Schwere Entscheidungen und schwere Liebe: Ein Gespräch mit Timothy Showalter von Strand Of Oaks

Für diejenigen, die mit dem Backkatalog von Strand of Oaks vertraut sind, könnte Showalters Begeisterung überraschend kommen. Jahrelang veröffentlichte er düstere, akustiklastige Platten wie Dark Shores und Pope Killdragon, die sich wie düstere Tagebuchgeständnisse anfühlten. Selbst als er 2014 bei HEAL auf elektrische Gitarren umstieg, Verzerrung annahm und klangliche Sprünge wagte, nutzte er die Musik als Ventil, um seine persönlichen Tragödien zu erkunden: Eheprobleme, ein Hausbrand, der ihn obdachlos machte, ein beinahe tödlicher Autounfall und das Gefühl, so niedergeschlagen zu sein, dass er das Haus nicht verlassen wollte. Doch allein beim Anblick des Covers seiner neuesten Platte, Hard Love, ist sofort eine Veränderung erkennbar. HEAL zeigte ihn tränenüberströmt und zerbrechlich in sanften Grüntönen. Hard Love zeigt ihn schmunzelnd, mit Fliegerbrille und umgeben von einem fluoreszierenden pinken Rand. Was ist passiert?

„Ich war es irgendwann ziemlich leid, der herzzerreißende Barttyp zu sein“, sagt Showalter. „Es war wie ‚Wir haben viele solcher Platten gemacht, ich muss mich ein wenig ändern.‘“

Showalter hat immer noch den Bart und es gibt immer noch viel Herzschmerz auf der neuen Platte, einschließlich vielleicht seiner bislang zerbrechlichsten Ballade mit dem Lied „Cry“. Was sich verändert hat, ist seine Herangehensweise an das Leben und folglich seine Herangehensweise an die Musik. Showalter beschreibt HEAL als eine Geschichte, die er erzählen musste, was bedeutete, dass die Musik lediglich als Stützkonstruktion fungierte, um seine sorgfältig ausgearbeiteten Texte zu tragen. Hard Love hingegen wurde aus dem Impuls heraus konzipiert.

„Wenn HEAL mir das Selbstvertrauen gab, dann ist Hard Love der Moment, in dem ich mich wohl genug fühlte, um die Platte zu machen, die ich wollte“, erklärt er weiter. „Damals, als HEAL entstand, war da dieser hungrige, psychologisch ausgehungerte Mensch. Ich weiß nicht, ob ich jetzt besser angepasst bin. Ich fühlte mich einfach viel wohler, noch mehr Risiken einzugehen und mich mit Hard Love ins Unbekannte zu stürzen, was großartig ist, weil man manchmal die besten Sachen findet, wenn man keine Absichten hat.“

Das und Top-Foto: Maclay Hariot

Er hat die Texte vielleicht nicht so akribisch geplant wie bei HEAL, aber es ließ sich nicht vermeiden, seine Lebenserfahrungen in die Platte einfließen zu lassen. Als Showalter begann, an der Platte zu schreiben, kam er gerade von einer Welttournee zurück. Er traf neue Leute, feierte in verschiedenen Ländern und genoss die Aufregung der Zuschauer, für die er spielte. Seine Stimme wird leidenschaftlich, wenn er sich daran erinnert, wie er sich an den Exzessen der Festivals erfreute, mit seinen Bandkollegen über das Gelände stolzierte und mit der richtigen Mischung aus „chemischen Substanzen“ auftrat. Es ist schwer vorstellbar, dass derselbe Typ, der das erschütternde HEAL schrieb, dieses Maß an Freude und Liebe zum Leben ausstrahlen könnte. Es ist ein bisschen ironisch, dass eine Platte, die seine tiefsten Wunden öffnete, zu einigen der freudigsten Zeiten seines Lebens führte. HEAL verband sich mit den Zuhörern wegen seiner brutalen Ehrlichkeit. Selbst wenn die genauen Erlebnisse, die er beschrieb, einzigartig für ihn waren, hatten die dahinter liegenden Gefühle eine universelle Anziehungskraft. Paart man das mit der Tatsache, dass er trotz seiner Verluste immer weiter schritt, war das geradezu inspirierend – besonders für diejenigen, die das Glück hatten, ihn bei einem seiner überschwänglichen Live-Auftritte zu sehen.

