Om det finns ett format som verkligen tillhör vinylerans, så är det dubbelalbumet. Att hålla omslagskonsten i händerna är fantastiskt i sig, men upplevelsen som är så central för vinylsamling förbättras bara av stora gatefold-omslag som öppnar sig framför dina ögon. För att inte nämna de fyra sidorna av musik, var och en med sin egen början, båge och slut. Dubbelalbumet ger faktiskt bara mening när det upplevs på vinyl: i CD-eran, när en enkel skiva kunde innehålla upp till 80 minuter musik, verkade även vanliga album bli mer fyllnad och mindre killer. I den gränslösa eran av streaming och digital nedladdning ger kanske dubbelalbumet minst mening av allt.
nDet betyder dock inte att alla dubbelalbum kan klassificeras som sådana. Dubbelalbumet är en knepig sak, eftersom många av dem, som är mer äventyrliga än beundrade, bevisar detta. Enkelt uttryckt: det finns helt enkelt för många dubbelalbum som inte behövde vara ett dubbelalbum. Konstnärer som strävar efter ett konstnärligt höjdpunkt i sin karriär och tror att formatet kan hjälpa dem att uppnå det, misslyckas ofta och slutar med att släppa överdimensionerade album som skulle ha varit mycket närmare de avsedda mästerverken om de hade ändrats till ett omfattande singelalbum. Dessa 10 lider dock inte av det problemet.
Bob Dylan: Blonde On Blonde
Som med så många saker inom popmusiken, är Bob Dylan den som tog dubbelalbumet till rockens mainstream. Det hade funnits några relativt framgångsrika dubbelalbum inom jazzen tidigare, men Dylans Blonde On Blonde satte formatet i rampljuset i början av 1966. Dylan, som bara var 25 vid tidpunkten, låste in sig i en studio i Nashville, där han arbetade med en mängd sessionmusiker. Blonde On Blonde blev en symbol för den kreativa självförtroende hos en av de största låtskrivarna genom tiderna, där Dylan vanligtvis skrev sina texter på plats. Än idag låter dubbelalbumet glimrande och markerar ett av de mest spännande ögonblicken i Dylans omfattande karriär.
Jimi Hendrix: Electric Ladyland
Det tog inte lång tid för andra rockikoner att se dubbelalbumet som en möjlighet att utforska och experimentera. I Jimi Hendrix fall var det självklart den elektriska gitarren som fångade hans fascination. Liksom Dylan hade gjort i Nashville, såg Hendrix, då 26 år gammal, studion som ett annat instrument. Inspelningsprocessen för Electric Ladyland ägde rum i den berömda New York-studion med samma namn, där Hendrix själv producerade detta tvåhövdade bluesmonster. Electric Ladyland, som sträcker sig över 75 minuter, innehåller två versioner av "Voodoo Chile", varav en tjänar som albumets avslutning och föregås av "All Along The Watchtower" och "House Burning Down".
The Beatles: The Beatles
Det är kanske världens mest kända dubbelalbum, och på sin plats. 1968, chockade The Beatles världen när de tycktes sammanfatta alla sidor av sin musikaliska personlighet i ett enda projekt. Utgivningen, som resulterade i vad som oftast kallas The White Album, har ett mycket bredare register än andra bandets hela diskografier. Mycket av materialet skrevs under meditationskurser i Indien, men bråk mellan bandmedlemmarna bröt ut under inspelningarna i London, där den ständiga närvaron av John Lennons nya partner Yoko Ono visade sig problematisk. Det verkar bara rätt, att The Beatles i viss mån är den mest omtvistade skivan i Fab Fours diskografi, med sina postmodernistiska texter som väcker kontroverser och påstås inspirera Charles Manson.
Miles Davis: Bitches Brew
Vinyl, och speciellt dubbelalbum, låter musiken att andas. Och det är verkligen mycket som andas här, i Miles Davis’ Bitches Brew. Hyperventilerande, för att vara mer exakt. År 1970, orsakade den mästerliga trumpetaren sin egen stora smäll, kombinera element tills de kulminerade i en radikal omarbetning av jazzen regelbok, som sa farväl till bebop och omfamnade afrikansk musik. Två basgitarrer och tre elektriska pianon såg till att Davis fick en ny palett att måla sina kompositioner med. En av dessa basgitarrer spelades av Harvey Brooks, som tidigare uppträdde med Bob Dylan och verkade symbolisera Davis' omfamning av ackordprogressioner kopplade till rock, vilket gjorde Bitches Brew till ett av de första albumen som transcenderar genrer och skapar nya på sina egna villkor.
The Who: Quadrophenia
Det finns två typer av dubbelalbum, grovt sett: dubbelalbum som ger artisterna det utrymme de vill ha och dubbelalbum som ger artisterna det utrymme de behöver. The Who’s andra rockopera faller säkert in i den senare kategorin. Efter den kommersiella succén med Who’s Next, en personlig besvikelse för Pete Townshend, trädde The Who in på något bekant vatten med 1973 års Quadrophenia. Det brittiska bandet hade redan fått erkännande med sin tidigare bisarra men briljanta rockopera Tommy. Så radikal som den utgåvan verkade, lika (relativt) förfinad var Quadrophenia, ett album som inte hindrades av framgången med en singel som 'Pinball Wizard' och ett projekt med helt enkelt för mycket historia att berätta för ett enda album. Townshend & co. berättar historien om Jimmy, en av deras första fans, mot bakgrunden av modrörelsen på sextiotalet som dessa mästare själva tillhörde. Även om The Who drog på sina egna rötter här, visade sig berättelsen om en ensam kille som söker kärlek i staden vara lika tidlös som mycket av musiken på Quadrophenia.
