Os 10 melhores álbuns de Charles Mingus para ter em vinil

Originalmente estudando trombone e violoncelo, Mingus era um multi-instrumentista que fez a transição para o contrabaixo, que eventualmente se tornou seu motivo musical. Mingus foi amplamente reconhecido como um fenômeno no contrabaixo, fazendo turnês com Louis Armstrong, Lionel Hampton e Duke Ellington antes de criar suas próprias composições e liderar suas próprias bandas.

Mingus personificava o trabalho árduo e o autodesenvolvimento, resultando em uma obra que supera mais de 250 lançamentos. Ele derramou seu coração e sua alma em seu ofício, criando uma lista variada e sublime de lançamentos. O catálogo de Mingus é uma montanha-russa emocionante. É selvagem, imprevisível, instável, hostil e brilhantemente imaginativo. É tudo o que você esperaria de um homem como Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Este disco é tão inovador quanto corajoso. “Pithecanthropus Erectus” foi uma peça de conceito elevado, com Mingus revelando que era um poema sonoro. O poema ditou a jornada da evolução de um homem hominídeo, de macaco a homem ereto, apenas para o homem hominídeo se autodestruir como consequência da natureza humana.

Mingus também criou a incrivelmente encantadora “A Foggy Day (In San Francisco)”, na qual ele pinta a imagem exatamente disso, com música. Apitos soam, carros buzinam e sirenes tocam, criando uma imagem pitoresca de um dia nublado em São Francisco. Em 1956, isso era simplesmente inédito. Mingus foi ousado, aventureiro e audacioso ao tentar algo assim. A beleza da faixa é que não é um clichê, nem parece brega. Você realmente é transportado para outro tempo e lugar.

Foi durante este álbum que Mingus realmente experimentou com a forma como ele compunha e criava música. Ele supostamente criou solos e composições para seus músicos com base em suas personalidades e não em suas habilidades. Como um compositor que tradicionalmente dictava partes escrevendo-as em papel, Mingus escolheu descartar essa forma de composição e, em vez disso, ditar as partes de ouvido e deixar os músicos se expressarem livremente.

Este álbum provaria que ele era um dos pais fundadores do jazz improvisado, abrindo as portas para muitos músicos e encorajando-os a criar música que desafiava a musicalidade convencional. Pithecanthropus Erectus lançou fundamentos musicais que influenciariam o gênero para sempre.

The Clown (1957)

The Clown é um álbum que continuou com a forma improvisada de Mingus. No entanto, é ousado e tem uma identidade tão marcante. Foi durante este álbum que Mingus fez sua reivindicação como um dos maiores contrabaixistas e compositores em atividade.

Seu solo durante “Blue Clee” é simplesmente glorioso. Tem um toque de blues, soa cru e é instantaneamente cativante. Mingus exige que você ouça, que preste atenção e que desfrute. Mingus toca com confiança contagiante. Sua capacidade de alterar a dinâmica tanto de seu instrumento quanto de sua banda é incomparável.

Isso é mais uma vez demonstrado em “Haitian Fight Song.” Por um tempo, Mingus toca sozinho. Há uma sensação sombria em seu solo. Há um momento em que a música parece sem direção, até que a banda retorna à canção, e você percebe que Mingus sabia para onde estava indo o tempo todo.

“Reincarnation of a Love Bird” foi uma canção que não foi originalmente composta em memória de Charlie Parker, mas após um período de criação da canção, Mingus percebeu que a canção “era Charlie.” Assim como Charlie Parker, a melodia é uma composição solta, desordenada e muitas vezes desconcertante. As notas vão de sustenido a bemol, o ritmo muda de rápido para lento. É confiante, depois confusa. Em termos de metáforas, você não vai se aproximar mais de Charlie Parker.

