Vinil Que Você Precisa: A Troca de Discos

Vinyl Você Precisa entrevista pessoas que trabalham em lojas de discos e pergunta quais discos eles acham essenciais. Esta edição apresenta The Record Exchange em Boise, Idaho.

A maior loja de discos de todo Idaho tem duas entradas. Uma na 11^ª Street e outra na W. Idaho Street—ambas dão acesso ao meca musical que é a The Record Exchange no centro de Boise. Uma dessas portas te leva a um café que foi o primeiro bar de espresso de Boise, que te conduz a um mundo de produtos locais, bugigangas pop culturais e itens de marca. A outra porta, no entanto, te leva diretamente ao labirinto de prateleiras de vinil. Encostado na parede do lado musical, há um pequeno palco, não mais do que meio metro de altura, mas ilustre o suficiente para ter recebido artistas como La Luz e Willis Earl Beale durante o recente Treefort Music Festival que aconteceu em março.

À medida que a população de Boise continua a crescer (Forbes recentemente a nomeou como uma das 20 regiões metropolitanas de crescimento mais rápido do país), a sede das pessoas por música ao vivo e gravada, café, e um senso de comunidade deve teoricamente acompanhar esse crescimento. Felizmente, The Record Exchange tem atendido os bons cidadãos de Boise por 36 anos e está preparada para continuar fazendo isso. Conversamos com cinco funcionários da The Record Exchange para ver quais discos eles acham que você deve ter em vinil.

Cinco Discos Essenciais para Ter em Vinil, cortesia da The Record Exchange

Rachel Prin, Compradora

Artista: The Clash
Álbum: Combat Rock
Razão: Este foi o primeiro álbum que ouvi em vinil. Mas, ouvi de verdade. Meu pai me sentou com um par de fones de ouvido, me deu as notas do encarte e eu fui cativada pelas primeiras notas tilintantes da guitarra. Após Sandinista! de 1980, este álbum parece um verdadeiro retorno às origens do The Clash. Liricamente, Combat Rock exibe alguns dos melhores trabalhos de Joe Strummer ao abordar temas como Vietnã, direitos civis, apocalipse, vício em drogas e uma sensação geral de frustração. E, apesar da intensidade de algumas letras, o The Clash consegue equilibrar essa intensidade com algumas músicas pop incríveis. “Should I Stay or Should I Go?” é ouro puro do pop, e eu desafio você a não dançar ao som de “Rock the Casbah”. Há algo que se revela ao ouvir este álbum em vinil que, para mim, sempre se perde em qualquer outro formato. A intensidade e o desespero das letras, o som 'sujo' do baixo de Paul Simonon, o timbre da guitarra de Mick Jones e o tom insurgente da voz de Strummer são muito mais potentes através do disco. Com o lineup clássico pela última vez, Combat Rock é, indiscutivelmente, o melhor trabalho do The Clash e indispensável para qualquer colecionador.

Brion Rushton, Gerente Assistente da Loja/Comprador Indie

Artista: Arthur Russell
Álbum: World of Echo
Razão: Gravado apenas com um violoncelo, uma piscina de reverberação e sua voz anelante, o álbum World of Echo de Arthur Russell de 1986 é o som de baladas tristes se desintegrando e flutuando no éter. É uma audição essencial para os likes de Eleanor Rigby, Father McKenzie e todas as pessoas solitárias.

Chad Dryden, Diretor de Marketing e Promoções

Artista: Leonard Cohen
Álbum: The Songs of Leonard Cohen
Razão: Quando voltei ao vinil em 1998, este foi o primeiro disco que comprei. Eu estava na faculdade—impressionável, suscetível e propenso ao idealismo romântico. Os discos parecem te encarar nas prateleiras, te chamando, e The Songs of Leonard Cohen estava me seduzindo há meses em uma loja de discos no porão em Athens, Ohio. Quando finalmente o levei para casa, não consegui tirá-lo do toca-discos. Cativante e místico, cheio de significado, os contos tingidos de flamenco de Cohen sobre o coração e a carne me puxavam novamente e novamente. Eu não sabia o que fazer com tudo aquilo, ou o que tudo aquilo significava, mas sabia que não tinha vivido e amado tão profundamente e queria aprender como. Então continuei tocando. E tocando. Virando o disco de novo e de novo. Sozinho no escuro. Entre amigos e filosofias e a névoa da madrugada. Com minha agora-esposa na noite que nos conhecemos; anos depois, quando meu primeiro exemplar desgastado finalmente parecia não ter mais jeito, ela o colocou em uma moldura, pendurou na parede e me comprou um novo como presente de aniversário. À medida que me aproximo dos 40, The Songs of Leonard Cohen é uma audição muito diferente e muito mais profunda do que era aos 21. É assim que acontece quando você vive com um disco. Você muda, ele muda. Às vezes fica melhor, às vezes fica pior. Leonard e eu compartilhamos o mesmo aniversário. Gosto disso. E amo este disco. Só fica melhor.

