De 10 beste moderne London jazzalbumene du bør eie på vinyl

Å legge til rette for denne oppgangen innen moderne London-jazz er ånden av samarbeid som binder sammen stjernene. Disse virtuososene er ofte med på hverandres plater. De hopper på scenen sammen, og slår seg ned i hverandres stuer når det er nødvendig. Kjemien i et tett sammensveiset kunstnerisk fellesskap kan være vanskelig å fange og nesten umulig å definere. Når man kan overføre den kemien til plate, føles det som et lite mirakel.

For nykommere som søker en inngang til moderne London-jazz, er en viktig lytt Brownswood-samlingen We Out Here, en av de første utgivelsene som innkapsler magien. Her har vi fokusert på 10 av de beste fullengdeutsagnene brent av band og individuelle artister som har kommet ut fra The Old Smoke de siste årene. Hver enkelt fungerer som Exhibit A for en glødende jazzscene, uutslettelig og ubestridelig, som krever global oppmerksomhet. Ingen som kobler seg til akkurat nå vil noen gang glemme det.

Shabaka and The Ancestors: Wisdom of Elders (2016)

Let etter sentrale figurer i den nye jazzrenessansen i London, og du vil snart komme over den rastløse saksofonisten og bandlederen Shabaka Hutchings. Den barbadiske britiske bohemen har gjort like mye som noen annen person for å definere scenen. Blant hans dristige og brede verk, er Wisdom of Elders et åpenbart høydepunkt. For å lage platen reiste Hutchings til Johannesburg og knyttet kontakt med en gruppe lokale musikere som ble kjent som The Ancestors. Resultatet er en rik, kraftfull plate som blander Hutchings’ melodiske toner, bandets sørafrikanske arv og læren fra Sun Ra. Beskrevet som “et salme i ni deler,” er dette komposisjoner som lyder som den fortapte siden av spiritualitet. De værbitte vokalmeditasjonene minner om gamle mantraer eller tragiske begravelsesprosesjoner. Likevel er Hutchings’ saksofon avslappet og fyldig på sanger som “Joyous.” I mellomtiden har “Give Thanks” backing fra Tumi Mogorosis blendene trommer og lite annet, og gir klar plass for Hutchings til å puste glødende ild gjennom sitt valgte instrument.

Yussef Kamaal: Black Focus (2016)

Du vil sannsynligvis finne Black Focus i jazzseksjonen i din lokale plateforretning. Dette er helt klart jazz — Yussef Dayes og Kamaal Williams’ frie instrumentering beveger seg med sjelens ånd. Men de to Sørøst-Londonerene blander de klassiske lydene av funk, soul, boogie, afrobeat og hip-hop til en stilfull blanding som destillerer denne pluralistiske, praktfulle delen av Storbritannia. De fremkaller, spesielt, de klassiske soul-jazz-lydene til Roy Ayers og Lonnie Smith, samt de moderne musikkene fra Los Angeles-scene stjernene som Robert Glasper og Thundercat; arrangementene er like tidløse som et smalt slips eller bourbon. Dayes’ trommer snapper virkelig sammen, mens Williams’ stilige tangenter vandrer fritt, og hjelper til med å bære albumets jevnt dirrende melodier. Duoens kjemi kommer kanskje best til uttrykk på avslutningsnummeret “Joint 17.” Det krever supre ferdigheter og ubegrenset kulhet å få en så skjev arrangering til å høres så avslappet og uanstrengt ut.

Nubya Garcia: Nubya’s 5ive (2017)

På Nubya’s 5ive serverer Camden-fødte saksofonist Nubya Garcia den glatteste nektar i London. Ta den stilige “Lost Kingdoms,” som glir mykt som satin på øret, mens den mer tradisjonelle “Red Sun” fremkaller Wayne Shorters frie tilnærming. Selv om Garcia utvilsomt er stjernen her, samler hun et all-star band fra den lokale scenen som tilfører sin egen stil til albumet. Moses Boyds usystematiske trommer gir perfekt grunnlag hele albumet igjennom, mens Joe Armon-Jones’ forvrengte, grenseløse pianospill på “Fly Free” er et energisk, voksende stykke av fristilspill. “Hold” drives av grusomt lave, rumlende messingblåsere. At sangen er til stede her i to forskjellige versjoner fremhever besetningens dedikasjon til fristil uttrykk.

