Les 10 meilleurs albums doubles à posséder en vinyle

Bob Dylan: Blonde On Blonde

Comme tant de choses dans la musique pop, Bob Dylan est celui qui a amené l'album double dans le mainstream du rock. Il y avait eu quelques albums doubles relativement réussis dans le jazz avant, mais Blonde On Blonde de Dylan a mis le format sous les projecteurs au début de 1966. Dylan, qui n'avait que 25 ans à l'époque, s'est enfermé dans un studio de Nashville, où il a travaillé avec une multitude de musiciens de session. Blonde On Blonde est devenu un symbole de la confiance créative de l'un des plus grands auteurs-compositeurs de tous les temps, Dylan composant généralement ses paroles sur le champ. À ce jour, l'album double sonne éclatant et marque l'un des moments les plus passionnants de la vaste carrière de Dylan.

Jimi Hendrix: Electric Ladyland

Il n’a pas fallu longtemps pour que d’autres géants du rock reconnaissent l’album double comme une occasion d'explorer et d'expérimenter. Dans le cas de Jimi Hendrix, le sujet de sa fascination était, bien sûr, la guitare électrique. Tout comme Dylan l'avait fait à Nashville, Hendrix, alors âgé de 26 ans, considérait le studio comme un autre instrument. Le processus d'enregistrement de Electric Ladyland s'est déroulé dans le célèbre studio new-yorkais du même nom, où Hendrix lui-même a produit cette bête de blues à deux têtes. Electric Ladyland, qui dure 75 minutes, présente deux versions de "Voodoo Chile," dont l'une sert de finale à l'album et est précédée par "All Along The Watchtower" et "House Burning Down."

The Beatles: The Beatles

C'est peut-être l'album double le plus connu au monde, et cela est bien justifié. En 1968, The Beatles ont époustouflé le monde en résumant tous les aspects de leur personnalité musicale dans un seul projet. La sortie qui en a résulté, souvent appelée The White Album, a une portée plus grande que l’ensemble des discographies d'autres groupes. Après que beaucoup de matériel ait été écrit lors de cours de méditation en Inde, des disputes parmi les membres du groupe ont éclaté lors de l'enregistrement de l'album à Londres, la présence omniprésente de la nouvelle partenaire de John Lennon, Yoko Ono, s'avérant problématique. Il semble donc tout à fait approprié que The Beatles soit sans doute le disque le plus divisé de la discographie des Fab Four, avec ses paroles postmodernes évoquant des controverses et inspirant prétendument Charles Manson.

Miles Davis: Bitches Brew

Le vinyle, et les albums doubles en particulier, permettent à la musique de respirer. Et il y a vraiment beaucoup de respiration ici, sur Bitches Brew de Miles Davis. Hyperventilant, pour être plus précis. En 1970, le maître trompettiste a causé son propre big bang, combinant des éléments jusqu'à aboutir à une réécriture radicale du règlement du jazz, faisant ses adieux au bebop et embrassant la musique africaine. Deux guitares basses et trois pianos électriques ont permis à Davis de disposer d'une nouvelle palette pour colorer ses compositions. L'un de ces bassistes était Harvey Brooks, qui avait auparavant joué avec Bob Dylan et semblait symboliser l'adoption par Davis des progressions d'accords associées au rock, faisant de Bitches Brew l'un des premiers albums à transcender les genres et à en créer de nouveaux selon ses propres termes.

The Who: Quadrophenia

Il y a deux sortes d'albums doubles, en gros : des albums doubles qui donnent aux artistes l'espace qu'ils veulent et des albums doubles qui leur donnent l'espace dont ils ont besoin. L'opéra rock des Who, Quadrophenia, appartient sûrement à cette dernière catégorie. Après le succès commercial de Who’s Next, une déception personnelle pour Pete Townshend, les Who ont navigué dans des eaux quelque peu familières avec Quadrophenia en 1973. Le groupe britannique avait déjà été acclamé pour son précédent opéra rock bizarre mais brillant, Tommy. Aussi radical que cette sortie ait semblé, Quadrophenia était relativement raffiné, un album non entravé par le succès d'un single comme "Pinball Wizard" et un projet avec simplement trop d'histoire à raconter pour un seul album. Townshend et ses acolytes racontent l'histoire de Jimmy, l'un de leurs premiers fans, sur fond de mouvement mod des années soixante auquel ces maîtres appartenaient eux-mêmes. Bien que les Who s'inspirent ici de leurs propres racines, l'histoire d'un garçon solitaire à la recherche de l'amour en ville s'est révélée intemporelle tout comme une grande partie de la musique de Quadrophenia.

