De 10 bästa albumen av Charles Mingus som du måste äga på vinyl

Ursprungligen studerade trombon och cello, och Mingus var en multiinstrumentalist som övergick till kontrabas, vilket så småningom blev hans musikaliska motiv. Mingus noterades brett som ett fenomen på kontrabas och turnerade så småningom med Louis Armstrong, Lionel Hampton och Duke Ellington innan han började skapa sina egna kompositioner och leda sina egna band.

Mingus personifierade hårt arbete och självutveckling, vilket resulterade i ett verk som översteg över 250 utgåvor. Han hällde sitt hjärta och sin själ i sitt hantverk och skapade en varierad och sublim lista av utgåvor. Mingus’ backkatalog är en åktur. Det är vilt, oförutsägbart, instabilt, fientligt och strålande fantasifullt. Det är allt du skulle förvänta dig av en man som Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Denna skiva är lika innovativ som den är modig. “Pithecanthropus Erectus” var ett högkonceptstycke, där Mingus avslöjade att det var ett tonpoem. Diktet dikterade resan för en hominid mans evolution från apa till upprättstående man, bara för att hominidmannen skulle självmörda sig som en konsekvens av mänsklig natur.

Mingus skapade också den otroligt charmiga “A Foggy Day (In San Francisco),” där han målar bilden av just det, med musik. Visslor hörs, bilar tutar och sirener ljuder, vilket skapar en pittoresk bild av en dimmig dag i San Francisco. År 1956 var detta helt enkelt osedvanligt. Mingus var djärv, äventyrlig och modig nog att försöka något sådant. Skönheten med låten är att den inte är en cliché, och den verkar inte larvig. Du transporteras verkligen till en annan tid och plats.

Det var under detta album som Mingus verkligen experimenterade med hur han komponerade och skapade musik. Han rapporterades ha skapat solon och kompositioner för sina musiker baserat på deras personligheter och inte deras förmågor. Som en kompositör som traditionellt skulle diktera delar genom att skriva ner dem på notpapper, valde Mingus att skrota den här formen av komposition och istället diktera delarna på gehör och låta musikerna uttrycka sig fritt.

Detta album skulle bevisa att han var en grundläggande far till improviserad jazz, som öppnade dörrarna för många musiker och uppmuntrade dem att skapa musik som utmanade konventionell musikalitet. Pithecanthropus Erectus lade musikaliska grunder som för alltid skulle påverka genren.

The Clown (1957)

The Clown är ett album som fortsätter med Mingus’ improviserade form. Ändå är det fräckt och har en så stark identitet. Det var under detta album som Mingus gör sitt krav som en av de största kontrabasister och kompositörer.

Hans solo under “Blue Clee” är bara underbart. Det känns bluesigt, låter rått och är omedelbart lockande. Mingus kräver att du lyssnar, att du noterar och att du njuter. Mingus spelar med smittsam självförtroende. Hans förmåga att förändra dynamiken både i sitt instrument och sitt band är oöverträffad.

Detta demonsteras återigen på “Haitian Fight Song.” Under en stund spelar Mingus ensam. Det finns en dyster känsla i hans solo. Det finns en punkt där musiken känns riktninglös, tills bandet kommer tillbaka in i låten, då inser du att Mingus visste var han var på väg hela tiden.

“Reincarnation of a Love Bird” var en låt som inte ursprungligen komponerades till minne av Charlie Parker, men efter en period av att skapa låten insåg Mingus att låten “var Charlie.” Precis som Charlie Parker är melodin en lös, slarvig och ofta oroande komposition. Noterna svävar från flat till skarp, takten skiftar från snabb till trög. Det är självförtroende, sedan förvirrat. När det kommer till metaforer, kommer du inte närmare Charlie Parker.