Während die Gelegenheit, die Welt zu bereisen und seine Musik mit einem größeren Publikum zu teilen, aufregend war, gibt Showalter zu, dass er normalerweise dazu neigt, sich schuldig zu fühlen, weil er sich so gut fühlt und großartige Erfahrungen macht. Dieses Mal versuchte er, sich absichtlich von diesem Denken fernzuhalten und sich all diese Dinge ohne Scham zu fühlen zu lassen. Als er nach Hause zurückkehrte, versuchte er dann, all diese Energie in seine Songs zu stecken.

„Das ist, glaube ich, der Hauptcharakter in der Platte; was es für mich bedeutete, das Leben vollständig zu erleben und die Höhen und Tiefen dessen zu verstehen, was passiert, wenn man ein ziemlich aufregendes Leben führt und es dann damit in Einklang bringt, einen Partner zu Hause und eine Frau zu haben, die man liebt, aber immer noch versucht herauszufinden, wie diese Beziehung funktioniert“, sagt er. „Manchmal ging es wirklich schief und dann wurde es wieder richtig stark. Es war dieses Verstehen des Gleichgewichts“

Diese Idee fließt in die Namensgebung von Hard Love und den formlosen Titeltrack selbst ein. Showalter erinnert sich an einige tiefgründige Ratschläge, die er einmal erhielt: „Sie haben nur zwei Entscheidungen, wenn es ums Leben geht: Werde ich diese Entscheidung aus Angst oder aus Liebe treffen?“ Er sagt, es sei etwas, worüber er oft nachdenkt.

„Es ist eine schwere Entscheidung – daher ‚hard love‘“, sagt er. „Aber es lohnt sich. Es sind kleine Dinge, wie, ich liebe es, Gitarrensoli zu spielen, aber ich bin nicht Jason Isbell, wenn es darum geht, Gitarre zu spielen. Ich bin kein Virtuose in irgendeinem Maß, aber ich liebe es trotzdem, Gitarre zu spielen und ich könnte falsche Noten treffen und nicht wissen, welche Akkordnamen das sind, aber es ist ein Teil davon. Vom Gitarrespielen bis hin zu einer Beziehung. Ich möchte der bestmögliche Partner, Freund und Sohn sein, aber ich mache ständig Fehler. Wie wir alle. Es ist einfach dieses allgemeine Prinzip des Lebens.“

„Und es geht wahrscheinlich auch um Sex“, fügt er mit einem Lachen hinzu.

Als er begann, Songs für die Platte zu schreiben, priorisierte Showalter das physische Gefühl, das er von der Musik bekam, statt sich ein Narrativ auszudenken. Er sagt, dass die meisten Lieder damit anfingen, dass er einfach mit der Gitarre spielte, ohne an die Texte zu denken. Es war ihm wichtiger, Musik zu machen, zu der er tanzen, lächeln oder allgemein Emotionen empfinden konnte, als einen innerlich fokussierten emotionalen Prozess zu durchlaufen.

Um den Klang zu erfassen, den er wollte, ging Showalter nach New York, reservierte Studiozeit in einem der schicksten Studios, in denen er jemals gearbeitet hatte, und holte sich die Hilfe des Produzenten Nicolas Vernhes (Steve Gunn, Run The Jewels).