A faixa título “The Clown” é revolucionária. Com subtexto sarcástico, a faixa semi-improvisada faz você se sentir inquieto desde o início. A canção é narrada por Jean Shepherd, que discute um palhaço e seu desejo de afeto e aceitação. Mesmo quando o palhaço consegue fazer as pessoas rirem, ele ainda se sente degradado. Embora Mingus estivesse tendo sucesso como músico, ele sempre sentiu que talvez não fosse em seus próprios termos. Mingus era um indivíduo torturado, que frequentemente se sentia controlado pelas restrições e barreiras criadas pela raça, classe e gravadoras. Mesmo quando ele estava tendo sucesso, Mingus não estava necessariamente feliz. “The Clown” é uma canção que lhe oferecerá a mais profunda e sombria visão da psique de Mingus.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um é um álbum maravilhoso. Embora comum nos dias de hoje, Mingus estava fazendo declarações políticas contundentes sobre raça e segregação em 1959 que muito poucos se atreveram a fazer. “Fables of Faubus” foi um ataque direto ao Governador do Arkansas e sua oposição à integração de nove estudantes afro-americanos na Little Rock Central High School. Mingus foi catatonamente ousado ao fazer tal declaração, mas simplesmente não se importou com as normas sociais, que ele sentia que governavam o contexto de sua música. Na verdade, essas regras tiveram o efeito oposto, e Mingus frequentemente canalizava seu descontentamento em sua música, como é visto em “Fables of Faubus.” A melodia parece quase jovial, talvez até cômica, criando uma canção irônica e quase circense para zombar do governador do Arkansas. É uma exibição alegre de hostilidade inteligente.

“Goodbye Pork Pie Hat” foi uma homenagem ao falecido Lester Young e é uma melodia lenta e pensativa, mais uma vez retratando o gênio de Mingus atrás de seu contrabaixo. É uma oferta musical requintada. É harmoniosa, suave e delicada. “Pussy Cat Dues” é de uma natureza semelhante, oferecendo uma vibração sofisticada e boemia enquanto a música flutua livremente.

Mingus Ah Um é um álbum que é reverenciado por sua consistência e personalidade. Embora o estilo de música varie significativamente, o álbum é pleno e você se sente satisfeito ao final de cada canção. Ouça do começo ao fim, você merece.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus lançou este álbum no infame selo Candid, que lhe permitiu mais controle criativo do que gravadoras anteriores poderiam proporcionar. Consequentemente, Mingus foi autorizado a gravar vocais na já mencionada “Fables of Faubus”, que foi regravada e renomeada como “Original Faubus Fables.” A Columbia Records se recusou a lançar a canção original com letras, pois eram tão inerentemente hostis que a Columbia considerou que eram muito antagônicas para o país se associar. Durante a nova gravação dessa canção, Mingus e sua banda gritam que o Governador Faubus é um “idiota”, um “nazi” e está “doente.” Tal heroísmo raramente foi testemunhado nas luzes brilhantes da cultura popular. A canção em si é uma obra-prima de ritmos intercalados, solos alternados e texturas musicais suaves. É uma faixa despojada, com uma sensação semi-improvisada. John Handi e Shafi Hadi se revezam para embelezar a faixa com solos exuberantes de saxofone tenor, antes que a música pare abruptamente e Mingus assuma o controle em seu contrabaixo. Ele toca furiosamente, deslizendo para cima e para baixo em seu braço, com intenção feroz. A agressão e a zombaria são antagônicas, o que é um deleite para se testemunhar.

O prazer que se pode ter de Presents Charles Mingus é o controle criativo mencionado anteriormente. “What Love” é o trabalho do fenomenal quarteto formado por Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson e Dannie Richmond. A musicalidade transcendental é provocada pela liberdade que eles têm com Mingus. Mingus liderava a banda com seu contrabaixo, afirmando que eles eram livres para criar a música que quisessem, mas tinham que se ajustar ao que ele estava tocando em seu contrabaixo, tanto rítmica quanto tonalmente. Cada músico se revezava para improvisar um solo, criando assim uma composição inimitável. De todas as obras de Mingus, esta é uma peça de improvisação única. O álbum como um todo é uma obra-prima criativa.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots é um álbum contundente e empolgante. Baseando-se no blues, gospel e soul, Mingus declarou nas notas do álbum que criou este álbum para confrontar críticos sobre a ideia de que ele não swingava o suficiente. Quando Charles Mingus era encurralado, ele frequentemente reagia com um ataque. Com Blues and Roots, isso foi, literalmente, o que ocorreu.