Titellåten “The Clown” är banbrytande. Fylld med sardonisk undermening gör den semi-improviserade låten att du känner dig obekväm från start. Låten berättas av Jean Shepherd, som diskuterar en clown och hans önskan om tillgivenhet och acceptans. Även när clownen lyckas få folk att skratta, känner han sig fortfarande nedvärderad. Även om Mingus lyckas som musiker, kände han alltid att det kanske inte var på hans villkor. Mingus var en plågad individ, som ofta kände sig kontrollerad av de restriktioner och hinder som skapats av ras, klass och skivbolag. Även när han lyckades var Mingus inte nödvändigtvis lycklig. “The Clown” är en låt som kommer att ge dig de djupaste och mörkaste insikterna i Mingus’ psyke.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um är ett fantastiskt album. Även om detta är vanligt i vår tid, gjorde Mingus hårda politiska uttalanden om ras och segregering 1959 som mycket få vågade göra. “Fables of Faubus” var en direkt attack mot guvernören i Arkansas och hans motstånd mot integreringen av nio afroamerikanska studenter vid Little Rock Central High School. Mingus var katatoniskt djärv nog att göra ett sådant uttalande, men brydde sig helt enkelt inte om samhälleliga normer som han kände styrde kontexten av hans musik. Faktum är att dessa regler hade motsatt effekt och Mingus skulle ofta kanalisera sin missnöje in i sin musik, som man ser i “Fables of Faubus.” Melodin känns nästan jovial, kanske till och med komisk, vilket skapar en ironisk och nästan cirkuslik melodi för att göra narr av guvernören i Arkansas. Det är en glädjefull utställning av intelligent fientlighet.

“Goodbye Pork Pie Hat” var en hyllning till den avlidna Lester Young och är en långsam och brooding melodi, som än en gång visar Mingus genialitet när han står bakom sin kontrabas. Det är en utsökt musikproduktions. Den är harmonisk, mjuk och öm. “Pussy Cat Dues” är av liknande art och erbjuder en elegant och boozy känsla medan den svala musiken svävar fritt.

Mingus Ah Um är ett album som är älskat för sin konsekvens och personlighet. Medan musikstilen varierar avsevärt, är albumet fylligt och du lämnas nöjd i slutet av varje låt. Lyssna från början till slut, du förtjänar det.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus släppte detta album på det ökända Candid-label, som gav honom mer kreativ kontroll än tidigare etiketter hade råd med. Följaktligen fick Mingus spela in sången på det tidigare nämnda “Fables of Faubus,” som återupptogs och döptes om till “Original Faubus Fables.” Columbia Records vägrade att släppa den ursprungliga låten med texter eftersom de var av sådan inneboende fientlighet att Columbia ansåg dem för alltför antagonistiska för landet att vara associerat med. Under den nya inspelningen av denna låt sjunger Mingus och hans band att guvernör Faubus är en “dåre,” en “nazist” och “sjuk.” Sådana hjältar sågs sällan i de ljusa ljusen av populärkultur. Låten i sig är ett mästerverk av växlande rytmer, alternerande solon och mjuka musikaliska texturer. Det är en avskalad låt med en semi-improviserad känsla. John Handi och Shafi Hadi tar turer att smycka låten med ljuva tenor saxofon solon, innan musiken stannar upp och Mingus har kontroll på sin kontrabas. Han spelar med rasande hastighet, glider upp och ner över sitt grepp med ondskefull avsikt. Aggressionen och hånfullheten är antagonistisk, vilket är en fröjd att bevittna.

Det nöje som kan upplevas från Presents Charles Mingus är den tidigare nämnda kreativa kontrollen. “What Love” är verket av det fenomenala kvartetten som inkluderar Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson och Dannie Richmond. Den transcendentala musikerfärdigheten provoceras av den frihet de erbjuds av Mingus. Mingus ledde bandet med sin bas och sa att de var fria att skapa den musik de ville men var tvungna att justera sig enligt det han spelade på sin kontrabas, både rytmiskt och tonalt. Varje musiker turas om att improvisera ett solo, vilket skapar en oersättlig komposition. Av alla Mingus verk är detta en framstående bit av unik improvisation. Albumet är helheten ett kreativt mästerverk.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots är ett kraftfullt, skakande album. Dragandes på blues, gospel och soulmusik, angav Mingus i linjära anteckningar att han skapade detta album för att bemöta kritiker om idén att han inte svängde tillräckligt. När Charles Mingus hamnade i möjligheternas hörn, kom han ofta ut svingande. Med Blues and Roots, var det bokstavligen fallet.

Det är säkert att säga att Mingus gör sin poäng från första till sista not. Blues and Roots svänger hårt och sprutar av soul. “Wednesday Night Prayer Meeting” är rå blues i sitt bästa. Bandet svänger med full kraft hela tiden, med Horace Parlan som tinklar på pianot med imponerande auktoritet. Bandet turas om att skrika blues, låter friska och förfinade, men ändå avskalade och unika.

