Um Guia de Tori Amos

Tocando música desde que conseguia alcançar um piano, a filha de ministro com cabelos incendiários já estava experimentando com composição aos três anos de idade, um processo auxiliado pelo fato de que ela via a estrutura das canções como luz caleidoscópica — um sintoma comumente associado à sinestesia som-para-cor. Não demorou muito para que ela fosse enviada ao prestigioso Conservatório Peabody de Música de Baltimore, mas essa relação não estava destinada a durar. Com o amor de Amos pelo rock e pop não combinando com um ambiente tão conservador, os anos de adolescência da jovem musicista foram passados aperfeiçoando suas habilidades em vários bares gays e piano bars antes de se mudar para Los Angeles para perseguir seus sonhos.

Apesar de rapidamente garantir um contrato para seis álbuns com a Atlantic Records, o caminho para a fama no alt-rock não foi fácil, um projeto que deve ser esquecido intitulado Y Kant Tori Read fez pouco para indicar o material cru e empoderador que viria a seguir. Com seu esforço no synthpop não agradando nem o público nem sua gravadora, Amos teve que voltar à prancheta. O que se seguiu foi uma série de lançamentos que simultaneamente se encaixavam no movimento de rock alternativo em explosão enquanto também confrontavam sua natureza apática.

Minerando abertamente sua criação religiosa, luta por identidade e despertar sexual em busca de inspiração, Amos corajosamente buscou explorar a experiência humana através da política de gênero, memória e um bom toque de misticismo. Seguindo ferozmente seus próprios instintos, ela traçou um caminho distinto em uma indústria lotada de homens raivosos brandindo guitarras. Seus detratores a chamaram de imitadora de Kate Bush, outros reclamaram que suas letras e persona não eram acessíveis o suficiente, mas isso fez pouco para parar a compositora de conquistar um exército de “Torifílicos”, oito indicações ao Grammy e uma mão cheia de singles peculiares. Em essência, ela se tornou o dedo do meio para a masculinidade tóxica que adolescentes desiludidos precisavam.

Até hoje ela se mantém como uma artista ferozmente independente que só um tolo duvidaria. Com 15 álbuns de estúdio em seu currículo, há uma variedade de humores e tons para explorar. Aqui está um bom ponto de partida.

Little Earthquakes (1992)

Com sua banda anterior verdadeiramente morta e enterrada, levou mais de um ano para Amos convencer a Atlantic a apoiar seu esforço solo — foi tempo bem gasto. Ao levar todo o ruim, todos os passos em falso e toda a hipocrisia dos últimos anos, Amos tocou em algo cru e inegável. Trabalho de piano assombroso e vocais apaixonados acompanham letras cheias de imagens bíblicas, sexo vazio e uma vontade de se sentir bem na própria pele. Desde as brincadeiras em “Silent All These Years” até o conto biográfico angustiante de “Me and a Gun”, as 12 faixas do álbum nunca parecem menos que honestas de forma esmagadora.

Aos 28 anos, Amos finalmente encontrou sua voz e, ao fazer isso, tornou-se uma verdadeira estrela cult no Reino Unido, alcançando o Top 20 das paradas, e recebeu críticas entusiásticas nos Estados Unidos. Como ela disse à Rolling Stone em 2009: “Esse foi um ponto de virada real em reivindicar que tipo de vida eu queria viver. Foi um verdadeiro começo.” Foi um lançamento exclusivamente pessoal que ajudou a lavar o excesso dos anos 80 e abrir a porta para as compositoras que logo seguiriam.

Under The Pink (1994)

Com a base de fãs agora firmemente assegurada, Amos se retirou para o Novo México para criar o acusticamente conduzido Under The Pink. Embora claramente abraçando seus começos clássicos, Amos corajosamente optou por injetar uma atitude da era Grunge em um segundo esforço cheio de melodias suaves e cordas varridas. O single “Pretty Good Year” utilizou a dinâmica alto-baixo-alto característica dos Pixies com grande efeito, enquanto a arrogante “God” mira claramente no Todo-Poderoso — sugerindo talvez que nosso criador possa precisar da ajuda de uma mulher. O mentor do Nine Inch Nails, Trent Reznor, até faz uma aparição especial, adicionando vocais de apoio discretos à favorita dos fãs “Past The Mission.”

