Andrew Bird: Jornada para Ecolocações

por Rudolph Santarromana

Eu quero que todos vocês experimentem uma nova música neste fim de semana. Pegue seu álbum do mês da Vinyl Me, Please, seu coquetel e sente-se em um quarto com uma janela. Coloque a agulha no disco e ouça um álbum completo. Coloque o celular no modo avião e desconecte-se do mundo.

Vivemos em um mundo cada vez mais digital. Estamos acostumados a obter o que queremos rapidamente. Você pode conseguir qualquer informação necessária em segundos, e as crianças de hoje não conhecerão a dificuldade de realmente possuir um dicionário ou de ter que aprender a fazer algo sem um vídeo útil no YouTube. Já quis aprender uma música no violão ou piano e procurou as notas ou acordes para fazê-lo sem nunca se sentar e tentar aprender totalmente o instrumento? Admito que já fiz isso antes. Ficamos presos na armadilha de estar tão focados no resultado final que às vezes esquecemos o quão importante é a jornada ou a experiência como um todo. Mas é essa jornada que cria gênios musicais modernos. Esse tipo de visão holística da música é incorporada no Método Suzuki de treinamento musical.

O que é o Método Suzuki, você pergunta?

O Método Suzuki é baseado na maneira como aprendemos nossa primeira língua como bebês (também é chamado de método da ‘língua materna’). Não temos uma compreensão prévia de linguagem como base, mas ainda assim, chegamos a entender a língua. Isso é feito começando desde uma idade jovem e cercando a criança com um ambiente que ela possa imitar. Falamos com os bebês e ensinamos seus nomes repetindo “mamãe” e “papai” até que imitem esses sons para produzir “mamãe” e “papai”. Em vez de dizer ao bebê que ele está errado, reforçamos constantemente esses pequenos sucessos, levando a criança a melhorar lentamente suas habilidades, até que eventualmente “mamãe” se torna “mãe” e “papai” se torna “pai”, e tudo isso é feito antes mesmo que aprendam a ler. Uma vez que há uma compreensão básica, então a criança começa a ler e escrever. Não existem testes, níveis de conquista ou medidas de domínio na forma como aprendemos a língua e é assim que o Método Suzuki ensina a ‘linguagem da música’.

O nativo de Chicago Andrew Bird é um contemporâneo do Método Suzuki através do qual fica claro o tipo de músico que esse método pode desenvolver. Ele começou a tocar uma versão do violino feita de uma caixa de sapatos aos quatro anos de idade. Segundo Bird:

“Sou realmente grato por o estilo Suzuki com o qual cresci ser bastante fiel ao conceito de ‘aprender de ouvido’ e à ideia da ‘língua materna’. Isso teve um impacto enorme no tipo de músico que sou.

Se a leitura fosse o foco, acho que eu teria sido diferente. As notas estavam na nossa frente, mas eram apenas parte da cerimônia de tocar. Era puramente de ouvido. Então, tínhamos aulas em grupo e aulas particulares uma vez por semana, e era muito social. Minha mãe estava muito engajada. Ela vinha a tudo e começou a tocar (violino) comigo no primeiro ano.

Sou mais grato pelo Método Suzuki do que por qualquer oportunidade musical que tive.

Musicalmente, o mais importante sobre isso é que, como não aprendi a ler música imediatamente, fiz uma conexão direta com o que estava na minha cabeça. Isso permite que a música não apenas entre no meu ouvido, mas também saia da minha cabeça e vá para o meu instrumento. E como escritor, compositor e improvisador—quando fiz a transição do repertório clássico para a música folk ou jazz ao longo dos anos, não foi uma grande mudança. E vi outros músicos ao redor—pessoas no conservatório—que não conseguiam se mover para a esquerda ou direita sem as notas escritas.”