Pepper Adams är särskilt produktiv på detta album, där hans barytonsaxofon tillför en jordnära känsla till brass som verkligen framhäver blues i musiken. Detta är särskilt framträdande under “Cryin’ Blues.” Pepper Adams utgör en ryggrad för bandet, med en djup och basig barytonsaxofon riff. Tenorsaxofonerna Jackie McLean och John Handy knyter imponerande samman med Pepper Adams och förenar sig för att skapa stök.

Det är svårt att segmentera varje låt och välja varför den är fantastisk. Blues and Roots är en resa, så häng med och njut av färden.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah har vad som kan betraktas som en all-star brassuppställning. Cocktailen av Booker Ervin och Roland Kirk är fantastisk, där lyssnaren har svårt att hitta en bättre brassamalgamation än denna.

“Devil Woman” är en cocktail som skakas med den ovanstående brassdelen, vilket skapar ett mjukt och jordnära jam som är blues och post-bop i lika delar. Det är en frestande låt, med Mingus i ledningen, denna gång vid pianot. Tangenterna faller ned som regndroppar, och kompletteras av världens bästa brasskombination. Roland Kirk och Booker Ervin erbjuder senare individuella solon som smälter i munnen. Solona är mjuka och varje ton spelas perfekt. Mindre är mer, som de säger.

När du är trevligt avslappnad ändras takten med “Wham Bam Thank You Ma’am.” Detta är hard bop i sitt bästa. Bandet slamrar ner ett snabbt beat, ledda av en animerad Mingus som ropar genom hela låten. Roland Kirk slår återigen ett rasande solo, medan han uppmuntras av Mingus. “Yeah, Roland!” skriker han. Du kan inte hjälpa men göra detsamma. Det får verkligen igång dig.

Samma sak kan sägas om “Eat That Chicken.” Denna melodi är ytterligare en glädjefull bopklassiker. Du kan inte hjälpa men nicka med huvudet och jivea runt oavsett vad du kan tänkas göra vid den tidpunkten.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods är den ordboksdefinition av organiserat kaos. Albumet innehåller “Ysabels Table Dance” och låt det sägas, aldrig har en låt haft en mer perfekt titel. Takten av denna titel får ditt huvud att snurra. Inledningsvis, “Ysabels Table Dance” bryter ut i kaos, bara för att sakta ner för att ge plats för en lyxig Curtis Porter solo. Från ingenstans ökar takten igen och kaos följer. Ysabel Morel på kastanjetterna förtjänar ett omnämnande, där hennes kastanjetter verkligen lyser under denna låt. Det knäppa ljudet av kastanjetterna hoppar fram i förgrunden av anarkin med sitt fängslande och oersättliga unika ljud. Var medveten om att denna musik kan uppmuntra dig att också delta i en table dance av ditt eget.

Skönheten med detta album är metamorfosen från kaos till lugn, från en kamp till en kyss. Kanske personifierar detta Mingus’ bipolära diagnos perfekt. “Flamingo” är avslutningslåten och är en smäktande, kringresande avslutning. Bill Triglia tinklar på pianot medan Clarence Shaw klagar på sin trumpet. Duon kompenserar varandras spelstil och skapar en sammetslen atmosfär som är oslagbar. Det är ett oersättligt slut på ett album. Det är en kopp kaffe efter en stor måltid; det är en cigarett efter sex.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Precis som Mingus Ah Um, mötte The Black Saint and the Sinner Lady vördnad. The Black Saint and the Sinner Lady är ett abrasivt och bråkigt konstverk. Det kan hävdas att detta storbandsalbum faller in under avant-garde, medan det fortfarande håller sig troget mot egenskaperna hos ett traditionellt storbandsalbum.

Mingus spelade in detta album med ett omfattande utbud av begåvade musiker, inklusive Booker Ervin på tenorsaxofon, och arrangemangen gjordes av den ökända Bob Hammer. Att bilda denna relation med Hammer var ovärderligt för Mingus’ personliga musikaliska utveckling. Han skulle senare hänvisa till Hammer som sin “Beethoven.”

