Vanskelige valg og vanskelig kjærlighet: En samtale med Timothy Showalter fra Strand Of Oaks

For de som er kjent med Strand of Oaks' tidligere katalog, kan Showalters begeistring komme som en overraskelse. I mange år ga han ut dystre, akustisk-tunge plater som Dark Shores og Pope Killdragon som føltes som mørke dagbokbekjennelser. Selv når han koblet til strømmusikk, omfavnet forvrengning, og tok musikalske sprang på 2014’s HEAL, brukte han musikk som en kanal for å utforske sine personlige tragedier: ekteskapsproblemer, en husbrann som gjorde ham hjemløs, en nesten dødelig bilulykke, og følelsen av å være så nede at han ikke ville forlate huset. Men bare ved å se på omslaget til hans nyeste plate, Hard Love, er det lett å se at det har skjedd en forandring. HEAL viste ham tårer i øynene og skjør med myke grønne toner. Hard Love viser ham med et skjevt smil, iført aviators, og omgitt av en glødende rosa ramme. Hva har skjedd?

«Jeg begynte å bli ganske lei av den hjertesorgede skjeggmannen etter en stund,» sier Showalter. «Det var som, 'Vi har hatt mange av disse platene, jeg trenger å endre meg litt.'»

Showalter har fortsatt skjegget og det er fortsatt mye hjertesorg på den nye plata, inkludert kanskje hans mest sårbare ballade hittil med sangen «Cry». Det som endret seg var hans tilnærming til livet og dermed hans tilnærming til musikk. Showalter beskriver HEAL som en historie han trengte å fortelle, noe som betydde at musikken fungerte hovedsakelig som et støttestruktur for å bære opp hans nøye utformede tekster. Hard Love derimot ble unnfanget rundt impuls.

«Hvis HEAL er meg som får selvtillit, tror jeg Hard Love er meg som føler meg komfortabel nok til å lage den plata jeg vil,» forklarer han videre. «Det var denne sultne, psykologisk utsultede personen da HEAL skjedde. Jeg vet ikke om jeg er noe bedre tilpasset. Jeg følte meg bare mye mer komfortabel med å ta risiko og presse meg selv inn i det ukjente med Hard Love, noe som er flott, fordi noen ganger finner man de beste tingene når man ikke har noen intensjoner.»

Dette og Topp Foto: Maclay Hariot

Han kan ha unngått å planlegge teksten like nøye som han gjorde på HEAL, men det var ingen måte å unngå å kanalisere hans livserfaringer inn i plata. Da Showalter begynte å skrive plata, kom han rett etter å ha turnert rundt i verden. Møte nye folk, feste i forskjellige land, og nyte spenningen av publikummet han spilte for. Hans stemme stiger lidenskapelig når han husker å kose seg med festivalenes overflod; galavantere rundt med bandkameratene sine og opptre med den rette blandingen av «kjemikalier». Det er vanskelig å forestille seg den samme fyren som skrev den hjerteskjærende HEAL kunne utstråle dette nivået av glede og kjærlighet til livet. Det er litt ironisk at en plate som åpnet hans dypeste sår, endte opp med å lede til noen av de mest jubel fyltøye tider i hans liv. HEAL resonerte med publikum på grunn av hans brutale ærlighet. Selv om de nøyaktige opplevelsene han fortalte var unike for ham, hadde følelsene bak dem en universell appell. Parret med det faktum at han fortsatt trampet videre til tross for hans tap var rett og slett inspirerende – spesielt for de som var heldige nok til å se en av hans livlige liveshow.

Samtidig som muligheten til å reise verden rundt og dele musikken sin med større publikummer var spennende, innrømmer Showalter at han typisk har en tendens til å føle seg skyldig for å føle seg så bra og ha fantastiske opplevelser. Denne gangen, i stedet for å stenge seg inne med anger, prøvde han å bevisst unngå den mentaliteten og la seg føle alle de tingene uten skam. Når han kom hjem, prøvde han deretter å legge all den energien inn i sine sanger.

