VMP Rising: Arthur Moon

Arthur Moon est le projet de Lora-Faye Åshuvud : une compositrice et étoile montante de la pop électronique, élevée à Park Slope, Brooklyn, qui ne sait pas lire la musique et ne se soucie pas de vos structures. Bien qu'elle se retrouve souvent plongée dans le bruit de tout, elle utilise Arthur Moon comme un vaisseau pour déchiffrer le monde en arrangeant des sons avec une fluidité qui évite facilement la simplification excessive des genres. Arthur Moon est l'endroit où Åshuvud devient déséquilibrée : chaque pièce individuelle menace de devenir de nombreux mouvements à part entière, sautant à travers des signatures rythmiques et des couches mélodiques alors que certaines pensées restent répétées, figées dans leur pouvoir. Il y a de nombreux trucs intégrés dans les efforts d'Arthur Moon pour queer la musique : même si le vocodeur d'Åshuvud brille d'optimisme sur des synthétiseurs entraînants et des batteries éparses, son écriture révèle le complet opposé : une figure à la fois satisfaite de la félicité de la normalité et purement terrifiée par la perspective d'une évasion étroite d'un monde brisé aux dépens de quelqu'un d'autre.

Si quelqu'un est déjà submergé par de telles perspectives, soyez assuré : le créateur d'Arthur lutte à travers tout cela et invite avec impatience chacun à lutter ensemble dans son aire de jeu audible d'incertitude électrique. Aidée par ses quatre camarades de groupe - et au contraire, une certaine solitude désertique - Åshuvud est sur le point de sortir son premier album auto-intitulé : un voyage doucement troublant de 10 pistes à travers l'auto-interrogation d'Arthur Moon sur la manière de se mouvoir et d'exister. C'est toujours époustouflant, souvent hantant, et ne laisse personne partir facilement ; c'est la théorie de la Musique Incorrecte, élevée à une éthique pop suffisamment accessible pour permettre à l'auditeur d'être confronté. Une brillance numérique donne à Arthur Moon une lueur chaude et lointaine, la musique se détachant souvent de la prévisibilité alors qu'elle se détache des attentes. L'auditeur peut souvent se retrouver incertain d'être tenté de danser, de se débattre ou de déverser sa tristesse dans la rue ; la réponse est "Oui, et..."

Comment un tel mindfuck se traduit-il en un enregistrement avec des sommets orchestraux éblouissants et des creux aussi stériles, laissant la voix d'Arthur s'interroger dans un état quasi sans poids ? Åshuvud est aussi curieuse et surprise que moi, et n'hésite pas à céder son ego pour devenir un instrument du processus plutôt qu'un esprit unique qui dicte le processus. Notre conversation téléphonique prouve que sa réflexion rend autant qu'elle n'extrait de ses précieux moments ; bien que j'aie pris le terme "queering music" à sa valeur littérale, elle aussi en a assez que sa sexualité soit emmêlée dans chaque pièce qu'elle sort au point où personne ne discute réellement du travail lui-même. Cela dit, elle est une femme queer blanche de Park Slope avec un partenaire et un chien... elle n'est pas convaincue d'elle-même, et Arthur Moon reste une toile fluide pour qu'elle puisse travailler son auto-scepticisme et armer ses privilèges pour déstabiliser les maux de ce monde. Il y a de fortes chances qu'elle chante un morceau de Thom Yorke en le faisant.

Cette interview a été condensée et éditée pour plus de clarté.

VMP : Dès le départ, comme, dans la première chanson, "Too High", vous parlez de toutes les choses que vous pouvez changer, ou vous vous demandez si vous pouvez les changer : ces questions qui sont rhétoriques, littérales, vous parlez de l'univers, de votre histoire familiale, etc. À un moment, vous dites même : "Ouvre-moi et laisse-moi sortir", et vous parlez de savoir si vous pouvez garder votre cœur fermé. D'après ce que je comprends de cette chanson, à quel point vous sentez-vous submergée par votre existence, si tant est que cela soit le cas ?

