VMP Aufstieg: Arthur Moon

Arthur Moon ist das Projekt von Lora-Faye Åshuvud: eine Komponistin und aufstrebende elektronische Popstar, die in Park Slope, Brooklyn, aufgewachsen ist, keine Noten lesen kann und sich nicht um Ihre Strukturen kümmert. Während sie sich oft im Geräusch von allem verliert, nutzt sie Arthur Moon als Gefäß, um die Welt durch die Anordnung von Klängen auf eine Weise aufzudröseln, die der Vereinfachung von Genres leicht entgeht. Arthur Moon ist der Ort, an dem Åshuvud die Zügel loslässt: Jedes einzelne Stück droht, viele eigene Bewegungen zu werden, springt über Zeitverschiebungen und melodische Schichten, während einige Gedanken in ihrer Kraft verankert bleiben. Es gibt viele Tricks, die in Arthur Moons Bemühungen, Musik zu queeren, eingebettet sind: Selbst wenn Åshuvuds Vocoder über optimistische Synthesizer und spärliche Schlagzeugrhythmen gleicht, enthüllt ihr Schreiben das genaue Gegenteil: Eine Figur, die gleichzeitig mit der Glückseligkeit der Normalität zufrieden ist und rein entsetzt über die Aussicht auf eine knappe Flucht aus einer zerbrochenen Welt auf Kosten eines anderen ist.

Wenn man von solchen Aussichten bereits überwältigt ist, sei versichert: Arthurs Schöpferin kämpft durch all das oben Genannte und lädt Sie herzlich ein, sich in ihrem hörbaren Spielplatz der elektrischen Ungewissheit gemeinsam zu mühen. Unterstützt von ihren vier Bandmitgliedern – und im Gegenteil, einer Wüsteneinsamkeit – steht Åshuvud kurz davor, ihr selbstbetiteltes Debüt zu veröffentlichen: eine sanft beunruhigende 10-Track-Reise durch Arthur Moons Selbstbefragung, wie man sich bewegt und existiert. Es ist durchgehend atemberaubend, oft unheimlich und lässt niemanden leicht gehen; es ist die Theorie der falschen Musik, zu einer Pop-Ethik erhoben, die leicht zugänglich ist und es dem Zuhörer ermöglicht, herausgefordert zu werden. Eine digitale Schimmerigkeit verleiht Arthur Moon einen warmen, fernen Glanz, die Musik entwirrt sich oft von Vorhersehbarkeit, als sie sich von Erwartungen löst. Der Zuhörer mag oft unsicher sein, ob er tanzen, randalieren oder seine Traurigkeit auf die Straße spill soll; die Antwort ist „Ja, und...“

Wie übersetzt sich ein solcher Mindfuck in ein Album mit schillernden orchestralen Höhen und solch kahlen Tiefen, in dem Arthurs Stimme in einem nahezu schwerelosen Zustand nachdenken kann? Åshuvud ist genauso neugierig und überrascht wie ich und hat keine Scham, ihr Ego aufzugeben, um ein Werkzeug des Prozesses zu werden, anstatt ein alleiniges Hirn zu sein, das den Prozess diktiert. Unser Telefongespräch beweist, dass ihre Nachdenklichkeit ebenso viel zurückgibt, wie sie ihren kostbaren Momenten entnimmt; obwohl ich den Begriff „Musik queeren“ wörtlich genommen habe, wird sie auch müde davon, dass ihre Sexualität in jedes Stück, das sie veröffentlicht, verstrickt wird, bis niemand mehr über die Arbeit selbst spricht. Das gesagt, sie ist eine weiße queere Frau aus Park Slope mit einem Partner und einem Hund… sie ist von sich selbst nicht überzeugt, und Arthur Moon bleibt eine fließende Leinwand, auf der sie ihre Selbstzweifel erarbeitet und ihre Privilegien zur Destabilisierung der Übel dieser Welt einsetzt. Es besteht eine gute Chance, dass sie dabei ein Lied von Thom Yorke singt.

Dieses Interview wurde gekürzt und zur Klarheit bearbeitet.

VMP: Gleich von Anfang an, beim ersten Lied „Too High“, sprechen Sie über all die Dinge, die Sie ändern können, oder fragen sich, ob Sie sie ändern können: diese Fragen, die rhetorisch, wörtlich sind, Sie sprechen vom Universum, Ihrer Familiengeschichte usw. An einer Stelle sagen Sie sogar „Schneiden Sie mich auf und lassen Sie mich raus“, und Sie sprechen davon, ob Sie Ihr Herz geschlossen halten können. Wie überwältigt fühlen Sie sich, aus diesem Lied zu schließen, vom Existieren, wenn überhaupt?