Led Zeppelin: Physical Graffiti
Dubbelalbum kan ge artisterna möjlighet att utforska tidigare okända territorier, men de möjliggör också för dem att perfektionera element som de tidigare har använt. År 1972 reste Robert Plant och Jimmy Page till Indien tillsammans och inspirerades av lokala studiomusiker. Inspelningarna de gjorde lade grunden för det mest extrema och eklektiska album som det normalt sett relativt ekonomiska bandet någonsin släppte. Det finns mer äventyr i det fritt flödande "In My Time Of Dying" än det någonsin har funnits på andra 11 minuter, och att lyssna på "Kashmir" och "In the Light" bevisar en gång för alla att Led Zeppelin var den tyngsta bandet på planeten.
Stevie Wonder: Songs in the Key of Life
Det finns mycket av Songs in the Key of Life, visar det sig: detta 1976 års dubbelalbum av Stevie Wonder har en speltid på nära två timmar och varje minut av det är lika glädjefylld som den föregående. Här ger Wonder efter för en helt annan kvalitet av dubbelalbumet. Formatet är inte bara menat för seriösa konceptuella överflöd: det är också menat för att ha kul och ge full uttryck för sitt månginstrumentalism och musikalitet, som Wonder gör på stora hits som "Sir Duke", "I Wish" och "Isn’t She Lovely." Songs in the Key of Life var Stevies artonde album, men en av de mest populära figurerna inom R&B och popmusik här låter lika entusiastisk som någonsin, som ett barn i en godisaffär. Den färgglada bilden som detta album framkallar berikas endast av vetskapen att Wonder inte bara hade syntesizerar och saxofoner tillgängliga, utan också en soulfull all-star besättning inklusive Herbie Hancock, George Benson och Minnie Ripperton.
Pink Floyd: The Wall
Bandet som hade dominerat årtiondet släppte sitt sista mästerverk under de sista veckorna av 70-talet. Passande nog använde Pink Floyds The Wall möjligheten att samtidigt reflektera över Roger Waters’ oro över bandets superstarsstatus. The Wall föddes nästan helt och hållet av Waters, som också hämtade inspiration från sin fars död under andra världskriget, som albumet inleds med. På många sätt säger The Wall farväl till Pink Floyd, där protagonisten i projektet är modell över Waters och bandets ursprungliga frontman Syd Barrett och hanterar Waters ibland självvalda isolering från samhället. Låtar som "Comfortably Numb" och "Another Brick in the Wall Part II" är lika mycket hit-singlar som de är ljudet av Pink Floyd som faller samman. Det gör det till ett av de mest fascinerande albumen i bandets karriär: de skulle gå vidare och släppa tre album till, men aldrig gjorde de det med den klassiska sättningen och lyckades aldrig göra en annan skiva som ens kunde stå i skuggan av The Wall.
The Clash: London Calling
The Clash skrek ensligt tillbaka socialt medvetande till popmusiken med sin hotfulla blandning av ska, reggae, R&B, punk och powerpop. På London Calling, gör Joe Strummer och Mick Jones en övertygande argumentation för ägande av etiketten Last Angry Band, som ofta tillskrivs dem. Albumet, som följde på The Clash självbetitlade debut och Give ‘Em Enough Rope, blev faktiskt ett dubbelalbum på grund av det energiska tempot med vilket de två skrev sina låtar. Det gjorde det möjligt för britterna att skapa ett brutalt album om individualism och isolering, lika skarpt av åsikter som av ton.
Prince: 1999
Prince är kanske den enda musikern någonsin som har släppt ett dubbelalbum utan att vilja det. År 1982, improviserade Purple One mycket i sin hemma-studio i Minnesota och spelade in låtar så fort inspirationen slog honom. Bland hans verk fanns danslåtar, vackra ballader och vilda rocklåtar, som snart utgjorde mer material än ett album kunde rymma. "Jag ville inte göra ett dubbelalbum, men jag fortsatte bara att skriva och jag är inte en som redigerar", sa Prince till Los Angeles Times senare samma år, när 1999 släpptes. Albumet blev artistens genombrott, med kanske de mest funkiga låtar han någonsin släppt. När den ursprungliga Blade Runner släpptes sommaren 1982, började Prince inkorporera filmens futuristiska stilar och teman i musiken. Han lyckades verkligen: låtar som albumöppnaren "1999", "Lady Cab Driver" och "Little Red Corvette" låter fortfarande som de skulle kunna släppas imorgon.
Gå med i klubben!
Gå med nu, från 44 $
Kvalitetsmusik. Levererat till din inkorg.
Exclusive 15% Off for Teachers, Students, Military members, Healthcare professionals & First Responders - Get Verified!