Lora-Faye Åshuvud : (rit) Oh mec, tu me vois. (rit) Oui, je me sens définitivement submergée par mon existence, particulièrement dans les structures rigides de notre société, parfois. Et les structures rigides de cette société telles qu'elles se manifestent en étant musicienne et en essayant de comprendre cette industrie, et en étant queer et en essayant de parler de cela. Donc, oui, c'est définitivement accablant, et je pense qu'en écrivant cette chanson, j'essayais d'établir un équilibre entre me laisser submerger et voir tout ça, mais aussi d'une certaine manière d'être en méditation et calme. Je l'ai écrite pendant que j'étais en résidence artistique dans le désert, donc j'étais seule, et je dormais dans un lit simple dans une chambre sans fenêtre et vraiment, juste, j'y allais.

Il y a comme un fil de personnes avec qui j'ai parlé dans le passé qui finissent par écrire des chansons comme ça en résidence, où c'est comme un désert ou un bateau, ou juste quelque part vraiment éloigné dans les Catskills ou quelque chose comme ça. On ressent simplement ce sentiment vraiment intérieur, mais vous tirez quelque chose de beau de cela.

Oui, parfois je pense que s'éloigner de sa vie permet de mieux la représenter, d'une certaine manière.

Pour revenir à votre point précédent, je pense que chaque article de presse que j'ai lu à votre sujet a souligné comment vous queer la musique. Et, le coup d'un-deux de "Homonormo" à "Reverse Conversion Therapy", même lorsque je viens de regarder la liste des morceaux, je me dis : "Qu'est-ce qui est sur le point de se passer ici ?" Et je voulais juste demander, à quoi ressemble votre effort pour queer la musique dans un format d'album aussi long ? Comment vous êtes-vous sentie de le traduire en une plus grande déclaration ?

Ça a été cool : Il y a quelque chose à propos du format long qui permet de créer de l'espace pour plus de texture et de complexité, car vous avez juste plus de temps pour développer certaines des subtilités de ce que vous essayez de dire. J'étais intimidée par la forme, mais aussi vraiment excitée d'avoir ce temps et cet espace. Et je pense que, oui, le (rit) coup d'un-deux de "Homonormo" à "Reverse Conversion Therapy" pousse vraiment à la maison, c'est certain. Je pense que queer la musique - vous savez, ce ne sont pas mes mots - mais, queer la musique n'est pas nécessairement juste être une personne queer qui a la chance de faire de la musique, mais plutôt s'engager dans cet effort pour créer une musique qui est déviante par rapport à une norme. Donc, pas nécessairement suivre quelles que soient les règles ou les structures que nous pensons être les structures appropriées [ou normales], mais plutôt interroger : "OK, comme, pourquoi une chanson doit-elle être couplet, couplet, refrain, couplet, pont, peu importe ? Pourquoi ne peut-elle pas avoir une structure différente ?"

Et en pensant à cela de manière plus large, en termes d'harmonie et de mélodie, il y a beaucoup d'éléments rythmiques en particulier qui je pense correspondent à mon queer de la musique, qui vise simplement à faire sentir aux gens un certain désarroi par rapport à tout ce qu'ils s'attendent à entendre, et à retourner la musique sur sa tête, et donner aux gens le sentiment d'être en dehors de tout ce qu'ils s'attendent à entendre.

D'accord, parce que lorsque je lisais pour la première fois cette idée, je ne savais même pas que vous vous identifiez comme queer ; je l'ai pris au pied de la lettre. Surtout parce que nous sommes hyper conscients de beaucoup de choses, et beaucoup de dialogues se déroulent en même temps, mais il est pratiquement impossible pour un artiste queer d'expirer simplement, et de ne pas avoir quelqu'un qui dise : "C'est le plus queer des souffles que tu as jamais pris", surtout dans l'industrie musicale. Comment avez-vous navigué jusqu'à présent ?

