst die Stones so gut zusammen; indem sie den Bo Diddley Beat in diesem Cover verstärken, erkennen sie scharfsinnig an, dass sie eine Gruppe weißer Kids sind, die schwarze Musik nachahmen, und auf dem Rest des Albums beweisen sie ihre Aufrichtigkeit, indem sie anderen Blues-, Rock- und R&B-Helden wie Willie Dixon („I Just Want To Make Love To You“), Muddy Waters („I’m a King Bee“), Chuck Berry („Carol“) und Rufus Thomas („Walking the Dog“) Tribut zollen. Jagger und Richards hatten sich zu diesem Zeitpunkt noch nicht als starkes Songwriting-Team etabliert (nur drei der zwölf Titel sind Originals), aber „Tell Me“ ist ein Pop-Rock-Highlight. Die ungeschliffene rohe Energie des Albums sowie ihr einzigartiges Bad-Boy-Image gewannen die Fans und waren der Beginn einer langen (LANGEN) Musikkarriere.

  

Aftermath (1966)

Mit der UK- oder US-Version von 1966s Aftermath kann man nichts falsch machen, da dieses Album mit beiden Tracklistungen hervorragend ist. Aber um es kurz zu halten, werde ich nur über die US-Version sprechen. Ganz in Hollywood aufgenommen, ist Aftermath die Stones in ihrer voll ausgebildeten Form. Nicht mehr auf Covers angewiesen, die ihre Songs ausfüllen, sind Mick und Keith ein selbstbewusstes Songwriting-Team und füllen zum ersten Mal ein ganzes Album mit ihren Originals. Ihr Fokus auf Arrangements und Brian Jones' Experimente mit Instrumenten wie Sitar, Marimba und Dulzian fügt der Musik größere Komplexität hinzu. Blues- und frühe Rockeinflüsse bleiben, aber es gibt auch Pop und alles andere, was in den 60er Jahren passierte. „Paint It Black“ eröffnet das Album mit dem bekannten Riff auf Sitar, das in einem kraftvollen Lied über Depression und Isolation führt. In „Under My Thumb“, das durchgehend Marimba-Gefühl hat, wird das Übergewicht in einer Beziehung gefeiert. Die Dulzian wird auf dem englischen Folk von „Lady Jane“ und dem zarten Popsong „I’m Waiting“ verwendet. Diese Vielseitigkeit bedeutete, dass die Stones nicht mehr nur eine Blues-Rock-Band waren, sondern eine Kraft in der Popmusik.

  

Beggars Banquet (1968)

Nachdem sie die letzten Jahre mit barocker Pop- und Psychadelie geflirtet hatten, wurde Beggars Banquet als Rückkehr zu ihren Bluesrock-Wurzeln in einem späten Jahrzehnt gefeiert, das von zivilem Unruhen in den USA sowie den Morden an MLK und Kennedy geprägt war. Mit der zunehmenden Instabilität von Gründungsmitglied Brian Jones trat Keith ein und integrierte einen härteren Sound, der perfekt zu ihrem bevorzugten Original-Cover-Artwork einer schmutzigen Badezimmerwand passt. Der Album-Opener „Sympathy for the Devil“ mit seinen aufregenden Congas und provokativen Lyrics (hey, ein Rock ‘n Roll-Song, der wirklich vom Teufel handelt) setzt einen aggressiven Ton, gefolgt von akustischem Blues („No Expectations“) und Bluegrass („Dear Doctor“). Aber wenn du denkst, dass du dieses Album ohne Rockmusik verlassen kannst, denk noch einmal nach, denn „Jigsaw Puzzle“ und das politische Lied „Street Fighting Man“ werden dich mit Lyrics wie „hey, denk, die Zeit ist reif für eine Palastrevolution/aber wo ich lebe, ist das Spiel, das zu spielen ist, ein Kompromiss“ aus den Socken hauen. Beggars Banquet begann eine vier-Alben-Runde, die die meisten Fans als das goldene Zeitalter der Band betrachten, in dem sie den Anspruch auf den Titel „größte Rock’n’Roll-Band“ anmeldeten.

  

Let It Bleed (1969)

Veröffentlicht Ende 1969, sah Let It Bleed die Stones, die ein Jahrzehnt abschlossen, in dem das Swinging London und der Sommer der Liebe nun eine ferne Erinnerung waren und der Krieg in Vietnam im Fernsehen lief. Das Album führt das fort, was sie mit Beggars Banquet begonnen hatten, und tropft vor Sex und Blut. Rock‘n‘Roll-Schwung kombiniert sich mit Country-Blues auf düsteren und schmutzigen Geschichten. Der unheimliche Album-Opener „Gimme Shelter“ stellt sich eine Welt vor, die sich schließt und entwickelt sich zu einem der größten Rocksongs aller Zeiten (Merry Claytons Gesang allein ist den Preis wert), bevor es sich verabschiedet von einer Liebe im brillanten Cover von Robert Johnsons „Love in Vain“. Dann trinken sie sich durch Bars („Country Honk“) und machen anzügliche Vorschläge in „Live With Me“ und „Let It Bleed“. „Midnight Rambler“ droht mit bevorstehender Gewalt (diese Tempoerhöhungen erhöhen die Spannung) und der epische Albumabschluss „You Can’t Always Get What You Want“ handelt davon, sich zu resignieren und die Schläge des Lebens zu akzeptieren, beginnend in einer gedämpften Stimmung und dann aufbauend zu einer ausgelassenen Party, die nur von denen erlebt werden kann, die wirklich nicht wissen, was als Nächstes kommt.