Zara McFarlane: Arise (2017)

Zara McFarlane sin musikk tar inn fragmenter av hennes bakgrunn fra Øst-London, jamaicansk arv og omfattende formell musikkutdanning, som inkluderer opphold ved London College of Music og Guildhall School of Music and Drama. Hun viste sin rystende stemme og lyden fra jazzen i nattklubber på den fortsatt fantastiske albumet If You Knew Her, som fikk prisen for Beste Jazz Akt ved MOBO Awards 2014, men Arise er den mest gjennomførte fullengderen i sangerens katalog. Sammen med trommeslager og produsent Moses Boyd, som deler McFarlanes karibiske bakgrunn, utforsker albumet rytmene fra Jamaica: reggae, Kumina, nyabinghi og calypso. Fokuset på historien er tydelig allerede fra den korte åpningssporet “Ode To Kumina,” som er inspirert av Kumina-tradisjonen, en afro-jamaicansk religion utviklet av kontraktsarbeidere fra Kongo på 1800-tallet. Andre steder understreker den nydelige rytmen i “Peace Begins Within” en rettferdig hymne om selvstyrking, med McFarlanes svaiende falsett som viser seg å være hennes viktigste instrument.

Sons of Kemet: Your Queen is a Reptile (2018)

London jazzscenen serverer ofte beroligende antiseptiske midler til Brexit-tidens Storbritannia. Ledet av den mannen Shabaka Hutchings, slipper Sons of Kemet en av de mest politisk engasjerte platene som har oppstått fra kaoset. Umiddelbart slående er sangtitlene, hver oppkalt etter store og innflytelsesrike svarte kvinner. Åpningen “My Queen is Ada Eastman,” for eksempel, er dedikert til Hutchings’ oldemors minne. Når gjestevokalisten Joshua Idehen skriker, “Burn UKIP, fuck the Tories / Fuck the fascists, end of story,” slipper han løs sinnet til den multikulturelle hovedstaden som tydelig avviste Brexit, men som må leve med økningen av nasjonalistiske følelser. Lydmessig, Your Queen is a Reptile, gruppens tredje album, utvider sitt musikalske palett. Den travle “My Queen is Harriet Tubman” binder sammen flere lave horn, livlige solospill og hyperaktive trommer som er lette å danse til, mens det rumlende “My Queen is Mamie Phipps Clark” viser håndtrykkene til ska-grupper som The Specials.

Joe Armon-Jones: Starting Today (2018)

Tangentspiller Joe Armon-Jones perfeksjonerte sitt håndverk som medlem av Ezra Collective og sammen med sin gode venn Maxwell Owin på den felles EP-en Idiom, men debut soloalbum Starting Today tilbyr en full representasjon av bredden av Armon-Jones’ musikalske preferanser. Hans kjærlighet for tilbaketrukket R&B, funk, hip-hop og boogie er dypt forankret i platens spor. Selv albumomslaget, laget av artist og venn Divya Scialo, viser bilder av Armon-Jones’ leilighet i London, noe som reflekterer den personlige naturen til de seks sangene.

Høydepunktene inkluderer “Almost Went Too Far,” et silkemykt nummer som strekker seg etter 1970-tallets amerikanske R&B-lyder fra Larry Levan, Paradise Garage og Shuggie Otis. Tittelsporet har de brennende tonene til vokalisten Asheber, som gir et tidsriktig opprop til Londons mest marginaliserte (“Starting today, I’m gonna wipe the blood off these streets,” synger han. “Starting today, spread love in the community”). Noen ganger er de beste debutalbumene en sammensmelting av ideer — som om skaperen er usikker på om de noen gang vil bli gitt tilgang til et innspillingsstudio igjen, så best å utnytte det. Her gir Armon-Jones oss alt han har.

