Överbrygga klyftan mellan publik och artist med Jen Cloher

##Vinyl Me, Please: Över vilken tidsperiod skrev du Jen Cloher?

##Jen Cloher: Jag tillbringade ett par år med att skriva det här albumet, och jag tog mig tid medvetet av flera skäl. Det första var att jag visste att jag ville vara mycket medveten om vad jag skrev om på detta album, och det känns som en tid i världen för mig där det kändes viktigt att sakta ner och tänka på vad jag bryr mig om, vad som är viktigt för mig och vad jag vill kommunicera i mitt låtskrivande. Den andra anledningen till att jag tog det långsamt var för att jag hade mycket arbete inom andra områden, främst med att hantera Milk! Records, skivbolaget som Courtney och jag startade 2012. Det blev ganska hektiskt, så det var lite av en jongleringsakt att hitta tid att skriva skivan, men jag lyckades till slut.

##Med mer erfarenhet av affärssidan av musik—att hantera Milk! och grunda I Manage My Music—påverkade det din inställning till att göra detta album?

Jag tror att det mer var ur mitt perspektiv som artist i Australien och hur svårt det kan vara. Jag tror att det som är specifikt för Australien—som jag inte är säker på om amerikaner eller européer skulle känna—är denna isolering, eftersom vi är så långt bort från resten av världen. Även om vi har den digitala eran, och vi kan dela musik till andra delar av världen med ett knapptryck, finns det fortfarande det faktiska fysiska avståndet av att vara tusentals mil bort. Och kostnaden för att resa till dessa platser och turnera med ett band till dessa platser. Jag skriver ganska öppet om det på skivan.

##Påverkades låten “Strong Woman” av din erfarenhet i musikindustrin—en industri som ibland kallas för en “pojkkubb”?

Jag känner många kvinnor i musik i Australien, yngre kvinnor som verkligen hittar sig själva, kvinnor i tonåren och början av 20-talet, och de hittar sin plats i musiken—oavsett om de är arbetande musiker och låtskrivare eller om de arbetar inom branschen som recensenter, i ledningsroller, vad som helst. Och jag såg verkligen mycket av deras sårbarhet, du vet sårbarheten i att försöka hitta din plats, din väg. Och det fick mig att tänka på min egen resa, och även om jag inte skulle säga att jag landade och hade alla svar och visste vad jag gjorde—det har varit en lång resa att komma till en plats där jag känner att jag ens kunde skriva en låt som "Strong Woman"—men det erkänner att jag hade en otrolig tur att ha denna väldigt starka matriarkala linje. Den inhemska maorifolket på Nya Zeeland är min mammas linje, så jag kommer från maori-arv, och det finns en verklig styrka som går genom dessa kvinnor, och det var på något sätt naturligt i mig, eftersom det har förts vidare både genom exempel och kanske genom gener. Och jag antar, på ett sätt, erkänner jag hur tacksam jag var att jag hade så starka kvinnliga förebilder i mitt liv, och att det tillät mig att ta fler risker och ha lite mer självförtroende.

Och direkt när det gäller musikindustrin, läste jag denna fantastiska NPR-artikel om kvinnor i musik, och omdefiniera alla dessa slags listor, som dessa trötta, gamla listor över klassiska rockalbum av män. Och de listade 150 av de bästa albumen genom tiderna av kvinnor. Och det var så häftigt. Jag tittade bara genom dessa album och tänkte, "Wow, otroligt!" Kvinnors bidrag till musik är inte symboliskt; det är massivt. Och det är sant, som de påpekar, det är denna konstiga berättelse som har berättats att kvinnor är utanför eller är en minoritet eller inte har något att erbjuda eller inte skrev klassiska album eller inte bör nämnas i samma mening som Bob Dylan eller Neil Young eller Leonard Cohen, och det är skitsnack. Det finns alla dessa otroliga låtskrivare och artister, men jag tror inte att det riktigt har funnits en kultur för dessa artister att fullt ut erkännas för deras bidrag.

##Hur formade din australiensiska identitet ditt skrivande på detta album, särskilt på “Regional Echo” och “Great Australian Bite”?

Dessa sånger i synnerhet, och den andra sången "Analysis Paralysis," talar mycket direkt om—det finns en konstig... det är liksom en småstadstänkande i Australien. Du vet om du kommer från en småstad, och om du har någon form av framgång, vill folk se till att du inte blir för stor för dina skor? Jag vet inte om det händer i Amerika, där det är som, "Uh-uh, tro inte att du är för bra nu." Jag bodde i staterna när jag var 10, och jag kände faktiskt skillnaden där i attityden kring att följa dina drömmar. Det fanns denna mycket större attityd där människor var ganska positiva och uppmuntrande. Och sedan när jag återvände till Australien märkte jag verkligen att det inte fanns där.

Historiskt sett kommer den vita australiensiska kulturen från fångar som vi kom med här på turskepp, och det var verkligen ett straff att föras ner till Australien. Det bosattes på denna mycket hårda mark som var mycket svår för dessa engelska bönder att försörja sig på. De visste inte hur man skulle hantera klimatet här nere, det är mestadels öken, du vet, hjärtat av Australien är mestadels öken. Självklart hade det funnits en otrolig, urgammal inhemsk kultur som hade varit här i fyrtio tusen år. Ingen tänkte kanske fråga dem om det bästa sättet att leva i detta land. Det är en helt annan historia. Även om jag refererar till det i "Regional Echo": "Den australiensiska drömmen bleknar / stulen ändå." Det finns definitivt ett ärr i vårt nationella psyke kring att i stort sett stjäla detta land från folket som bodde här. Det har en krusningseffekt som vad som helst, du kan inte täcka över det förflutna och låtsas att det inte hände. Och jag tror, på ett sätt, vi medvetet håller oss små och drar tillbaka varandra från att bli för stora för våra skor eftersom det faktiskt finns en slags skam kring vår grundande historia så långt som den vita kulturen här.