«Det er den største karakteren i plata, tror jeg; hva det betydde for meg å fullt ut oppleve livet og opp- og nedturene av hva som skjer når du lever et ganske stimulerende liv og deretter balanserer det med å ha en partner hjemme og en kone som du elsker, men du prøver fortsatt å finne ut hvordan det forholdet fungerer,» sier han. «Noen ganger gikk det virkelig på avveie og så andre ganger ble det veldig sterkt igjen. Det var det å forstå balansen»

Denne ideen går igjen i navngivningen av Hard Love og det amorfe tittelloftet selv. Showalter minner om noen dype råd han en gang mottok: «Du har bare to beslutninger når det kommer til livet: skal jeg ta denne beslutningen ut fra frykt eller skal jeg ta denne beslutningen ut fra kjærlighet?» Han sier det er noe han ofte tenker på.

«Det er et vanskelig valg å ta – derav ‘hard love,’» sier han. «Men det er verdt det. Det er små ting, som, jeg elsker å spille gitarsoloer, men jeg er ikke Jason Isbell når det kommer til å spille gitar. Jeg er ikke noen virtuos på noen måte, men jeg elsker fortsatt å spille gitar og jeg kan treffe noen feil toner og ikke vite hva akkordnavnene er, men det er en del av det. Går fra gitar til å være i et forhold. Jeg vil være så god partner og venn og sønn som mulig, men jeg gjør feil hele tiden. Som vi alle gjør. Det er bare dette generelle prinsippet for livet»

«Og det handler sannsynligvis også om sex,» legger han til med en latter.

Da han begynte å skrive sangene til plata, prioriterte Showalter den fysiske følelsen han fikk fra musikken i stedet for å tenke på en fortelling. Han sier at de fleste sangene startet med at han bare lekte rundt med gitaren, uten å tenke på tekstene. Det var viktigere for ham å lage musikk som han kunne danse til eller smile til eller generelt uttrykke seg til snarere enn en innadvendt emosjonell prosess.

For å fange lyden han ønsket, dro Showalter til New York, fikk studio tid i et av de fineste studioene han noen gang hadde jobbet i, og fikk hjelp av produsent Nicolas Vernhes (Steve Gunn, Run The Jewels).

Mens han jobbet i et så luksuriøst studio, var Showalter bekymret for at han måtte ta seg sammen og lage en plate som var «etter boka». Det motsatte endte opp med å være sant, takket være Vernhes' egen spontanitet. Showalter beskriver Vernhes' rolle som mer en fasilitator og en «bedrager, på en god måte». Vernhes var alltid på jakt etter en måte å fange den løse ånden i studioet. En gang da bandet varmet opp og kjørte gjennom sanger og fortsatt fikk utstyret riktig plassert, tok Vernhes hemmelig opp hele tiden. Det er slik sangen «Everything» dukket opp på plata, med rytmegitaren og trommer innspilt med en enkelt trommemikrofon. Ingen forsterkere ble engang plassert med mikrofon. Denne typen tilfeldig, opprørsk stil resulterte i lyden Showalter hadde søkt etter.

Den spontaniteten i studio utvidet seg til noen av albumets mest dystre spor også. Den tidligere nevnte «Cry» har Showalters stemme ledsaget bare av piano og lav, ambient summing. Da han først tok med sangen inn i studio, sier han at den hørtes mer ut som en Mojave 3-sang – en tykk og reverb-fylt ballade. Han måtte kjempe mot sine egne maksimalistiske tendenser for å gi sangen den avstrippede behandlingen den fortjente. I stedet for å spille inn i det levende rommet bak glasset, valgte Showalter å fremføre sporet i mikserommet med vennene og bandkameratene sine innen berøringsavstand og lysene slått av. Nøkkelen til sangen er for høy for Showalters stemme og stemmen hans går ut av stemning til tider, men han ønsket det slik. Måten stemmen hans strekker seg og svimer rundt de myke pianokordene legger til intimiteten. På slutten av sporet brytes trolldommen ved en lydbildekollasj av gitarer som stemmer og studiokonversasjoner, inkludert en telefonsamtale med kona Sue (uten hennes viten på det tidspunktet). Det er en total avvikling fra sporens stramhet, men en som føles naturlig når den bryter sammen foran lytteren.