Não é preciso dizer que Mingus faz seu ponto do primeiro ao último acorde. Blues and Roots tem um swing intenso e transborda alma. “Wednesday Night Prayer Meeting” é blues cru em seu melhor. A banda toca com toda força ao longo, com Horace Parlan tocando piano com autoridade imponente. A banda se revezam para lamentar o blues, soando fresco e refinado, mas ainda despojado e único.

Pepper Adams é particularmente prolífico neste álbum, com seu saxofone barítono adicionando uma sensação terrosa aos metais que realmente destaca o blues na música. Isso é especialmente evidente em “Cryin’ Blues.” Pepper Adams fornece uma espinha dorsal para a banda, rasgando um riff profundo e ressonante de saxofone barítono. Os tenores Jackie McLean e John Handy se integram impressionantemente com Pepper Adams e juntos causam uma comoção.

É difícil segregar cada faixa e escolher porque é brilhante. Blues and Roots é uma jornada, então vá com ela e aproveite a viagem.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah apresenta o que poderia ser considerado uma formação de metais estelar. O coquetel de Booker Ervin e Roland Kirk é fenomenal, com o ouvinte tendo dificuldade em encontrar uma melhor combinação de metais do que essa.

“Devil Woman” é um coquetel agitado com a seção de metais mencionada acima, criando uma jam suave e terrosa que é blues e pós-bop em igual medida. É uma faixa tentadora, com Mingus liderando à frente, desta vez ao piano. As teclas caem como gotas de chuva, enquanto são complementadas pela melhor combinação de metais do mundo. Roland Kirk e Booker Ervin depois oferecem solos individuais que derretem na boca. Os solos são suaves e cada nota tocada perfeitamente. Menos é mais, ou assim dizem.

Assim que você estiver relaxado, o ritmo muda com “Wham Bam Thank You Ma’am.” Este é o hard bop em seu melhor. A banda impõe um ritmo acelerado, liderada por um Mingus animado gritando durante a faixa. Roland Kirk mais uma vez arrasa com um solo furioso, enquanto é incentivado por Mingus. “Yeah, Roland!” ele grita. Você não pode deixar de fazer o mesmo. Isso realmente te anima.

O mesmo pode ser dito de “Eat That Chicken.” Esta melodia é outro clássico alegre do bop. Você não pode deixar de balançar a cabeça e se movimentar, independentemente do que pode estar fazendo no momento.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods é a definição no dicionário de caos organizado. O álbum apresenta “Ysabels Table Dance” e que fique registrado, nunca houve uma canção com um título mais perfeito. O ritmo desta faixa deixa sua cabeça girando. Inicialmente, “Ysabels Table Dance” irrompe em um alvoroço, apenas para desacelerar e dar espaço para um luxuoso solo de Curtis Porter. Como se do nada, o ritmo aumenta novamente e o caos se instala. Ysabel Morel nos castanholas merece uma menção, com suas castanholas sendo um destaque particular nesta canção. O som semelhante ao grilo das castanholas salta para o primeiro plano da anarquia com seu som envolvente e irremediavelmente único. Esteja avisado, essa música pode incentivá-lo a também participar de uma dança na mesa sua.

A beleza deste álbum é a metamorfose do caos para a tranquilidade, de uma briga para um beijo. Talvez isso personifique perfeitamente o diagnóstico bipolar de Mingus. “Flamingo” é a faixa de encerramento, e é um fechamento suave e vagaroso. Bill Triglia toca piano enquanto Clarence Shaw se esgoela em seu trompete. O duo complementa o estilo de tocar um do outro, criando uma ambiência aveludada de morrer. É um final sem igual para um álbum. É um café após uma grande refeição; é um cigarro após o sexo.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Assim como Mingus Ah Um, The Black Saint and the Sinner Lady foi recebido com reverência. The Black Saint and the Sinner Lady é uma obra de arte abrasiva e contenciosa. Pode-se argumentar que este álbum de big band se encaixa na categoria do avant-garde, enquanto permanece fiel às características de um álbum de big band tradicional.

Mingus gravou este álbum com uma ampla gama de músicos talentosos, incluindo Booker Ervin no saxofone tenor, e os arranjos foram elaborados pelo infame Bob Hammer. Formar esse relacionamento com Hammer foi inestimável para o desenvolvimento musical pessoal de Mingus. Ele mais tarde se referiria a Hammer como seu “Beethoven.”