In einem so luxuriösen Studio zu arbeiten, machte Showalter Sorgen, dass er sich zusammenreißen und eine Platte machen müsste, die „nach Lehrbuch“ ist. Das Gegenteil stellte sich als wahr heraus, dank Vernhes’ eigener Impulsivität. Showalter beschreibt Vernhes’ Rolle eher als die eines Vermittlers und „Täuschers, im positiven Sinne.“ Vernhes suchte immer nach einer Möglichkeit, den losen Geist des Studios einzufangen. Einmal, als die Band sich aufwärmte und Lieder durchspielte und noch das Equipment richtig platzierte, nahm Vernhes heimlich die ganze Zeit auf. So entstand das Lied „Everything“ in der Form, in der es auf der Platte erscheint, mit der Rhythmusgitarre und den Trommeln, die mit einem einzigen Schlagzeugmikrofon aufgenommen wurden. Es wurden keine Amps mikrofoniert. Diese Art von chaotischem, rebellischem Stil führte zu dem Klang, den Showalter gesucht hatte.

Diese Spontaneität im Studio erstreckte sich auch auf einige der tristesten Stücke des Albums. Das oben erwähnte „Cry“ enthält Showalters Stimme, die nur von Klavier und niedrigen, ambienten Klängen begleitet wird. Als er das Lied jedoch zum ersten Mal ins Studio brachte, sagte er, es klang eher wie ein Mojave 3 Song – eine dicht hallgeladene Ballade. Er musste gegen seine eigenen maximalistischen Tendenzen ankämpfen, um dem Lied die reduzierte Behandlung zu geben, die es verdiente. Statt im Aufnahmeraum hinter der Glaswand zu spielen, entschied Showalter sich, das Stück im Mischraum zu spielen, umgeben von seinen Freunden und Bandkollegen in greifbarer Nähe und mit ausgeschaltetem Licht. Die Tonlage des Liedes ist zu hoch für Showalters Stimme und seine Stimme gerät manchmal aus der Stimmung, aber er wollte, dass es so ist. Die Art, wie seine Stimme sich um die sanften Klavierakkorde schlängelt und schwebt, fügt der Intimität hinzu. Am Ende des Stückes wird der Zauber durch eine Klangcollage von sich stimmenden Gitarren und Studiogesprächen, einschließlich eines Telefongesprächs mit seiner Frau Sue (ohne ihr Wissen zu der Zeit), gebrochen. Es ist ein totaler Zerfall von der Kargheit des Stückes, aber einer, der sich natürlich anfühlt, während er vor dem Zuhörer auseinanderbricht.

Showalter war immer unverschämt ein Fan. Ein echter Fanatiker, der Stunden damit verbringen wird, durch Plattentüten zu stöbern. Als er jünger war, kaufte er Secretly Canadian Platten per Post, ohne überhaupt zu wissen, wer die Bands waren. Er kann sich sogar noch genau daran erinnern, wie er als Kind ein Lied in einem GAP-Werbespot hörte, die Hotline des Einzelhändlers anrief und von Operator zu Operator weitergeleitet wurde, bis er schließlich jemanden erreichte, der ihm sagen konnte, dass das Lied „All Mixed Up“ von den Red House Painters war.

„Mein Hobby ist das Sammeln von Platten, wenn ich keine Musik mache“, sagt er. „Das ist meine erste Anlaufstelle, um Emotionen zu entschlüsseln, das ist eine Art Therapie und all die anderen schönen Dinge, die Musik macht. Deshalb ist es für mich ganz natürlich, über Musik in meiner eigenen Musik zu sprechen, denke ich.“

In unserem einzigen Gespräch nennt er Songs: Ohia, die Replacements, Nirvana, Arcade Fire, Bruce Springsteen, Radiohead, die Rolling Stones und so weiter und so fort. Mit Showalter zu sprechen, ist wie sich mit einem Freund auf ein Bier zu treffen und die Vorzüge zu diskutieren, ob Ritual De Lo Habitual das beste Jane’s Addiction Album ist oder nicht (Showalter sagt ja, nur für alle Fälle). Diese vertraute Begeisterung ist ein Vorteil und fühlt sich nie weniger als aufrichtig an.