Lora-Faye Åshuvud: (lacht) Oh Mann, Sie sehen mich. (lacht) Ja, ich fühle mich definitiv vom Existieren überwältigt, besonders in den starren Strukturen unserer Gesellschaft, manchmal. Und den starren Strukturen dieser Gesellschaft, wie sie sich als Musikerin manifestieren und diese Branche verstehen, und als queere Person herauszufinden, wie man darüber spricht. Also ja, es ist definitiv überwältigend, und ich denke, als ich dieses Lied geschrieben habe, habe ich versucht, ein Gleichgewicht zu finden, zwischen dem, mich überwältigen zu lassen und all diese Dinge zu sehen, aber auch irgendwie zu meditieren und ruhig zu sein. Ich habe es geschrieben, als ich in einem Künstlerresidenzprogramm in der Wüste war, also war ich allein und schlief in einem Einzelbett in einem fensterlosen Raum und habe wirklich alles gegeben.

Es gibt einen Faden von Leuten, mit denen ich in der Vergangenheit gesprochen habe, die solche Lieder in Residenzen schreiben, wo es sich um eine Wüste oder ein Schiff oder nur um einen wirklich abgelegenen Ort in den Catskills handelt. Man bekommt dieses wirklich abgeschottete Gefühl, aber man zieht etwas Schönes daraus.

Ja, manchmal denke ich, es ist das Wegkommen von Ihrem Leben, das es Ihnen ermöglicht, es mehr darzustellen, auf irgendeine Weise.

In Bezug auf Ihren früheren Punkt glaube ich, dass jedes Presseartikel, das ich über Sie gelesen habe, betont, wie Sie Musik queeren. Und der Doppelschlag von „Homonormo“ zu „Reverse Conversion Therapy“, wenn ich mir nur die Titelliste ansah, dachte ich: „Was zur Hölle wird hier passieren?“ Und ich wollte nur fragen, wie sieht Ihr Versuch, Musik zu queeren, in einem Albumformat wie diesem aus? Wie fühlte es sich an, es in eine größere Aussage zu übersetzen?

Es fühlte sich cool an: Es gibt etwas an dem Album, das Platz für mehr Textur und mehr Komplexität erlaubt, weil man einfach mehr Zeit hat, einige der Feinheiten dessen, was man zu sagen versucht, auszuarbeiten. Ich war von der Form eingeschüchtert, aber auch wirklich aufgeregt, diese Zeit und diesen Raum zu haben. Und ich denke, ja, der (lachende) Doppelschlag von „Homonormo“ zu „Reverse Conversion Therapy“ bringt es wirklich nach Hause, auf jeden Fall. Ich denke, queere Musik – das sind übrigens nicht meine Worte – aber, queere Musik ist nicht unbedingt nur eine queere Person, die zufällig Musik macht, sondern eher dieses Bemühen, Musik zu machen, die von einer Norm abweicht. Also, nicht unbedingt den Regeln oder Strukturen zu folgen, die wir als die richtigen [oder normalen] Strukturen empfinden, sondern eher zu hinterfragen: „OK, warum muss ein Lied Vers, Vers, Refrain, Vers, Bridge, was auch immer sein? Warum kann es nicht eine andere Struktur haben?“

Und darüber breiter nachzudenken, in Bezug auf Harmonie und Melodie, gibt es viele rhythmische Elemente, die ich besonders empfinde, die zu meinem Queeren der Musik sprechen, was einfach darin besteht, Menschen in dem, was sie zu hören erwarten, desorientiert zu machen und die Musik auf den Kopf zu stellen und Menschen das Gefühl zu geben, außerhalb von dem zu sein, was sie erwarten zu hören.

Richtig, denn als ich das zum ersten Mal las, wusste ich nicht einmal, dass Sie sich als queer identifiziert haben; ich habe es wörtlich genommen. Besonders, da wir uns vieler Dinge hyperbewusst sind und viele Dialoge gleichzeitig stattfinden, ist es praktisch unmöglich, dass ein queerer Künstler einfach ausatmet und nicht jemand sagt: „Das ist der queereste Atemzug, den Sie je gemacht haben“, besonders in der Musikindustrie. Wie haben Sie das bisher navigiert?