  

Get Yer Ya-Ya’s Out! (1970)

Get Yer Ya-Ya’s Out! ist ein Live-Album, das Ende 1969 während ihrer amerikanischen Tour aufgenommen wurde, wobei die Songs hauptsächlich von Beggars Banquet und Let It Bleed stammen, was ein hervorragendes Live-Dokument der Rolling Stones in ihrem arguably Prime darstellt (und einen Monat vor der Tragödie von Altamont). Diese Tour markierte auch die Hinzufügung von Gitarrist Mick Taylor zur Besetzung, der zu Beginn des Jahres Brian Jones während der Let It Bleed -Sitzungen ersetzt hatte. Mit den meisten der zehn Titel, die an zwei Nächten im Madison Square Garden aufgenommen wurden, ist die Darbietung straff, mit Mick Jaggers glühenden Vocals, die von dem puren Feuer, das das Gitarrenspiel auf diesem Album ist, begleitet werden. Keith Richards und Taylor liefern eine herausragende Leistung, wobei insbesondere „Sympathy for the Devil“ und „Street Fighting Man“ hervorgehoben werden. Die epische Version von „Midnight Rambler“ ist so gut, dass sie auf der Hot Rocks-Kompilation platziert wurde. Es mag mehr begehrte Live-Bootlegs aus dieser Zeit geben, aber was offizielle Live-Alben betrifft, ist dies eines der besten überhaupt.

  

Sticky Fingers (1971)

Erleichtert, von ihrem Vertrag mit Decca/London befreit zu sein, gründete die Band ihr eigenes Label, Rolling Stones Records, und das berühmte „Zunge-und-Lippen“-Logo, dann eröffneten sie das Jahrzehnt mit Sticky Fingers, mit Stücken, die von bluesy-country rock und geradem Blues bis hin zu lateinamerikanischen Einflüssen und Soul reichen, und weiter auf ihrem Ruf für direkte Songs über Sex und Drogen basieren (schau dir das Cover von Andy Warhol an!). Die laszive „Brown Sugar“ eröffnet das Album mit Lyrics über Sklaverei und Sex und wenn es nicht so hart rocken würde, bezweifle ich, dass wir es heute noch im Radio hören würden. Der unterschätzte Rocker „Sway“ hat ein episches Outro-Gitarrensolo von Mick Taylor. Ein weiteres Album-Highlight ist „Can’t You Hear Me Knocking“, das ein absolutes Jam ist und mit traumhaften Saxophon- und Gitarrensoli sowie lateinamerikanischen Rhythmen gipfelt. Der Rücken des Schwungs ist ein ernsthafter Aufwand für ihr Handwerk mit dem Bluescover von „You Gotta Move“, der souligen „I Got The Blues“ und den bekannten Balladen „Wild Horses“ (ein Meisterwerk des Country-Rock) und „Moonlight Mile“. Letzteres ist ein Klassiker darüber, müde von all dem Ruhm zu sein (oder vom Abstieg eines Kokainrausches, such dir aus, was du willst), in dem Jagger all die Haltung zugunsten von Lyrics, die schmerzhafter und offenbarer sind, ablegt.

  

Exile on Main St. (1972)

Exile on Main St. ist ein weitläufiges Doppel-LP, das lebhafte Rocker, Country-Rock und sonnenverwöhnte Gospel-Elemente umfasst und das letzte Album des goldenen Zeitalters der Stones markiert. Als Steuermigranten in Frankreich lebend, heißt es, dass der Großteil der Aufnahmen in der zweiten Hälfte von 1971 im Keller von Keiths gemieteter Villa stattfand, wo Alkohol und Drogen reichlich flossen. Micks frisch verheirateter Status bedeutete, dass er nicht oft anwesend war, sodass Keiths Hingabe an die amerikanische Rootsmusik das Album stark beeinflusste, insbesondere in Songs wie „Shake Your Hips“, „Sweet Virginia“, „Casino Boogie“, „Tumbling Dice“ und „Happy“, wobei Keith den Lead-Gesang übernimmt. Die Aufnahmen wurden in Los Angeles fortgesetzt, wo Mick seine Note zu den Arrangements hinzufügt und Overdubs und Gospel-Einflüsse hinzufügt. „Tumbling Dice“, die einzige Single aus dem Album, die es in die Top 10 schaffte, profitiert von den zusätzlichen Nuancen; über einen umherziehenden Glücksspieler, lässt es einen die Fenster öffnen und eine Umleitung auf einer Landstraße machen. Aber es geht bei Exile nicht wirklich um Hits. Die Wirkung wird am besten wahrgenommen, wenn man es als Ganzes hört, die Lyrics sind sekundär zum Gesamtgefühl eines primären Bedürfnisses, Rock’n’Roll-Exzess und der Spannung einer Band, die kurz davor steht, auseinanderzufallen. Das kürzlich veröffentlichte Remaster von 2016 ist brauchbar, aber eine hochwertige Pressung aus den frühen 70ern ist vorzuziehen.