Maclay Hariot

All diese Themen – Impuls, Transparenz und Nostalgie – gipfeln im letzten Track des Albums: einem achtminütigen Psych-Opus mit dem Titel „Taking Acid And Talking To My Brother.“

„Ich lebte ein ziemlich wildes Leben auf Tour. Songs schreiben und alles machen“, sagt er. „Und dann bekam ich plötzlich einen Anruf von meiner Mutter und sie sagte: ‚Du musst sofort nach Hause kommen.‘“

Sein jüngerer Bruder Jon hatte einen Herzstillstand erlitten und lag im künstlichen Koma. Showalter versammelte sich mit seiner Familie im Krankenhaus. Während sein 27-jähriger Bruder im Krankenhausbett lag, saß Showalter an seiner Seite und spielte ihm Pink Floyds „Comfortably Numb“ und einige ihrer anderen Lieblingslieder vor. Zum Glück konnte Jon durchkommen und wachte wieder auf.

„Ich werde wahrscheinlich nie in der Lage sein, vollständig darüber zu sprechen“, sagt Showalter. „Das Seltsamste war, dass es mir nicht passiert ist und mein kleiner Bruder sich an nichts davon erinnert. Es war so eine seltsame Erfahrung, dass er derjenige war, der diese schreckliche Situation durchmachen musste, aber es war mehr ein Gemeinschaftszusammenschluss meiner Familie. Jeder einfach um ihn herum ohne wirklich zu wissen, was zu tun ist. Und dann war er plötzlich wieder wach und wir hatten ihn zurück.“

„Taking Acid And Talking To My Brother“ handelt nicht vom Acidnehmen, aber es ist zumindest teilweise inspiriert von der Nahtoderfahrung seines Bruders. Showalter sagt, er nannte es „Taking Acid“, weil es das Gefühl am besten beschreibt, „wenn das Leben so schwer wird, dass es psychedelisch wird“, besonders wenn man keinen Reim oder Grund dafür finden kann, warum Dinge so passieren, wie sie es tun. Er scherzt, dass er wahrscheinlich immer noch Fragen von seiner Mutter zu Drogen beantworten muss (hoffentlich fragt sie auch nicht, was „rollen“ ist).

Es ist eine abstrakte Idee für ein abstraktes Lied. Wie bei den meisten Songs auf der Platte versucht er immer noch zu verstehen, was das alles bedeutet, aber sagt, er ist sich ziemlich sicher, dass der erste Teil von einer Rave handelt mit Texten wie „Light in the field/We all move in time“. Doch er nennt Jon namentlich und singt: „Jon, du bist aus Licht gemacht/Jon, du bist real/Wake up and see it all/Everything/And live it all again.“ Jeder Gitarrenklang und jeder donnernde Bass erzeugt einen dichten Schleier über dem Track. Showalters Stimme hallt aus der Ferne wider. Sie zittert, sie kriecht und schließlich bricht sie aus.

„Es ist das beste Lied, das ich je geschrieben habe, einfach weil es dem am nächsten kommt, was ich eigentlich erreichen wollte, musikalisch“, sagt er. „Die Art, wie es sich aufbaut, die Art, wie die Band spielt, die Art, wie ich am Ende schreie; all das ist so ungefiltert, dass ich denke, das ist mein stolzester Moment bisher.“

Diese Bereitschaft, einem Impuls zu folgen, insbesondere einem, der nicht sein eigener war, war das, was Showalter von Anfang an suchte. Als die Verzerrung in Stille übergeht, ist es eine Bestätigung der Arbeit, die Showalter schaffen wollte. Hard Love entspringt harter Liebe. Liebe, die sogar die Absichten ihres Schöpfers übersteigt.