Kamaal Williams: The Return (2018)

Vi vil kanskje aldri vite hva som fikk Yussef Kamaal til å splintre brått. Etter Black Focus føltes det som et ødeleggende tap for London jazzscenen. Uansett årsakene bak bruddet, var Kamaal Williams rask til å posisjonere seg som den naturlige fortsettelsen av gruppen. Albumomslaget og coverfontene til The Return samsvarer med de til Black Focus, et klart forsøk på å ta gruppens arv videre. Mer viktig er det at The Return gav oss mer av de kosmiske rytmene som tilfredsstilte like mye andre gang. Trommerne er funky, bassen er skrudd opp, og Williams’ retrofuturistiske tangenter er herlig silkemyke. Så snart de sløve akkordene og de romlende synthbølgene av åpningsnummeret “Salaam” treffer, trengs det ingen musikkforsker for å si at dette representerer en rask retur til forretninger for Sør-Londoneren.

Tenderlonious: The Shakedown (2018)

Tenderlonious, også kjent som Ed Cawthorne, er en saksofonist, DJ, plateleder og en allsidig sentralfigur i London jazzarenaen. The Shakedown er resultatet av en enkelt åtte timers økt, men med noen av scenens fineste musikere i besetningen — kalt The 22archestra, som inkluderer Yussef Dayes på trommer og Hamish Balfour på tangenter — det er en funky plate med kule rytmer, sofistikert fløytespill og avslappede tangenter. Det er også en sterk hip-hop påvirkning her: “SV Interlude” og “SV Disco” er i hyllest til Slum Village, mens Tenderlonious’ fløytespill på “Togo” sies å være inspirert av rytmene til Slums en gang virtuoso J Dilla eller MF DOOM.

The Shakedown, er imidlertid først og fremst en jazzplate. “Yussef’s Groove” starter med drivende trommer, og hver av The 22archestra går jevnt inn i lyden, og utnytter kraften i sitt dyktige spill ved å veksle mellom dype bass, stilige åpne pianosolet og tåkeaktig elektrisk piano. Det finnes også øyeblikk med mer tilbakeholdenhet, med Bitches Brew-stil atmosfære som gir en håndgripelig følelse av forventning og lidenskap, samtidig som den fortsatt beholder den dunkende, lave ’70-talls svingen de gjør så bra. The Shakedown kan ha blitt spilt inn omtrent på samme tid det tar å fly fra London til New York, men bandet har en så søt rytme at de høres ut som om de har all tid i verden.

Moses Boyd: Displaced Diaspora (2018)

Det kan bare være én Flying Lotus, men det betyr ikke at Moses Boyd ikke passer godt inn i FlyLo’s esoteriske lane. Boyd lager elektronisk musikk med røtter i jazztradisjon. Etter først å ha lagt ut sin uvanlige oppgave på fire-spors 2017-utgivelsen Absolute Zero (en sang som “Square Up” høres ut som fra en hacket Sega Genesis), utvider Boyd de ytre grensene for lyden sin på Displaced Diaspora. Se hvordan åpningsnummeret “Rush Hour/Elegua” blander tradisjonelle afrikanske sanger med Boyds sjelfulle elektronikk. Zara McFarlane gjester på den midnattsblå balladen “City Nocturne.” I mellomtiden bidrar det erfarne bandet Kevin Haynes Grupo Elegua på fire sporer, og tilfører en mer tradisjonell jazzfølelse til låtene. Best av alt kan være “Rye Lane Shuffle,” den travle blandingen av brølende messingblåsere, guitar-soloer og raske trommer fanger den pulserende gaten Peckham som det er oppkalt etter.

Camilla George: The People Could Fly (2018)

Som barn leste Camilla Georges mor ofte historier for henne fra The People Could Fly, en bok med afrikanske fortellinger som er preget av temaet slaveri. Den sterke følelsen av menneskelig ånd som den nigerianskfødte, London-baserte artisten hentet fra disse historiene påvirket albumet med samme navn. Dette settet av smakfullt produserte, tett arrangerte låter har en luftig følelse — ingen varer mer enn seks minutter. Men Georges sentiment spor-for-spor er håndgripelig. Lyden av raslende kjeder gir en kraftfull bakgrunn til Georges saksofon i starten av den sørgelige “The Most Useful Slave.” Langt fra ensformig, tilbyr “The People Could Fly” en mer livlig side av hennes kunstneriske uttrykk. Albumet avsluttes med en cover av Curtis Mayfields “Here, but I’m Gone,” som forbinder George med de sosialt bevisste groovene fra 1970-tallet, gjenoppliver tidløse fortellinger for nåtiden.