Ich habe gerade darüber nachgedacht, bevor Sie mich angerufen haben; ich dachte: „Wie bin ich?“ Offensichtlich ist dieses Album absichtlich queer, richtig? Es ist eine Art Coming-of-Age-Geschichte über diese Arthur-Moon-Figur, die sowohl ich bin als auch nicht ich, richtig? (lacht) Aber ich habe auch vor Ihrem Anruf gedacht, so wie: „Oh Mann, ich hoffe, dass, wenn dieses Album herauskommt, die Leute einen Weg finden können, darüber zu schreiben, der nicht nur darüber spricht, sondern auch über die eigentliche Musik.“ Denn ich denke, es ist viel einfacher, über Identitätspolitik zu schreiben, als Klang zu beschreiben. (lacht)

Also denke ich, dass die Leute oft darüber schreiben, was sich ein bisschen komfortabler anfühlt. Aber manchmal kann es ein bisschen frustrierend sein, dass die Leute nur darauf fokussieren und nicht sagen: „Oh, interessante Nutzung des Vocoders“, oder „Wow, hier passieren vier Zeitsignaturen gleichzeitig, das ist cool“ (lacht) Aber gleichzeitig denke ich, dass ich die Musik auf diese Weise positioniere, und es ist auch etwas, das ich sehr gerne in Bezug auf die Musik besprechen möchte.

Wort, und im Sprechen darüber und absichtlich das Tun, wie beabsichtigen Sie [Ihre Weiße] und Ihre Position in der Welt zu nutzen, um die effektivste Rolle zu spielen, Licht zu werfen und Dialoge voranzubringen?

Ich denke, das ist etwas, das sich ein wenig in den Inhalt dieser Musik eingearbeitet hat. „Homonormo“, zum Beispiel, fühlt sich wie eine Art Selbstkritik an; es repräsentiert irgendwie viele meiner Ängste davor, was passieren würde, wenn ich faul würde, oder was passieren würde, wenn die Arbeit falsch wahrgenommen würde. Das heißt: Ich bin eine weiße Person, ich bin in dieser Art normativer Beziehung mit einer Frau, wir stehen kurz vor der Ehe, wir haben einen Hund, und wir machen eine Art normative Sache. Und meine Angst besteht darin, dass ich, indem ich in dieser Weise passiere, meine Weiße und mein wahrgenommenes Cis-Geschlecht ausnutzen würde, um viele der Erzählungen auszuschließen, die wirklich am wichtigsten für die queere Gemeinschaft und für unsere Gesellschaft im Allgemeinen sind. Dazu gehört: über Intersektionalität zu sprechen und was es bedeutet, eine Person of Color zu sein, die queer ist und durch viel schwierigere Räume leben muss als ich, wegen meiner Privilegien. Also denke ich, dass Selbstkritik wichtig ist, aber ich denke auch, dass Handlungen wichtiger sind, und das kommt mit der Frage, mit wem ich zusammenarbeite und wie ich über die Arbeit spreche.

Zu Ihrem früheren Punkt zurück: Ich bin eine sehr textorientierte Person, also springen mir viele Texte ins Auge, selbst wenn sie verstreut oder absichtlich unsinnig sind. Ich habe über den Zustand gelesen, unter dem Sie leiden, bei dem Sie auf eine bestimmte Weise denken und Ihre Worte auf eine Weise herauskommen; manchmal scheint das Schreiben eher auf Stimmung fokussiert zu sein, selbst wenn es keine direkte Linie gibt. Aber ich kann und empathisiere, was Sie sagen, also, wie haben Sie die Entscheidung getroffen, direkter oder abstrakter zu sein, je nachdem, welche Stimmung Sie kommunizieren möchten?

Das ist eine wirklich gute Frage. Wissen Sie, als Esperanza Spalding letztes Jahr ein ganzes Album in [77 Stunden] schrieb? Sie hat nicht geschlafen und das ganze Album gemacht und es live auf Facebook gestreamt.

Ja, ich erinnere mich daran.

Es war erstaunlich, ich habe viel davon gesehen. Und sie hat immer wieder diese Sache gesagt, die wirklich bei mir Anklang fand: Sie schrieb etwas und arbeitete dann einen Abschnitt davon aus, und anstatt zu sagen, „Was habe ich gesagt?“, sagte sie „Was hat es gesagt?“ Als ob das Lied mit ihr sprach, und sie schrieb es nur auf, wissen Sie? Es war fast so, als würde sie die Arbeit einer anderen Person transkribieren. Es war so schön. (lacht) So fühlt es sich für mich an. Natürlich treffe ich offensichtlich viele Entscheidungen absichtlich, aber wenn es darum geht, Entscheidungen zu treffen, wann man Abstraktion zulässt und wann man didaktischer ist, fühlt es sich an, als würde die Musik sagen, was sie zu sagen hat, und ich schreibe es auf, anstatt mehr in diese speziellen Entscheidungen involviert zu sein.