Led Zeppelin: Physical Graffiti

Les albums doubles peuvent permettre aux artistes d'explorer des territoires auparavant inconnus, mais ils leur permettent également de perfectionner des éléments qu'ils ont déjà exercés. En 1972, Robert Plant et Jimmy Page se sont rendus en Inde ensemble et ont été inspirés par des musiciens de studio locaux. Les enregistrements qu'ils ont réalisés ont constitué la base de l'album le plus extrême et éclectique que le groupe, normalement relativement économique, ait jamais sorti. Il y a plus d'aventure dans le morceau libre "In My Time Of Dying" que dans n'importe quel autre de 11 minutes, et écouter "Kashmir" et "In the Light" prouve une bonne fois pour toutes que Led Zeppelin étaient le groupe le plus lourd de la planète.

Stevie Wonder: Songs in the Key of Life

Il y a beaucoup de Songs in the Key of Life, il s'avère : cet album double de 1976 par Stevie Wonder dure près de deux heures et chaque minute est aussi joyeuse que la précédente. Ici, Wonder laisse place à une qualité entièrement différente de l'album double. Le format n'est pas seulement destiné à des cornucopias conceptuelles sérieuses : il est également destiné à s'amuser et à donner libre cours à son multi-instrumentalisme et à sa musicalité, comme le fait Wonder dans de grands succès tels que "Sir Duke", "I Wish" et "Isn’t She Lovely". Songs in the Key of Life était le dix-huitième album de Stevie, mais l'une des figures les plus populaires de la R&B et de la pop ici sonne aussi enthousiaste que jamais, comme un enfant dans un magasin de bonbons. Cette image colorée que cet album évoque est seulement enrichie par le fait que Wonder ne disposait pas seulement de claviers synthétiseurs et de saxophones, mais aussi d'un groupe étoile soul, comprenant Herbie Hancock, George Benson et Minnie Ripperton.

Pink Floyd: The Wall

Le groupe qui avait dominé la décennie a sorti son dernier chef-d'œuvre dans les dernières semaines des années 70. Il est normal que The Wall de Pink Floyd ait utilisé l'occasion pour réfléchir simultanément sur le malaise de Roger Waters avec le statut de superstar du groupe. The Wall a alors été presque entièrement conçu par Waters, qui a également puisé son inspiration dans la mort de son père pendant la Seconde Guerre mondiale, ce que l'album commence avec. À bien des égards, The Wall fait ses adieux à Pink Floyd, le protagoniste du projet étant modelé sur Waters et le premier chanteur du groupe, Syd Barrett, et gérant l'isolement que Waters s'impose parfois de la société. Des chansons comme "Comfortably Numb" et "Another Brick in the Wall Part II" sont autant de singles à succès que le son de Pink Floyd qui se désagrège. Cela en fait l'un des albums les plus fascinants de la carrière du groupe : ils allaient sortir trois autres albums, mais jamais avec la formation classique et n'ont jamais réussi à réaliser un autre disque qui pourrait même se tenir dans l'ombre de The Wall.

The Clash: London Calling

The Clash a crié à lui seul la conscience sociale de retour dans la musique pop avec leur mélange menaçant de ska, reggae, R&B, punk et power pop. Sur London Calling, Joe Strummer et Mick Jones plaident de manière convaincante pour la possession du label Last Angry Band, qui leur est souvent attribué. L'album, qui a suivi le premier album éponyme des Clash et Give ‘Em Enough Rope, est en fait devenu un album double en raison du rythme énergique auquel les deux écrivaient leurs chansons. Cela a permis aux Britanniques de créer un album brutal sur l'individualisme et l'isolement, tout aussi tranchant dans ses opinions que dans son ton.

Prince: 1999

Prince est peut-être le seul musicien à avoir sorti un album double sans vouloir le faire. En 1982, le Purple One improvisait beaucoup dans son studio à domicile du Minnesota, enregistrant des chansons dès que l'inspiration lui venait. Parmi son travail se trouvaient des morceaux dansants, de belles balades et des rockeurs bruyants, qui ont bientôt constitué plus de matériel qu'un seul album pouvait contenir. "Je ne voulais pas faire un album double, mais j'ai continué à écrire et je ne suis pas du genre à éditer", a déclaré Prince au Los Angeles Times plus tard cette année-là, lorsque 1999 fut publié. L'album est devenu le point de percée de l'artiste, présentant peut-être les morceaux les plus funky qu'il ait jamais sortis. Lorsque le Blade Runner original est sorti à l'été 1982, Prince a commencé à incorporer les styles et thèmes futuristes du film dans la musique. Il a indéniablement réussi : des morceaux comme l'album d'ouverture "1999," "Lady Cab Driver" et "Little Red Corvette" sonnent encore comme s'ils pouvaient être publiés demain.