Uma faixa de destaque seria “Group Dancers.” Jaki Byard estabeleceu as bases para esta canção, com um piano delicado e suave. Começa suave, com Byard dictando o ritmo da faixa com autoridade. Após momentos que parecem de flutuação, o ritmo muda drasticamente e os metais entram na música como um touro em uma loja de porcelanas, destruindo tudo à vista. Em um instante, o caos se acalma e Jaki Byard nos traz de volta à realidade, limpando a bagunça que foi feita. É fantástico.

As últimas três faixas deste álbum são mescladas em um movimento e duram 17 minutos. Elas se chamam “Trio and Group Dancers”, “Single Solo's and Group Dance” e “Group and Solo Dance.” As três faixas são uma mistura ruidosa que muitas vezes descende ao caos, com metais voando para todo lado. A big band se unifica para criar um som de swing gigantesco que faz seus pés baterem. A banda leva-se a um grande crescendo, operando a um ritmo tão rápido que você mal consegue acompanhar com os pés. Antes que você perceba, a banda desacelera completamente. The Black Saint and The Sinner Lady pode ser exaustivo, mas é emocionante.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Mais uma vez juntando-se a Bob Hammer, Mingus oferece um álbum de pós-bop um pouco despojado e extravagante. Embora uma big band participe deste álbum, Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus parece mais cru do que gravações anteriores.

“II B.S” mostra o poderoso toque de contrabaixo de Mingus. Ele puxa as cordas de seu contrabaixo, estabelecendo uma linha de baixo concreta para a banda, que entra e sai quando Mingus permite. Mingus está em controle total, com essa melodia exibindo todas as suas habilidades bombásticas. “Better Get Hit in Yo’ Soul” é cortada do mesmo pano e apresenta o etéreo Eric Dolphy, que lidera uma seção de metais que ganha vida ao longo desta faixa. Os solos são brilhantes e efervescentes, com a banda exibindo uma sinergia e confiança que só poderia ser cultivada por músicos liderados por Hammer e Mingus.

“Theme for Lester Young” é uma melodia mais lenta e sonolenta. É elemental, e revestida de caráter. Desde a primeira nota até a última, você se sente transportado. Quando começa, você é imediatamente transportado para um bar esfumaçado em Nova York, e você está tomando um drink com o falecido Lester. Foi uma canção criada em memória de Lester Young, que ele teria amado.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus é frequentemente negligenciado, mas não deveria. É um álbum de pós-bop confiante e bem refinado que merece sua atenção.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music é uma ótima peça de orquestra e o que Mingus considerou ser o "melhor álbum" que ele já fez. Durante este álbum, Mingus se sintetizou com os compositores e transcritores Sy Johnson, Alan Raph e Hub Miller. Eles ajudaram Mingus a elaborar uma composição sólida que aliviou parte das pressões que anteriormente causaram a Mingus uma quebra e uma subsequente pausa na música.

Subsequentemente, Let My Children Hear Music foi um álbum que tomou uma abordagem diferente em relação a outros álbuns de Mingus. Embora Mingus estivesse no controle do corpo principal da música, havia mais delegação envolvida durante esta gravação e a consequente contribuição de outras pessoas. Embora a música criada não fosse inerentemente nova para Mingus, as técnicas de pós-produção, manuseadas por Teo Macero, ofereceram aos ouvintes um álbum de Mingus produzido com novas técnicas e ideias. Teo Macero usou habilidosamente um coquetel de overdubs, efeitos sonoros e amostras existentes para criar uma sensação que era profunda, metálica e ousada.

“The Chill of Death” é sublime, soando mais como uma trilha sonora de um filme de terror do que a faixa de bop clássica que você esperaria. A seção de cordas é arrepiante, com Mingus recitando um poema sobre essas cordas que dão arrepios.

“Hobo Ho” é uma fatia magnética de bop. Bobby Jones realmente te impressiona em seu saxofone tenor, enquanto Joe Wilder e Lonnie Hillyer revidam com solos de trompete selvagens sobre um track de 10 minutos, que parece uma briga musical entre músicos de metais. A orquestração deste álbum realmente é tão boa, e você sente que o apoio de uma orquestra tão grande e impermeável dá ao solista uma confiança que exemplifica suas habilidades.