Je pensais justement à ça avant que tu ne m'appelles ; je me disais : "Comment suis-je ?" Évidemment, cet album est intentionnellement queer, non ? C'est un peu comme une histoire de passage à l'âge adulte sur ce personnage d'Arthur Moon, qui est à la fois moi et pas moi, n'est-ce pas ? (rit) Mais je pensais aussi avant que tu n'appelles, comme : "Oh mec, j'espère qu'à la sortie de cet album, les gens pourront trouver une manière d'en parler qui ne soit pas seulement à ce sujet, mais aussi juste sur la musique elle-même." Parce que, je pense que c'est beaucoup plus facile d'écrire sur la politique d'identité que de décrire le son. (rit)

Donc, je pense souvent que les gens choisiront d'écrire sur cette chose qui semble un peu plus confortable. Mais, parfois cela peut être un peu frustrant que les gens se concentrent simplement là-dessus et ne disent pas : "Oh, utilisation intéressante du vocodeur," ou "Wow, il y a quatre signatures temporelles qui se produisent ici en même temps, c'est cool" (rit) Mais en même temps, je pense que je positionne certainement la musique de cette manière, et c'est quelque chose que je veux vraiment aborder en relation avec la musique.

Bien, et en en parlant et en le faisant intentionnellement, comment comptez-vous utiliser [votre blancheur] et votre position dans le monde de manière à jouer un rôle le plus efficacement possible pour éclairer et faire avancer les dialogues ?

Je pense que c'est quelque chose qui s'est un peu frayé un chemin dans le contenu de cette musique. "Homonormo," par exemple, semble comme une sorte de critique de soi d'une certaine manière ; cela représente en quelque sorte beaucoup des peurs que j'ai sur ce qui se passerait si je devenais paresseuse ou ce qui se passerait si le travail était perçu de la mauvaise manière. Ce qui signifie : je suis une personne blanche, je suis dans ce genre de relation normative avec une femme, nous sommes sur le point de nous marier, nous avons un chien, et nous faisons une sorte de chose normative. Et ma peur est qu'en passant de cette manière, je prendrais avantage de ma blancheur et de mon cisgenre perçu pour exclure de nombreuses narrations qui sont réellement les plus importantes pour la communauté queer, et pour notre société en général. Ce qui inclut : parler de l'intersectionnalité, et ce que cela signifie d'être une personne de couleur qui est queer, qui vit des espaces beaucoup plus difficiles que ceux que j'ai eu à traverser à cause de mes privilèges. Donc, je pense que la critique de soi est une chose importante, mais je pense aussi que l'action est plus importante, et cela vient de qui je choisis de collaborer et de la manière dont je parle du travail.

Pour revenir à votre point précédent sur la manière dont vous souhaitez que les gens décrivent le son : je suis très axée sur les paroles, donc beaucoup de paroles se démarquent pour moi, même si elles sont un peu dispersées ou intentionnellement absurdes. J'ai lu à propos de la condition dont vous souffrez, où vous pensez d'une certaine manière et vos mots sortent d'une manière ; parfois c'est comme si l'écriture était plus axée sur l'humeur, même s'il n'y a pas de fil conducteur direct. Mais je peux sentir et empathiser avec ce que vous dites, donc, comment avez-vous pris la décision d'être plus directe ou plus abstraite, en fonction de l'humeur que vous souhaitez communiquer ?

C'est une très bonne question. Vous savez quand Esperanza Spalding a écrit un album entier en [77 heures] l'année dernière ? Elle n'a pas dormi et a juste réalisé cet album entier et l'a diffusé en direct sur Facebook.

Oui, je me souviens de cela.

C'était incroyable, j'en ai regardé beaucoup. Et elle répétait quelque chose qui résonnait vraiment en moi : elle écrivait quelque chose, puis travaillait sur une section, et au lieu de se demander : "Que suis-je en train de dire ?", elle se demandait : "Que dit cela ?" Comme si la chanson parlait d'elle, et qu'elle la transcrivait simplement, vous savez ? C'était presque comme si elle transcrivait le travail de quelqu'un d'autre. C'était si beau. (rit) C'est comme ça que je me sens. Je suppose que je fais évidemment intentionnellement beaucoup de choix, mais quand il s'agit de prendre des décisions sur lorsqu'il faut permettre l'abstraction et lorsqu'il faut être plus didactique, il semble que la musique dit ce qu'elle a besoin de dire et je l'écris, plutôt que d'être plus impliquée dans ces décisions particulières.