Showalter har alltid vært en uforfærdet fan. En ekte fanatiker som vil bruke timer på å grave gjennom bunken av plater. Da han var yngre, kjøpte han Secretly Canadian Records gjennom posten, uten engang å vite hvem bandene var. Han kan til og med huske tydelig å høre en sang i en GAP-reklame som barn, ringe deres forhandler hotline, og bli sendt rundt fra operatør til operatør til han til slutt fikk noen som kunne fortelle ham at sangen var Red House Painters' «All Mixed Up».

«Min hobby er å samle plater når jeg ikke spiller musikk,» sier han. «Det er min gå-ting som låser opp følelser, det er en slags terapi, og alle de andre vakre tingene musikk gjør. På grunn av det er det bare naturlig for meg å snakke om musikk i min egen musikk, antar jeg.»

På bare vår enkeltsamtale nevner han Songs: Ohia, the Replacements, Nirvana, Arcade Fire, Bruce Springsteen, Radiohead, the Rolling Stones, og så videre og så videre. Å snakke med Showalter er som å møte en venn for øl og diskutere verdien av hvorvidt Ritual De Lo Habitual er den beste Jane’s Addiction-albumen eller ikke (Showalter sier ja, for ordens skyld). Den kjente entusiasmen er en ressurs og føles aldri kort av oppriktighet.

Maclay Hariot

Alle disse temaene – impuls, åpenhet og nostalgi – kommer til et hode på albumets siste spor: en åtte minutters psykedelisk opus kalt «Taking Acid And Talking To My Brother.»

«Jeg levde et ganske vilt liv på turné. Skrive sanger og gjøre alt,» sier han. «Og så plutselig fikk jeg en telefon fra mamma og hun sa, 'du må komme hjem nå.'»

Hans yngre bror, Jon, hadde hjertestans og var i indusert koma. Showalter samlet seg med familien på sykehuset. Mens hans 27-årige bror lå i sykehussengen, satt Showalter ved hans side og spilte ham Pink Floyds «Comfortably Numb» og noen av deres andre favorittsanger. Heldigvis trakk Jon gjennom og våknet.

«Jeg vil sannsynligvis aldri kunne snakke fullt ut om det,» sier Showalter. «Det merkeligste var at det ikke skjedde med meg, og min lillebror husker ingen av det. Det var en så merkelig opplevelse at han var den som måtte gå gjennom denne forferdelige situasjonen, men det var mer av denne samfunnssamlings av familien min. Alle bare rundt ham, ikke egentlig å vite hva de skulle gjøre. Så plutselig var han våken igjen og vi hadde ham tilbake.»

«Taking Acid And Talking To My Brother» handler ikke om å ta syre, men er inspirert av hans brors nær-døden-opplevelse – i det minste delvis. Showalter sier han kalte det «Taking Acid» fordi det best beskriver følelsen «når livet blir så tungt at det blir syreholdig», spesielt når du ikke kan få noen mening ut av hvorfor ting skjer som de skjer. Han spøker med at han sannsynligvis fortsatt må håndtere spørsmål fra moren sin om å ta stoffer (forhåpentligvis spør hun heller ikke hva «rulling» er).

Det er en abstrakt idé for en abstrakt sang. Liksom de fleste sangene på plata, prøver han fortsatt å finne ut hva det hele betyr, men sier at han er ganske sikker på at den første delen handler om en rave med tekster som «Light in the field/We all move in time». Men han nevner Jon ved navn og synger, «Jon du er laget av lys/Jon du er ekte/Våkn opp og se alt/Alt/Og lev det hele igjen». Hvert klokkespill av gitaren og den truende boomen av bassen skaper et tykt slør over sporet. Showalters stemme vibrerer på avstand. Det skjelver, kryper, og til slutt eksploderer det.

«Det er den beste sangen jeg noensinne har skrevet, rett og slett fordi det er det nærmeste jeg noen gang har kommet til min intensjon med å faktisk følge den opp, musikalsk,» sier han. «Måten det klinger på, måten bandet spiller, måten jeg skriker på slutten; alt det er så ufiltrert at jeg føler at det er mitt stolteste øyeblikk så langt.»

Denne viljen til å gi etter for en impuls, spesielt en som ikke var hans egen, var det Showalter søkte i første omgang. Når forvrengningene stilner til stillhet, er det en bekreftelse på arbeidet Showalter satte seg for å skape. Hard Love er født av hard kjærlighet. Kjærlighet som transcendere til og med skaperens intensjoner.