Musik i filmer och det utrymme de hjälper till att representera

Det finns en esoterisk känsla i att köra nerför en tom motorväg med fönstren nere, medan doften av skymning smyger sig in i din bil och solen sätter sig bredvid dig, eller att sitta en sommardag på en grön gräsmatta och observera din omgivning, allt medan du lyssnar på en låt som får stämningen att kännas lyckosam. Det finns filmer som lyckas förmedla dessa meditativa ögonblick på en skärm, vilket gör dem kännbara. De använder ofta långa tagningar och dimensionalitet som låter oss njuta av färgerna, kompositionen, belysningen och ljuden. När dessa filmer har musikaliska kompositioner eller soundtrack som synkar med rummet som visas inom kompositionen, väcks alla fem sinnen bara genom att fokusera på två, och det är då vi glömmer att vi sitter i ett mörkt rum fullt av främlingar och börjar utforska deras världar.

Spatialism, en konstnärlig rörelse grundad av konstnären Lucio Fontana, syftade till att syntetisera färg, ljud, rum, rörelse och tid i en ny typ av konst. Fontana sa: "Jag vill inte göra en målning; jag vill öppna upp utrymme, skapa en ny dimension, koppla ihop kosmos, medan det oändligt expanderar bortom den begränsande planet av bilden." Vissa konstnärer kan bara försöka syntetisera allt detta till ett utanför cinematik. Men det finns fortfarande ingen större känsla än att vara helt absorberad av en bra film.

Följande filmer utnyttjar rummet genom att harmonisera musik och bild för att dra oss djupare in i deras berättande. I Robert Irwins bok, A Conditional Art, säger han: "Varje dag upplever jag en serie saker som överträffar all konst jag känner till. De är inte knutna till något särskilt väsen, och ibland - faktiskt oftast - varar de bara ett ögonblick. Deras fortsättning ligger i att jag om ett tag kommer att uppleva något annat. Varje av dessa perceptiva fenomen består inte av en sak, utan snarare av en komplicerad överlappning, interaktiv helhet - ibland de konvergerande delarna av många separata helheter." Dessa filmer använder ett musikaliskt soundtrack för att påminna oss om kortvariga, vackra ögonblick.

Paris, Texas

"Spänningen i att kombinera musik och bilder pressade mig verkligen att fortsätta mer med berättarprocessen," sade regissören Wim Wenders. Wenders förfinade denna kombination i sin film från 1984, Paris, Texas. Filmen öppnar med vidder av bruna och blå himlar i Texas öknar med protagonisten Travis, som vandrar ensam i en röd basebollkeps med en gallon vatten. Till den öppna landskapet hör "Paris, Texas" av Ry Cooder, en minimal blues slide gitarrlåt. Varje ton är utspridd, vibrerande genom rummet mellan och ekar genom det landskap vi ser, som ekar Travis’ ensamhet. Både Cooder och Wenders gör det klart, vi är inte här för att fly verkligheten av våra vardagsliv och känslor, utan snarare för att dyka ner i dem.

Under de första 26 minuterna av filmen är Travis tyst; den hjärtslitande gitarrmusiken som parats med Harry Dean Stantons ansikte berättar en historia av sin egen. Genom hela filmen finns det en överflöd av tystnad. Bluesgitarren kommer långsamt in när stämningen känns rätt, vilket går obemärkt förbi när den drar oss djupare för att uppleva Travis’ känslor när han är förlorad och letar efter något han inte riktigt är säker på att han söker efter. Bilderna är fyllda med blått och rött i tomma västerländska landskap, som ekar musikens känsla av förlust och frustration.

Woman In The Dunes

En annan film som omsluter dig i frustration är den japanska regissören Hiroshi Teshigaharras existentiella filmberättelse av Sisyfosmyten, Woman in the Dunes, som har musik av den japanska kompositören Toru Takemitsu. Niki, en entomolog, finner sig fångad med en kvinna i ett stort hål i sanddyner i Japan efter att han erbjudits en plats att sova för natten av några bybor som ledde honom ner med en repstege. Kvinnan matar honom och börjar sedan gräva ut sand efter att de haft en vänskaplig konversation. Hon gräver, fyller på sandpåsar och skickar upp dem till byborna fram till gryningen.

Nästa morgon vaknar han för att upptäcka att stegen plötsligt är borta och en skrikande ackordslag slår. Försök att klättra i sanden resulterar bara i mer nedfall. Musiken gör att utrymmet där karaktären befinner sig känns mycket trängre och lägger vikten av att behöva fly på tittarna.

Det mesta av filmens två och en halv timmar är tyst; musiken spelas endast under kanske totalt 20 minuter. Varje gång sanden oförutsägbart faller med vackra närbilder av det lager av sand som finns, spelas musiken och de förvrängda ljuden av droner, stråkar, flöjter och harpor lager på lager och kompletterar bilderna, vilket skapar en uppbyggnad av spänning.

Call Me By Your Name

Utrymme representerar så mycket mer än bara en plats i alla Luca Guadagninos filmer - det är särskilt uppenbart i "Call Me By Your Name": rummet mellan karaktärerna, platsen de befinner sig i, utrymmet de behöver och utrymmet vi ges som tittare. Filmen placerar oss i en norditaliensk landskap där vi bevittnar den hemliga romansen mellan Oliver och Elio. Vi kan inte prata. Vi kan inte döma. Vi kan bara sitta och uppskatta känslan av att bli förälskad i en annan.

"Jag tror att utrymme är en karaktär i min film. Oavsett om det är Italien eller någon annan plats. Jag försöker alltid se till att ni som publik kan uppleva resan av en karaktär i hans fysisk och inte bara i hans känslomässiga resa. Hur kan du förstå någon om du inte kan sätta in figuren i kontext till landskapet?" Guadagnino har sagt. Sufjan Stevens musik är också en tillagd karaktär i filmen. Det lägger vikten av de känslor som Elio upplevde under sin sommar på publiken under den sista scenen av filmen där Elio gråter framför kaminen. Timothée Chalamet lyssnade på Stevens' "Visions of Gideon" genom en öronsnäcka medan scenen filmades.

Den melankoliska musiken är en stor del av representationen av det utrymme vi ser mellan Oliver och Elio genom kamerans komposition. "Senare," säger Oliver när han rider iväg, vilket lämnar Elio ensam efter att ha gett honom en rundtur i Crema. I det ögonblicket hör vi för första gången Andre Laplantes "Une Barque Sur L’océan from Miroirs"; härifrån spelar det varje gång de är åtskilda medan vi längtar efter att se Oliver och Elio tillsammans. De flytande tonerna fyller avståndet och skapar en subtil längtan efter Oliver inom publiken.

Musiken i "Call Me By Your Name" förstärker känslan av att plocka en mogen persika och bita i den, av att se vinden slå mot trädkvisten, av att hoppa i en kall flod mitt i natten, allt medan man blir förälskad. När livet känns spännande och tiden känns irrelevant.

Det finns fortfarande så många fler filmer därute som vi skulle kunna prata om som har kompositörer som Brian Eno, Ryuichi Sakamoto och Angelo Badalamenti, som har skapat musikstycken som bevisar att filmen har kraften att ta två sinnen och aktivera alla fem. Som Sakamoto har sagt: "Varför vill jag spela mycket långsammare än tidigare? För att jag ville höra resonansen. Jag vill ha färre noter och mer utrymmen. Utrymmen, inte tystnad. Utrymmet är resonant, ringer fortfarande. Jag vill njuta av den resonansen, höra den växa, sedan nästa ljud, och nästa ton eller harmoni kan komma. Det är exakt vad jag vill."