Schaum wiederholt sich niemals

Auf ihrem zweiten Album Bleak hat Froth die Absichtlichkeit ihrer Bemühungen gesteigert, ohne dabei an Energie einzubüßen; die Songs waren etwas druckvoller, ein wenig weniger schlaff, aber dennoch geschmeidig und sonnig. Besonders bemerkenswert ist, dass sie zunehmend ambitioniert erschienen, nach außen drängend, wo sie zuvor im Rekurs zu sein schienen. Das dritte Album Outside (briefly) traf zu dieser Zeit am besten die Balance der Band zwischen Umherirren und Wiederauferstehung, indem es digitale Klänge weiter in ihr Klangbild integrierte und ihre Songs um tiefere Gravitationen orientierte, die das versprachen, was sich immer weiter ausdehnte: die Selbstverwirklichung. Aber jetzt hat Froth Duress veröffentlicht, ihr viertes Studioalbum und das zweite für Wichita Recordings, und hat wirklich den größten Ausdruck ihres Sounds erreicht: eine üppige Serie von unerwarteten Wendungen, die zunehmend mehr mit Radiohead gemeinsam hat als mit früheren Vorbildern wie Beach Fossils oder The Drums.

Wie jedes Album von Froth besteht Duress aus seitlich schwingenden Rhythmen, die mit exhibitorischen Taschen gepatcht sind. Die Band legt tranceartige Rhythmen nieder, die wie Donner aus langsam morphenden Schmutz-Wolken herausbrechen, das Reiben von Gradienten verleiht einen tektonischen Druck, der wie ein Kontakt-Hoch wirkt und wie eine Massage bleibt. Dieser Ziehen und Drücken von Schönem und Mächtigem war schon immer Teil der Kompositionen von Froth, aber diesmal ist der kontrastierende Gegensatz am beeindruckendsten. Eine Reihe von Songs wirbelt Staub auf, nur um ihn dann wie Schneeflocken wieder zu Boden fallen zu lassen, und vieles von dem, was die Bandmitglieder auf dem Album erreichen, hat ähnlich magische Eigenschaften. Duress markiert das erste Mal, dass sie Harmonizer, Sampler und Sequencer auf einem Album verwendet haben, und die neuen Werkzeuge erschließen Möglichkeiten, die zuvor in ihren umherirrenden Melodien ruhend waren. Froth-Alben waren schon immer weitreichend, aber erst jetzt sind sie episch.

Das Album wird von der Leadsingle „Laurel“ angeführt, einem gewundenen Stahlseilgebilde, benannt nach dem stark umstrittenen viralen Klangerlebnis des letzten Jahres. Anstatt eine amüsante Nostalgie zu sein, betrachtet Joo-Joo den Song als exemplares Beispiel für die schleifenden Mechanismen der Musikindustrie: „Ich schrieb diesen Song genau, als das Laurel/Yanny-Ding herauskam, und das ist genau, wie lange es dauert, einen Song für eine Band herauszubringen.“ Als ich erwähne, dass es jetzt eine gute Rückblende darstellt, kontert Joo-Joo: „Ja, aber das soll nicht so sein, es soll avantgardistisch sein!“

Die proverbiale Enttäuschung der „Industrie“ ist ein wiederkehrendes Thema in einem kürzlichen Gespräch mit Joo-Joo und Jeremy. Die beiden beschreiben einen Kulturschock, der von ihren Ursprüngen in kreativen Zufällen kommt und dann das Navigieren im System mit ehrlichen Ambitionen. „Das letzte Album, das wir gemacht haben, war das erste, das wir mit einem echten Label mit Budget gemacht haben“, erklärte Joo-Joo. „Wir hatten alle die Erwartung, dass nun alles super anders sein würde, dass der ganze Prozess, eine Band zu sein, anders sein würde. Wir sind so herangegangen, und ich denke, wir haben uns ein bisschen selbst ausgebrannt.“

Die unerwartete Stagnation des oft danklosen Tourens hätte fast zur Auflösung von Froth geführt. „Ich möchte das nicht einmal sagen, aber wir haben uns nach dem letzten Album ein bisschen aufgelöst“, verriet Joo-Joo. „Also denke ich, dass wir alle nicht dazu neigten, Musik zu hören, die unserer Band nutzen würde. Die Einflüsse des Albums waren ein Produkt davon, einfach nicht wirklich darüber nachzudenken, was für eine Art von Musik wir als Nächstes machen würden. Ich habe einfach irgendwelche Songs geschrieben.“