John O’Neil, Gerente da Loja

Artista: Wipers
Álbum: Is This Real?
Razão: O punk rock entrou na minha vida quando eu mais precisava. Reconheci o retorno da música curta como algo positivo, porque cresci ouvindo a música dos meus irmãos mais velhos. Eu odiava o rock bombástico e divagante ao qual fui submetido por meus contemporâneos, ou seja, outras crianças. Eu gostava de algumas músicas que ouvia no rádio às vezes, mas estava fixado no jazz da época das big bands, como Ellington e Shaw, e Bob Wills e seus Texas Playboys. Eu era um garoto esquisito. Crescendo em uma parte pouco povoada do Oregon, não havia muitas coisas relacionadas a bandas ocorrendo. Achava que isso acontecia em Nova York ou Londres. A aparição de Is This Real? desfez essa concepção equivocada. Imediato, energético e sombrio ao mesmo tempo, foi um choque ouvir algo criado no meu estado que soava tão bom quanto as coisas acontecendo em outros lugares. Greg Sage, o vocalista/compositor/guitarrista dos Wipers, estava à frente do seu tempo ao acreditar em amplificadores valvulados, sinais puros, gravações caseiras e uma estética faça-você-mesmo. Ele era um homem temperamental e autocentrado, com cabelo ralo, sem propensão a fantasias ou ao show business (embora adorasse luta livre profissional!). Este disco, e seu sucessor, Youth Of America, explodem no toca-discos em uma explosão, com um som agressivo e avançado, linhas de baixo repetitivas e linhas de guitarra principal em vez de solos excessivos. Havia momentos melodramáticos, sem dúvida, mas a falta de pompa era refrescante. Ele inspirou muitos de nós no noroeste do Pacífico a tocar guitarra, formar bandas, gravar nós mesmos e seguir em frente. E ativamente procuramos outras pessoas em outras pequenas cidades que estavam fazendo a mesma coisa. Esse é o poder de um disco. Nunca me cansei deste. Obrigado à Jackpot Records em Portland por cuidar tão bem desta reedição, e a Greg Sage pela inspiração.

Catherine Merrick, Gerente Assistente da Loja de Presentes

Artista: Karen Dalton
Álbum: In My Own Time
Razão: Nick Cave uma vez disse que Karen Dalton era sua cantora favorita; isso foi o suficiente para eu investigar quem ela era (embora muitos anos após sua morte) e este álbum, o último antes de sua morte em 1993, foi minha primeira introdução a ela. Desde os acordes de abertura de "Something On Your Mind"—um drone repetitivo que leva à sua entrega vocal solitária e desgastada, fui fisgada por essa música sozinha, e pela maneira como ela captura perfeitamente a sensação de alguém reconhecendo de forma inata e amorosa a dor que gira dentro de uma pessoa próxima. Com versões de músicas mais familiares ("When a Man Loves a Woman" e "How Sweet It Is"), fiquei encantada com as interpretações de Dalton e especialmente com sua fraseologia única, quase jazzística, que às vezes me deixava perguntando se ela conseguiria "voltar à" música, mas ela conseguia sempre. Gravado por muitos outros artistas, a versão de Dalton de "Katie Cruel" (uma música folk tradicional americana/escocesa) é frequentemente considerada a melhor. Apenas com banjo, violino e sua voz, ela praticamente te transporta para o topo de uma montanha arborizada—a brisa carregada de fumaça de fogueira e folhas molhadas. Embora a versão americana da música seja dita datar da Guerra Revolucionária, eu não pude deixar de me perguntar se Karen se relacionava com ela em um nível mais pessoal, tendo sido parte da cena musical folk do Greenwich Village dos anos 60 (e muito bem avaliada por Bob Dylan, entre outros, na época), mas essa é a genialidade de sua voz. Ela tinha a capacidade de interpretar músicas tão profundamente que você não consegue deixar de acreditar que ela está cantando sobre si mesma. A outra faixa que se destaca para mim é "Are You Leaving For the Country", uma fusão descontraída de R&B e folk, com a voz doce e quebrada de Dalton flutuando languidamente sobre as guitarras acústicas e o baixo, que nunca falha em despertar o desejo de pular no carro e encontrar uma velha estrada de terra para viajar. Pra falar a verdade, eu tenho este em CD também, apenas para ouvir no carro, mas o calor e a fragilidade da voz de Karen Dalton, bem como a pureza dos instrumentos acústicos, vêm muito melhor em vinil. Há algo muito mais mágico em ouvir estas músicas enquanto se está sentado no chão em uma sala suavemente iluminada, especialmente se você estiver com um amigo que compartilha seu entusiasmo por levantar e começar o disco de novo.