Arlo McKinley omarmt 'Deze rommel waar we in zitten'

Geproduceerd door Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) en opgenomen in de legendarische Sam Phillips Recording Studio in Memphis, This Mess We’re In vindt McKinley diepergaande op het geluid dat hij creëerde op Die Midwestern, en geeft hij nummers meer body met strijkers, toetsen en orkestrale flair. Thematisch worstelt de LP met rouw, depressie en de rommeligheid van menselijke relaties, onderwerpen die vooral resoneren met luisteraars na de onrust van de afgelopen tweeënhalf jaar.

Hieronder neemt VMP een update met McKinley over hoe melodieën hem bereiken, de tijd die hij doorbracht bij Sam Phillips en wat het betekent om deel uit te maken van de muzikale erfenis van John Prine.

Dit interview is ingekort en bewerkt voor duidelijkheid.

VMP: Je hebt even moeten wachten om dit album uit te brengen. Hoe voel je je, nu je nog maar een week verwijderd bent van het moment dat luisteraars het volledige project zullen horen?

Arlo McKinley: Ik houd het al bijna precies een jaar vast. [15 juli] is ongeveer het moment waarop we de opnames afronden. Ik woon al een tijdje met het album en moest eigenlijk een tijd stoppen met luisteren omdat ik dacht: “Ik ga dit vaak horen.” Ik ben enthousiast. Ik ben blij dat het eindelijk, eindelijk de wereld in komt. Ik ben super trots op dit album.

Wanneer begon je voor het eerst met het schrijven van nummers voor het album? Er is een sterke thematische koppeling tussen veel van deze nummers — was er een nummer of idee dat die verbindingen hielp vestigen?

Kort nadat Die Midwestern uitkwam [in 2020], zat ik wat rond te schrijven, gewoon een beetje te experimenteren met ideeën. “Stealing Dark from the Night Sky” kwam eerst. Daarna “Rushintherug,” toen ik dat schreef, realiseerde ik me dat ik een album aan het schrijven was. Dat was het moment, ook al had ik enkele van de andere nummers in die tussenliggende tijd geschreven. Ik dacht dat alle nummers op een of andere manier met elkaar verbonden waren. Ik wist vrij snel dat ik altijd aan het schrijven ben, op mijn manier. Sommige ideeën blijven hangen; sommige niet. Maar het is nog nooit zo uitgepakt zoals nu, waar alle nummers die ik schreef, leken te passen in een soort verhaal. Ze zijn allemaal met elkaar verbonden, wat, denk ik, voortkwam uit het terugkijken op de hele COVID-ervaring en de zware lockdown en dat allemaal.

Die verbindingspunten die je vond, werkte je daar bewust naartoe? Of was het meer een natuurlijke bijwerking van wat je in gedachten had tijdens het schrijven?

Ik denk dat het organisch gebeurde, eigenlijk. Sommige van de nummers daarop — zoals “Bag of Pills” op Die Midwestern was meer dan 15 jaar oud — ging ik terug voor, omdat ik een lijst heb van nummers die ik heb geschreven van waarschijnlijk meer dan 40 nummers die ik probeer enigszins bewust opnieuw te bezoeken. Ik denk, meer door terug te gaan naar de oude nummers, dat het vinden van nummers was die paste bij het geluid en het verhaal van het geheel. Maar schrijven, denk ik dat ze gewoon organisch met elkaar verbonden waren. De nummers “Stealing Dark [from the Night Sky]” en “Rushintherug” en “To Die For,” en dat soort dingen, zijn allemaal nieuw, en toen ging ik terug om “Back Home” en “Dancing Days” op te frissen, wat oudere nummers zijn die op de een of andere manier met het album leken te werken.

“Rushintherug” is een van mijn favoriete nummers. Ik was echt onder de indruk van de melodie. Dat is iets dat opviel in het hele album — je gebruikt melodie op zo’n emotionele manier. Hoe speelt het schrijven van melodieën een rol in je songwritingproces?