Com um quadro de loops, vários instrumentos e a capacidade de assobiar qualquer melodia imaginável, ele é verdadeiramente uma orquestra de um homem só que ganha inspiração de tudo ao redor da música. Bird explica em sua talk no TED como até mesmo coisas como loops de feedback 'autodestrutivos' que ocorrem quando um microfone e um alto-falante estão muito próximos podem inspirá-lo, como na música “Eyeoneye.” Em suas palavras, a música é sobre “a pessoa que teve tanto sucesso em se proteger de um desgosto que acaba fazendo o trabalho ela mesma.” Além da composição, ele presta uma atenção especial aos detalhes em relação às suas apresentações ao vivo. Acusticamente, cada local tem nuances no som produzido, e para músicos como Andrew Bird, essas nuances influenciam cada apresentação. Segundo Bird, “Agora, quando estou em turnê tocando em um teatro diferente toda noite, ‘afinamos’ a sala, caçando as armadilhas de baixo e as ondas estacionárias para dar ao ouvinte o espectro de som mais equilibrado e amplo. Existem certas frequências que ressoam enquanto outras são inanimadas. Às vezes a sala se recusa a ceder e eu tenho que considerar tocar músicas diferentes que funcionarão naquela sala” (www.AndrewBird.net). Andrew Bird faz uma turnê mundial nesta primavera, e se ele vier a uma área perto de você, recomendo fortemente assistir.

Este inverno, Andrew Bird retomou suas apresentações intimistas “Gezelligheid” (palavra holandesa que se traduz aproximadamente como ‘aconchegante’ ou ‘pitoresco’) por quatro noites consecutivas na Fourth Presbyterian Church em Chicago, e eu estava presente. Não foi a primeira vez que o vi ao vivo, mas diria que foi minha apresentação favorita. Antes de as portas se abrirem, a segurança passou pela fila e pediu a todos para não usarem seus telefones para fotos, vídeos, gravações de qualquer tipo, ou qualquer uso que fosse—ainda mais porque era em uma igreja. E honestamente, uma gravação não faria justiça à experiência. Seria como contar uma história, ver o olhar desinteressado da audiência (mesmo que eu não possa ver seus rostos agora) e terminar com, “você tinha que estar lá,” o que tenho certeza que todos nós já fizemos antes, então vou me poupar de seguir por esse caminho. O que direi é que a atenção aos detalhes era evidente, tanto acusticamente quanto visualmente, e se juntaram bem com a atmosfera íntima do evento. Afinal, todo show tem uma história ligada a ele que encapsula a experiência geral.

Com a ideia do ambiente à mente, “Um projeto contínuo de [Bird] chamado Echolocations é uma extensão do Gezelligheid onde [ele] ‘toca para a sala’, seja um cânion em Utah ou um aqueduto do século 18 em Lisboa.” O primeiro da série ‘Echolocations’ foi lançado no início deste ano. Echolocations: Canyon foi gravado nos cânions de Coyote Gulch, em Utah. Ouça atentamente, e você pode ouvir o eco na parede de pedra do cânion, e o que parece ser um riacho de água no chão nesta composição ambiente. Futuros lançamentos planejados de Echolocations incluem: Riacho, Cidade, Lago e Floresta.

Making of Echolocations: Canyon

Soundcloud de Echolocations: Canyon

Andrew Bird continua a criar e gravar música e é um grande defensor da participação musical na juventude, derivada das experiências positivas que teve quando criança. Bird tocou no The Hideout no final da série Gezelligheid de 2015 em Chicago e todos os lucros foram direcionados para a Bolsa de Estudos Andrew Bird, que foi criada para pagar por aulas de música para estudantes da Chicago High School for the Arts. Ele diz, “A música torna sua vida mais rica... Cria pessoas diferentes com valores diferentes. Valores que vão além da busca por dinheiro e bens materiais.”

Então, da próxima vez que você tentar chegar a algum lugar, considere sua jornada e os benefícios que a experiência pode trazer. Envolva todos os seus sentidos e esteja presente no momento. Essas experiências podem levar a algo mais completo do que você inicialmente pretendia. Para Andrew Bird, a música é mais do que a combinação certa de sons e instrumentos—ela também reflete seu entorno. Afinal de contas, música é uma experiência, certo? É por isso que amamos discos de vinil. O peso do disco em nossas mãos, apreciando a grande arte do álbum, a beleza do disco preto, rosa, roxo, vermelho ou transparente, e ouvindo os primeiros estalidos enquanto a agulha encontra sua ranhura, tudo isso nos faz saber que é real. Uma tela de celular digital não pode oferecer uma experiência dessas.