  

Goats Head Soup (1973)

Aufgrund verschiedener drogenbedingter rechtlicher Probleme reiste die Band nach Jamaika für die Aufnahmen zu Goats Head Soup. Die Stones kommen von den Drogen-Exzessen von Exile on Main St. herunter und gehen in einen glitzernden Studio-Modus über, indem sie Glam- und Funk-Elemente wie in „Dancing with Mr. D“ und „100 Years Ago“ integrieren. Es ist auch mehr balladenlastig, mit Mick und Keith im Duett zu „Coming Down Again“ über das Stehlen der Freundin eines Freundes, bevor Mick ein Mädchen sanft in „Angie“ enttäuscht. Aber „Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)“ und das schlüpfrige „Star Star“ knurren genug, um dich daran zu erinnern, dass dies immer noch die Rolling Stones sind und niemand die dunklere Seite der menschlichen Natur besser erkundet. Sehr anders als Exile, erhielt das Album bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung gemischte Kritiken, obwohl es eine Hitsingle mit „Angie“ generierte, sodass es nicht in das hochgeschätzte goldene Zeitalter fällt, aber die kritische Wertschätzung hat im Laufe der Zeit zugenommen. Es gibt auch Anzeichen dafür, dass aktuelle Vinyl-Liebhaber die qualitätsvolle Arbeit des Albums anerkennen. Laut diesem Artikel war es im letzten Jahr eine der Top 3 liebsten Vinylplatten in mehreren Bundesstaaten.

  

Some Girls (1978)

Bis Ende der 70er Jahre waren die Stones von den Listen der Künstler gestrichen worden, die als an der Spitze ihres Spiels gelten konnten. Keith war immer noch in rechtliche Probleme wegen seines Drogenkonsums verwickelt, während Mick sich eher um den Promi-Lebensstil als um die Pflichten einer Rockband schien. Aber die Stones haben immer gewusst, wie sie zeitgenössische Musiktrends in ihren Klang integrieren können, indem sie etwas Erkennbares relevant klingen lassen. Some Girls ist geprägt von Disco- und Punk-Einflüssen auf Songs wie ihrem letzten US-Nummer-eins-Hit „Miss You“, dem kraftvollen „Respectable“ und den gebrochenen urbanen Träumen von „Shattered“. Sie können es mit „When The Whip Comes Down“, „Lies“ und dem Titeltrack schmutzig machen (Achtung: sehr peinliche Lyrics über Frauen) und ein bisschen Country-Feeling in „Far Away Eyes“ hinzufügen. Richards wird in „Before They Make Me Run“ persönlich, ein Kommentar zu seinen rechtlichen Problemen, und steuert eine ihrer besten Balladen „Beast of Burden“ bei, in der Richards und Ronnie Wood mühelos Gitarrenlicks wechseln. Ein von vorne bis hinten solides Album, das sowohl kritischen als auch kommerziellen Erfolg hatte, brachte Some Girls sie ein letztes Mal an die Spitze, bevor sie schließlich an Boden gegenüber neueren und frischeren Acts in den 1980er Jahren verloren.

  

Blue and Lonesome (2016)

Wie es häufig im Alter der Fall ist, beginnen die Menschen, auf den Anfang zurückzublicken. Musikstile und Bandbesetzungen ändern sich, aber die Rolling Stones haben nie ihre Liebe zum Blues verborgen. Tatsächlich enthält die Mehrheit ihrer Alben ein Blues- oder frühes Rockcover. Aufgenommen über drei Tage, sehen die Stones im letzten Jahr Blue and Lonesome, während sie diesen Einflüssen (und ihrer eigenen langjährigen Vorliebe für Covers) Tribut zollen, indem sie es zu einem gesamten Album machen. Der Schwerpunkt liegt hauptsächlich auf Chicago-Blues, dem Stil, den die Band in ihren frühen 60er-Jahre-Clubtagen spielte, es gibt aber auch ein wenig Southern und Delta-Blues („Hoodoo Blues“ und „Everybody Knows About My Good Thing“). Das Album beginnt mit einer Little Walter-Version von „Just Your Fool“, und die Hommagen gehen weiter mit Covers von Legenden wie Howlin’ Wolf, Memphis Slim, Lightnin’ Slim, Willie Dixon und Otis Rush. Am besten veranschaulicht durch ihre Version von „Ride ‘Em On Down“, die Eric Clapton auf Slide-Gitarre zeigt, ist das Album eine unterhaltsame Fahrt mit einigen alternden Rockstars, die ihre Leidenschaft für Blues neu entdecken und teilen, nur dass sie diesmal von der durch Jahre von Fehlern und hartem Leben gewonnenen Weisheit unterstützt werden. Immer noch voller Selbstbewusstsein und Stolz, machen es die Stones auf ihre Weise und egal, was jemand anders denkt.