En framstående låt skulle vara “Group Dancers.” Jaki Byard lade grunderna för denna låt, med ömt, fint piano. Det börjar mjukt, med Byard som dikterar takten av låten med auktoritet. Efter stunder av vad som känns som att sväva, ändras takten drastiskt och brassdelarna går in i musiken som en tjur i en porslinsshop, krossar allt i sikte. På ett ögonblick lugnar kaoset ner sig och Jaki Byard tar oss tillbaka till jorden, och städar upp röran som skapades. Det är fantastiskt.

De sista tre låtarna på detta album är sammanslagna till en rörelse och har en längd på 17 minuter. De heter “Trio and Group Dancers,” “Single Solo’s and Group Dance” och “Group and Solo Dance.” De tre låtarna är en uppsluppen oordning som ofta faller i kaos, med brass som flyger åt vänster, höger och center. Storbandet förenar sig för att skapa ett stort svängande ljud som får fötterna att stampa. Bandet tar sig till ett enormt crescendo, arbetar i en ljus snabb takt som du knappt kan dansa till. Innan du vet ordet av, sänker bandet takten helt. The Black Saint and The Sinner Lady kan vara utmattande, men samtidigt upplyftande.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Återigen teamar Mingus upp med Bob Hammer och erbjuder ett något avskalat, bullrigt post-bop-album. Medan ett storband finns med på detta album, känns Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus råare än tidigare inspelningar.

“II B.S” visar upp Mingus’ kraftfulla kontrabasspel. Han drar bort i sina kontrabasträngar och lägger ner en konkret baslinje för bandet, som hoppar in och ut när Mingus tillåter. Mingus har full kontroll, med denna melodi som visar alla hans bombastiska färdigheter. “Better Get Hit in Yo’ Soul” är ur samma skåp, och inkluderar den andra världsliga Eric Dolphy som leder en brassdel som tar flykt genom detta spår. Solona är ljusa och sprudlande, med bandet som visar en synergi och självförtroende som endast kan växa av musiker ledda av Hammer och Mingus.

“Theme for Lester Young” är en långsammare, somnambulant melodi. Den är elementär, och fylld med karaktär. Från den första tonen till den sista känner du dig transports. När den börjar, blir du omedelbart transporteras till en rökig bar i New York, och du har en drink med den kära avlidna Lester själv. Det var en låt som skapades till minne av Lester Young, som han skulle ha älskat.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus är ofta försummat, men det borde det inte vara. Det är ett självsäkert, välbearbetat post-bop-album som är värt din uppmärksamhet.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music är ett fint stycke orkestrering och vad Mingus ansåg vara det “bästa albumet” han någonsin gjort. Under detta album syntetiserade Mingus med kompositörer och transkriberare Sy Johnson, Alan Raph och Hub Miller. De hjälpte till att hjälpa Mingus att skapa en vattentät komposition som lättade på en del av pressen som tidigare fått Mingus att bryta ihop och ta en efterföljande paus från musiken.

Följaktligen var Let My Children Hear Music ett album som tog ett annorlunda tillvägagångssätt än andra Mingus-album. Även om Mingus hade kontroll över den huvudsakliga delen av musiken, var det mer delegering involverad under denna inspelning och följaktig indata från andra personer. Även om den musik som skapades inte var inneboende ny för Mingus, erbjöd efterproduktionsmetoder, hanterade av Teo Macero, lyssnarna ett Mingus-album producerat med nya tekniker och idéer. Teo Macero använde klokt en cocktail av överdubbningar, ljudeffekter och befintliga samplingar för att skapa en känsla som var djup, brassig och fräck.

“The Chill of Death” är sublim, känns mer som en filmmusik för en skräckfilm än den klassiskt formade bop-låten du skulle förvänta dig. Stråksektionen är hemsökande, med Mingus som reciterar en dikt över dessa strängar som ger dig rysningar.

“Hobo Ho” är en magnetisk skiva av bop. Bobby Jones ger verkligen en stark prestation på sin tenorsaxofon, medan Joe Wilder och Lonnie Hillyer geri strid med vilda trumpet-solo under en 10-minuterslåt, som känns som brassmusiker i en musikalisk barfight. Orkestreringen på detta album är verkligen så bra, och du känner att stödet från en sådan stor och ogenomtränglig orkester ger soloartisten ett självförtroende som exemplifierar deras färdigheter.