##Efter att ha varit i scenen ett tag, delar du uppfattningen att musikscenen i Australien har utvecklats och fått fart nyligen?

Det känns som att världen på något sätt har vänt sin uppmärksamhet mot australiensisk musik mycket mer. Särskilt under de senaste 5 till 8 åren, känns det som att det har skett ett verkligt skifte mot att globala publiker känner att vår värld är världsklass. Och jag tror att det verkligen har förändrat vår kultur här i Australien. Den faktiska sanningen—det är lite sorgligt—är att vi uppfostrades—jag menar, jag är 43 nu, men jag uppfostrades att tro att riktig musik hände utomlands. Som, riktig musik var från Amerika och riktig musik var från Storbritannien och Europa. Och det är ett mycket vanligt trossystem för min generation. Och det har beskrivits som "kulturell kris", där vi inte hade självkänslan att tro att kanske den musiken som vi gjorde i detta land var fantastisk. Och så det är riktigt, riktigt bra att se en ny generation av artister komma upp och ha dessa exempel på människor som Courtney och Tame Impala och Flume och Tash Sultana och King Gizzard and the Lizard Wizard faktiskt gör riktiga vågor runt om i världen. Så det är en fantastisk tid att göra musik i detta land. Men, bara för att förankra det med lite verklighet, för ett australiensiskt band att turnera över till staterna—bara för att landa ett fyrdelat band i staterna med flygbiljetter, returbiljetter och visum—är cirka $15 000, och du har inte ens spelat en show.

##Videon till “Forgot Myself” är vacker och verkligen konceptuellt intressant. Var det din idé?

Det var faktiskt regissören Annelise Hickey… Hon kom på något sätt vid denna perfekta tid. Hon är ett fan, och vi inspirerades verkligen av varandra. Jag är inte det största fanet av att göra videoklipp—det kan vara lite nervöst—och det slutade med att det blev riktigt roligt, inspirerande… Du vet de upplevelser i livet där du bara står och tänker, "Det finns ingen annanstans jag hellre skulle vara just nu, det här är fantastiskt, jag gör det jag var född att göra?" Och jag kände så när jag gjorde klippet med henne, jag var som, "Jag är så glad att vara med denna grupp av människor och göra konst." Och det kändes som om detta klipp var mångfacetterat, hade något att säga, och estetiskt, var riktigt vackert gjort och filmat av Simon Walsh.

##Påverkade något du lyssnade på vid tiden du skrev eller spelade in albumet processen att göra det?

Vi slutade med att mixa albumet i Chicago på The Loft, som är Jeff Tweedy och Wilco's inspelningsstudio och klubbhus, och det är som ett litet museum fullt av amerikanska musikarbeten, och det är en ganska fantastisk plats. Jag valde definitivt att åka och arbeta med deras ingenjör, Tom Schick, som har gjort många av de senaste Wilco-albumen. Han spelade in ett Tweedy-album Sukierae, som jag är ett riktigt stort fan av—jag tycker att låtarna är helt fantastiska på den skivan, och jag älskade hur albumet låter så verkligt. Sättet albumet är mixat och den ingenjör som jag använde var baserat på en del av den musik jag hade lyssnat på vid tiden jag skrev skivan.

##Hur var själva inspelningsprocessen?

Jag är ett riktigt stort fan av en australisk låtskrivare och musiker som heter Greg Walker, som har släppt kanske fem album nu som Machine Translations genom Spunk Records. Han är en otrolig kompositör och arrangör för tv och film också. Han har en studio i—det kallas Gippsland—detta vackra, frodiga, gröna band av landsbygd. Massor av kor och får och rullande gröna kullar ungefär en och en halv timme utanför Melbourne. Jag tänkte bara att det skulle vara roligt att åka och spela in—han har ett slags lada där ute. Vi tillbringade cirka 10 dagar där ute med våra partners och husdjur—vår trummis har ett par hundar som också kom ut. Och, eftersom Bones spelar bas i mitt band och också spelar bas i Courtney's band, så både jag och Bones' partner hade tillbringat mycket tid borta från våra partners, på grund av den framgångsrika karriären som hände för dem. Så jag ville verkligen se till att partners inte lämnades utanför inspelningsprocessen, att ha alla där men fortfarande kunna göra en skiva.

##Courtney spelade på detta album med dig—hur var det att spela in låtar om ditt förhållande tillsammans?

Jag tror att vi båda förstod att låtskrivande är låtskrivande, och på ett sätt berättar det en liten ögonblicksbild av en historia. Jag var mycket öppen med Courtney om hur mycket jag kämpade med att hon var borta så mycket, men jag ville inte hålla henne tillbaka på något sätt. Så, det var inte som en skuldresa—jag förstod helt att hon hade denna möjlighet och en publik som ville se henne spela över hela världen, men jag var också tvungen att vara ärlig om hur det kändes. Men det var verkligen bra att kunna skriva om det i min musik så att jag inte lät som en trasig skiva för henne.

Varje förhållande har sina kämpor och sin oro, och jag känner att ju mer vi delar med oss av vår mänsklighet och vad vi alla har gemensamt, dessa känslomässiga reaktioner på saker i livet, desto mer respekterar folk det. Jag känner inte att att låta människor veta dessa saker kommer att skapa någon slags konstig relation med min publik, jag tror tvärtom.