Le personnage dans la musique... parfois juste en prêtant attention, on avait l'impression que vous vous traîniez mais que vous m'entrainiez avec vous. Comme, quand je vous ai entendu dire : "Tu ne me trompes pas, tu es seul..." Même dans "I Feel Better", vous parliez de vous sentir comme si vous vous prépariez à vous faire un ennemi. Tous ces moments sombres, tendus ou ces reconnaissances de soi, se produisent sur des morceaux de musique très brillants. Même la musique ne répond pas toujours sombrement, c'est comme un coup lumineux. Comment gérez-vous ce genre de juxtaposition ironique, où vous placez des choses comme ça sur des sons plus heureux, ou à l'inverse ?

"I Feel Better" est un bon exemple de ça : je me souviens l'avoir apporté au groupe la première fois, je l'ai joué pour eux, et tout le monde était un peu silencieux pendant une minute, et j'étais comme : "Clairement, je ne me sens pas mieux." (rit) Et tout le monde a dit : "Ouais." Je pense que cet équilibre est quelque chose qui est toujours un objectif pour moi, donc souvent, quand j'écris un morceau de musique brillant, cela me conduit immédiatement à quelque chose de bizarre. J'entends automatiquement cela comme une sorte de couverture pour quelque chose de beaucoup plus sombre. La musique joyeuse est bien, mais même la musique pop la plus directe et sucrée qui parle de joie et d'amour - à mon avis - est là pour masquer ou faire face à quelque chose de plus sombre. Et pour moi, la chose qui devient intéressante est de reconnaître cela dans l'espace de la chanson, plutôt que d'avoir les gens l'écouter quand ils se sentent abattus, ou quand ils se disputent avec quelqu'un, ou essaient de s'entraîner, ou quoi que ce soit (rit). Je pense que subvertir cela dans la chanson peut parfois être plus intéressant.

Ça me fait penser à la chanson d'introduction, où vous vous interrogez sur la manière dont vous pouvez changer votre performance, ce que vous pouvez faire pour être intentionnellement différent. Donc, entendre que vous décrivez Arthur Moon de cette manière... je ne sais pas, peut-être que je n'ai pas de question.

Non, je veux dire, c'est en fait quelque chose à propos de quoi je pensais beaucoup en écrivant cette chanson, qui est le choix dans la représentation et la performance. D'une certaine manière, je peux choisir de cacher ou de ne pas cacher ; la douleur est probablement là de toute façon, n'est-ce pas, mais ma sexualité, mon identité de genre, et toutes [mes identités] sont des choses dont je peux choisir qui les voit. C'est une expérience très différente de celle d'être une personne de couleur. Bien que peut-être il y ait des relations entre être à la marge de quelque chose ou être opprimé d'une certaine manière, c'est aussi un ensemble de préoccupations extrêmement différent et une expérience extrêmement différente. C'est comme : "Quel est le privilège de pouvoir choisir ?"

Entendre vous parler de tout cela m'a renvoyé la question : Quel pouvoir vous donne le personnage d'Arthur Moon, Lora-Faye ?

Oh mon Dieu, tellement de pouvoir. Je suis sûre que tu vis ça aussi, en tant que personne qui performe - peut-être pas - mais parfois juste être sur scène, et toute l'énergie et l'adrénaline et la peur qui en découle peuvent parfois créer cette permission de juste, comme... (rit) de foirer dans les manières dont vous avez peur de foirer et de l'accepter. D'être incorrect et, comme, de chanter la mauvaise note ou de jouer la mauvaise chose, et juste de prendre plaisir à cela et de continuer à le faire.