Der Charakter in der Musik… manchmal beim Zuhören fühlte es sich an, als würden Sie sich selbst und mich mit sich schleppen. Als ich zum Beispiel hörte, wie Sie sagten, „Du täuscht mich nicht, du bist einsam...“ Selbst bei „I Feel Better“ sprachen Sie davon, das Gefühl zu haben, als würden Sie sich darauf vorbereiten, sich selbst zum Feind zu machen. All diese dunkleren, angespannten Momente oder Selbstbewusstseinsmomente passieren auf sehr hellen Musikstücken. Selbst die Musik reagiert nicht immer nur düster, sondern gibt einen hellen Schub. Wie gehen Sie mit dieser Art von ironischer Gegenüberstellung um, bei der Sie solche Dinge auf fröhlichere Klänge setzen oder umgekehrt?

„I Feel Better“ ist ein gutes Beispiel dafür: Ich erinnere mich, ich brachte es zum ersten Mal zur Band, spielte es ihnen vor, und alle waren für eine Minute still, und ich sagte: „Offensichtlich fühle ich mich nicht besser.“ (lacht) Und alle sagten: „Ja.“ Ich denke, dieses Gleichgewicht ist etwas, das immer ein Ziel für mich ist, also oft, wenn ich eine Art helles Musikstück schreibe, bringt es mich sofort zu einer Art gruseliger Zirkusatmosphäre. Ich höre es automatisch als eine Art Deckung für etwas viel Dunkleres. Fröhliche Musik ist cool, aber selbst die direkteste, zuckersüße Popmusik, die nur von Freude und Liebe handelt – meiner Meinung nach – ist da, um etwas Dunkleres zu maskieren oder zu bewältigen. Und für mich wird das Interessante das, diese Anerkennung innerhalb des Liedes zu haben, anstatt dass die Leute es auflegen, wenn sie sich niedergeschlagen fühlen, oder mit jemandem streiten, oder versuchen, Sport zu treiben, oder was auch immer (lacht). Ich denke, es innerhalb des Liedes zu untergraben, kann manchmal interessanter sein.

Es erinnert mich an das Intro-Lied, in dem Sie sich fragen, wie Sie Ihre Performance verändern können, was Sie absichtlich anders machen können. Also, Sie so verblüffen zu hören, beschreibt Arthur Moon in dieser Weise... Ich weiß nicht, vielleicht habe ich keine Frage.

Nein, ich meine, das ist eigentlich etwas, worüber ich viel nachgedacht habe, als ich dieses Lied schrieb, nämlich die Wahl in der Repräsentation und Aufführung. In gewisser Weise kann ich mich entscheiden, mich zu verstecken oder nicht zu verstecken; der Schmerz ist wahrscheinlich sowieso da, richtig, aber meine Sexualität, Geschlechtsidentität und all [meine Identitäten] sind Dinge, bei denen ich entscheiden kann, wer sie sieht. Das ist eine ganz andere Erfahrung, als eine farbige Person zu sein. Während es vielleicht Beziehungen gibt zwischen am Rand von etwas zu sein oder auf bestimmte Weise unterdrückt zu werden, ist es auch ein extrem anderes Set von Bedenken und eine extrem andere Erfahrung. Es ist wie, „Was ist das Privileg, wählen zu können?“

Sie darüber sprechen zu hören, gab mir die Frage zurück: Welche Handlungsfreiheit gibt Ihnen der Charakter Arthur Moon, Lora-Faye?

Oh mein Gott, so viel Handlungsfreiheit. Ich bin sicher, dass Sie das auch erleben, als eine Person, die auftritt – vielleicht nicht – aber manchmal, einfach auf der Bühne zu sein und all die Energie und Adrenalin und Angst davor können manchmal diese Erlaubnis schaffen, einfach wie… (lacht) sich auf die Weise zu vermasseln, die man befürchtet und es zu besitzen. Falsch zu sein und falsch zu liegen und, wie, den falschen Ton zu singen oder das falsche Spiel zu spielen, und einfach Freude daran zu haben und es trotzdem zu tun.