Het is een zeer belangrijke factor. Dat is meestal hoe ik eindig met schrijven. Ik ben nooit iemand geweest die gewoon kan zitten en zeggen: “Ik ga vandaag een nummer schrijven.” Dat proces heeft nooit echt gewerkt. Ik probeer niet te forceren en het meeste van wat ik schrijf komt voort uit een melodie of iets dat ik in mijn hoofd heb, terwijl ik aan het rijden ben of gewoon zit. Dat gebeurde ook met het refrein van dat nummer, zo begon dat nummer. Ik hoorde de melodie van dat refrein in mijn hoofd en dacht toen: “Oh, dat is eigenlijk best catchy. Dus, ik schrijf een nummer rondom dit.” Het is belangrijk voor me om catchy dingen te schrijven. En melodie, dat is waar ik het meest uit haal in muziek, mooie melodieën en dat soort dingen. Met dit album in zijn geheel, denk ik dat dat nummer de toon zette voor hoe het zou klinken: strijkers-gezwäng, met veel toetsen en organen. Ik wilde gewoon een mooi album maken.

Je teksten zijn ook zo beeldrijk. Zoals op “Back Home,” de regel, “Deze stad is een symfonie die nooit in toonsoort lijkt te zijn,” is zo specifiek en evocatief. Hoe heb je zo’n levendige songwriting stem aangescherpt?

Dat blijft voor mij nog een mysterie. Ik weet niet waar het vandaan komt. Ik begon pas met schrijven in mijn late 20s, vroege 30s. Ik word dit jaar 43. Ik was altijd een zanger, gewoon harmonieën zingend in bands en dat soort dingen. En ik weet echt niet waar die schrijfskills vandaan kwamen. Ik schrijf gewoon over mezelf en mijn leven en situaties die ik meemaak. Die regel is gewoon van “ik weet niet, alles om me heen beweegt, maar niets lijkt op zijn plaats te zijn.” Als ik er nu over nadenk, vind ik het raar dat ik dit soort dingen ga zitten doen. Het was er niet altijd. En het was iets dat lang duurde om er vertrouwen in te krijgen.

Het titelnummer viel me ook op, zowel om je zang als om de boodschap, die lijkt aan te slaan bij mensen na de afgelopen twee jaar. Wat maakte dat nummer in het bijzonder representatief voor het hele album?

In de afgelopen jaren heb ik gerealiseerd hoe belangrijk relaties en vriendschappen werkelijk zijn. Ik was me niet altijd bewust van hoezeer ik bepaalde mensen in mijn leven nodig had totdat ik gedwongen werd — totdat we allemaal gedwongen werden — om zonder deze mensen in ons leven te moeten zijn op dagelijkse basis, en om even alleen te zijn. En ik dacht dat de titel “This Mess We’re In” gewoon gepast was voor deze tijd. Het is nu meer passend dan toen ik het verzon. De wereld verkeert in een vreemde toestand.

Ja, het lijkt helaas met de dag toepasselijker te worden.

Dat is het, ja. Het is jammer dat er “kanten” lijken te zijn en dat soort dingen. Ik weet het niet, het is gewoon gek hoe mensen [weg] bij elkaar blijven vanwege politieke overtuigingen of religieuze overtuigingen. En dat is iets dat muziek altijd heeft gedaan, tenminste voor mij, zoals het spelen van shows of luisteren naar muziek — het is een pauze van al dat voor een minuut, dat hoop ik althans. Dat is wat ik hoop te bieden.

Ik las een citaat van je dat het creëren van dit album je “een intern kompas” bood om moeilijke verliezen die je hebt ervaren te navigeren. Kun je daar wat meer over zeggen wat dat voor jou betekent?

Het was vlak voordat Die Midwestern uitkwam. Een van mijn beste vrienden overleed door een overdosis en kort daarna overleed mijn moeder. Ik denk dat deze nummers gewoon waren wat ik deed om door een tijd heen te komen die al moeilijk was, het omgaan met de uitbraak van COVID en al die gekte. Toen die twee grote verliezen erbij komen, was het voor mij moeilijk om op een andere manier door die pijn te navigeren. Het was bijna als de film Groundhog Day. Elke dag werd ik wakker en was het hetzelfde, steeds weer, omdat we niet op tour konden, we konden geen shows spelen, ik kon niet naar New England om vrienden te zien, kon niets doen. Dus, ik denk dat daar veel van de nummers vandaan komen. Het is echt waar ik doorheen kwam in die tijd en hoe ik nog steeds door dingen ga die een belangrijke rol in mijn leven spelen.

Je kon het album opnemen met Matt Ross-Spang in Sam Phillips Recording Studio in Memphis. Hoe was die ervaring?