O verdadeiro ponto central do álbum, no entanto, é “Cornflake Girl,” a canção mais conhecida de Amos que ainda soa tão fresca quanto quando foi gravada. Gospel, pop barroco e bom e velho rock ‘n’ roll se unem para criar uma das faixas mais distintas a já alcançar o topo das paradas. Apesar de quase metade das canções passarem da marca de cinco minutos, Under The Pink vendeu mais de 2 milhões de unidades em todo o mundo e solidificou Amos como uma das escritoras mais originais da era — uma declaração confiante de uma artista agora totalmente consciente de seus poderes.

Boys For Pele (1996)

Apresentando deuses de vulcão, a amamentação de leitões e o próprio Lúcifer, é justo dizer que Boys For Pele é o trabalho de uma psique furiosa com o status quo. Relacionamentos desintegrados e homens em geral sendo idiotas forçaram Amos a repensar o patriarcado e, no processo, seu próprio ofício. Os resultados foram seu álbum mais implacável e emocionante. Seu primeiro lançamento auto-produzido, o terceiro álbum de Amos ousadamente inclui cravo, licks de jazz e até algumas batidas industriais em uma odisséia de 18 faixas como nenhuma outra.

Difícil de entender para alguns fãs na época, a natureza ousada do disco e sua influência feminista só começaram a ser realmente apreciadas recentemente, um ensaio da série 33⅓ dedicado ao lançamento seminal atualmente em andamento. Com números de faixas referenciando mitologia egípcia e drogas psicodélicas auxiliando o processo de escrita, há muito o que desvendar. É uma audição fascinante, como Amos disse ao Daily News na época: “Às vezes a fúria disso me fazia recuar, comecei a viver essas canções enquanto nos separávamos. O vampiro em mim saiu.” É sua declaração artística mais selvagem em uma carreira cheia de grandes ideias.

Scarlet’s Walk (2002)

Em sua primeira coleção de material novo neste século, Amos provou que seu destino não estava atado ao de seus contemporâneos nem de sua antiga gravadora, optando por lançar um álbum conceitual explorando a América pós-11 de setembro. Uma viagem sonora de certo modo, o sétimo lançamento de estúdio de Amos a vê assumindo a persona da titular Scarlet enquanto explora sua terra natal. Há glamour, história nativa americana, erotismo, aviões, táxis e uma mistura saudável de sagrado e profano.

Com mais de uma década agora passada excursionando pelo mundo, Amos aproveitou esta oportunidade para explorar a história variada dos Estados Unidos e seus personagens de uma maneira igualmente biográfica e fantástica. Marcando uma nova fase de sua carreira, é uma audição visivelmente mais relaxada em comparação com seu trabalho anterior, mas que recompensa o público com repetições. O fogo de antigamente foi substituído por um senso de nostalgia e ao longo do tempo a jornada de Scarlet se torna a sua própria.

Night of Hunters (2011)

Álbuns de Natal, reinterpretações orquestrais e musicais preencheram a agenda de Amos na última década. Sua paixão pela experimentação nunca vacilou, com Night of Hunters talvez sendo seu lançamento mais singular dos últimos 15 anos. Inspirando-se em composições originais de Chopin, Bach, Schubert e mais, Amos retrabalhou algumas de suas peças mais icônicas e adicionou seus próprios temas característicos de maternidade e mitologia. Escolhendo a dedo seus músicos favoritos da Berliner Philharmoniker, o 12º lançamento de Amos é uma audição grandiosa, uma que captura o poder misterioso da natureza com facilidade.

Seu primeiro álbum a realmente descartar qualquer toques modernos, suas 14 faixas acústicas apenas destacam o quão incrível pianista a ícone é. Três décadas em uma carreira que poderia ser descrita como crossover clássico, o sombrio Night of Hunters encontra a compositora abraçando verdadeiramente o rótulo pela primeira vez. Às vezes elevando, em outras induzindo lágrimas — Amos mais uma vez prova que, não importa a aparência, sua capacidade de conexão emocional com o público é raramente igualada.