Het was geweldig. Werken met Matt, ik zie mezelf echt niet snel met een andere producer werken. Hij lijkt gewoon te begrijpen wat ik probeer te doen zonder dat ik veel moet zeggen. Het was leuk. Het had voor mij bijna een meer ontspannen gevoel [dan Die Midwestern]. Het was gewoon een kwestie van met z'n allen uitzoeken terwijl we gingen, want Matt had alleen wat akoestische demo's [van] nummers die ik hem had gestuurd, en de band had ze nog niet gehoord. Het was leuk om de nummers tot leven te zien komen, om die jongens en meisjes in de band die voor het eerst hoorden, te zien. Gewoon ik met de gitaar en toen zien wat we ervan creëerden was een leuke ervaring. En de studio voelt als een tijdcapsule. Ze hebben bijna niets veranderd. De derde verdieping van dat gebouw is nog steeds niet veranderd. Het is nog steeds het kantoor van Sam Phillips. Ze hebben het tapijt niet veranderd. Het is een vreemd gevoel om daar te zijn en te weten dat je staat waar zoveel andere geweldige artiesten zijn geweest. Je wilt Sam Phillips niet met een slecht album verlaten.

Je bent een van wat lijkt een groeiend aantal countryartiesten die inspiratie vindt in genres als punk en metal. Hoe zie jij de intersectie van country met die genres?

Ik heb twee oudere broers. Dus, als kind luisterde ik altijd naar hun platen wanneer ze thuis waren. En dan, wanneer ze thuiskwamen en me uit hun kamers schoten, ging ik naar de kamer van mijn vader en luisterde zijn countryplaten. Ik merkte denk ik vroeg op dat er niet een groot verschil is [tussen de genres], tenminste met de formule voor het schrijven van nummers op een punk manier, wat meestal drie akkoorden is, een beetje couplet, refrein, couplet, refrein. Dat is hoe ik nog steeds nummers schrijf. Bijna geen van mijn nummers heeft een brug of iets dergelijks. En ze zijn gewoon recht voor zijn raap. Ik heb mezelf leren gitaarspelen door naar oude Social Distortion, Back Flag en dat soort dingen te luisteren. Die bands doen hetzelfde [als countrymuziek], gewoon veel sneller en luider. Ik zou de nummers op dit album gemakkelijk kunnen omzetten naar snelle, luide nummers. Ze zijn op dezelfde manier geschreven.

Je fans lijken bijzonder trouw. Wat denk je dat het is aan wat je doet dat op zo'n krachtige manier met mensen verbindt?

Dat is weer iets dat voor mij een mysterie is. Mijn gok zou zijn dat ik gewoon eerlijk en straightforward ben en misschien zing over dingen waar veel mensen misschien niet over durven te praten, zoals verslaving, geestelijke gezondheid en depressie. Ik heb dit met andere mensen besproken, maar ik denk dat ik mogelijk mensen laat zien dat je weet, je bent niet zo gek als je misschien denkt dat je bent. Het is een normaal iets dat niet veel besproken wordt. Sommige van de e-mails en berichten die we ontvangen zijn gewoon heel zwaar. Ik kreeg een bericht van een veteraan uit Afghanistan die me vertelde dat hij daar twee tours had gedaan. Hij zei dat het enige dat iedereen rust en kalmte bracht aan het eind van de nacht, het luisteren naar mijn album was. Ik weet niet of ik een grotere compliment kan krijgen dan dat.

Je was de laatste artiest die John Prine tekende op zijn label, Oh Boy Records, voordat hij in 2020 overleed. Op een bepaalde manier zal je carrière altijd verbonden zijn met zijn erfenis. Wat betekent dat voor jou?

Ik wil er altijd voor zorgen dat ik het Oh Boy-label vertegenwoordig zoals het hoort. Alleen al weten dat ik voor altijd de laatste persoon ben die heb getekend, is iets dat me zwaar op de schouders ligt, op een goede manier. Om ooit op zijn radar te komen is al geweldig voor me. Ik heb vaak gezegd dat als dit morgen eindigt en het allemaal weggaat — en ik hoop echt dat het niet zo is — maar als het dat wel doet, dat het meer een succes is dan iets wat ik ooit had kunnen voorstellen dat ik zou zien of ontvangen van songwriting.