Die Nachhaltigkeit von Froth kam aus der Neuausrichtung ihres Zwecks, um mit ihrer neu befreiten Kunst zu harmonieren. „Ich glaube nicht, dass sich irgendjemand von uns wie ‚Oh, wir sind Karriere Musiker‘ fühlt“, sagte Joo-Joo. „Wir haben jetzt alle andere Möglichkeiten, Geld zu verdienen, also sind wir nicht mehr so besorgt, dass wir bei jeder Tour über die Runden kommen müssen. Wir sind mehr zurückgekehrt, um es fast als Hobby zu tun, einfach Typen, die Spaß haben, Musik zu spielen.“ Der Geist der Aufführung als Spiel wurde durch den unerwarteten Auslöser von Duress, eine Zusammenarbeit mit dem visuellen Künstler des Albums, Austin Redman, betont.

„Ich habe vor zwei Jahren ein Projekt mit ihm gemacht, bei dem er ein Albumcover mit Songtiteln gemacht hat und ein Live-Set designt hat, und er hat mich dazu gebracht, Songs zu schreiben und sie live dafür aufzuführen“, sagte Joo-Joo. Wie sie zu Beginn, brachte die Möglichkeit, eine bestehende Leere zu füllen, Froth wieder in ihren natürlichsten Zustand zurück: „Für uns ist es viel einfacher, neue Ideen zu finden oder den kreativen Prozess von Grund auf zu ändern, weil die Monotonie ein wenig abnimmt.“ So entstand der erste Song, der für das Album geschrieben wurde, und der Ansatzwechsel regte die Inspiration für das an, was der Rest von Duress werden würde, einschließlich der neuen Stufe der praktischen Beteiligung, die die Mitglieder bei den nicht-musikalischen Materialien wie dem Cover-Art und dem Merch-Design hatten. „Wo es beim letzten Mal eher darum ging, dass wir Songs machen müssen, die gut genug klingen, um auf einer großen Bühne gespielt zu werden, sind unsere Prioritäten an einem anderen, entspannteren Ort“, sagte Joo-Joo.

Und doch fühlen sich einige der Songs auf Duress an wie die größten der Band bis heute. „Xvanos“ beginnt mit Jet-ähnlichen Rasseln, fügt davon mit Strichen strahlender Becken hinzu und entwickelt sich dann von einem geflüsterten Flirt zu einem In Rainbows-infizierten Wasserfall, ähnlich texturiert und temperiert. Während jeder Song von einem gut ausgelegten Grundriss aufbaut, markieren die Outros hier spezifisch einige der besten Arbeiten von Froth. „Department Head“ hat sich bereits mit seinen Kreissäge-Übereinanderlagerungen und dem Microcastle Kriechen als Highlight etabliert, bevor dann im vierten Viertel eine Luftangriffs-Sirene herausgezogen und zum Knock-out gespielt wird. Der Abschluss „Syndrome“ beginnt als herbstlicher Regen aus hallenden Trommeln und Strumming und endet wie ein nachklingender Regenbogen, der sich in eine Lichtshow aus anhaltendem Traum aufspaltet. Es ist fast verblüffend beeindruckend und verfliegt dann wie Nebel auf Glas.

Kompositorisch sind die Songs noch weniger strukturiert als auf früheren Froth-Veröffentlichungen. Es ist der Fall, dass die scheinbaren Einschränkungen des Ensembles zu einer ihrer einzigartigsten Stärken geworden sind. Wie Joo-Joo es ausdrückt: „Einige andere Bands sind besser darin, verschiedene Teile zu schreiben [Vers, Refrain, Bridge usw.], wir sind besser darin, einfach andere Geräusche zu erfinden, das ist einfacher.“ Er fuhr fort: „Ich habe viel elektronische Musik gehört, und das rechtfertigt es, keine Veränderungen vorzunehmen und einfach unterschiedliche Dynamiken zu verschieben.“

Aber wo elektronische Musik oft um mathematisch saubere Loops geformt wird, basieren Froth-Songs auf Fragmenten instrumenteller Trümmer, den Arten musikalischer Ideen, die andere Bands als Schmierpapier ablegen würden. Der Effekt ist verblüffend beunruhigend, wie bei den fünf Minuten von „A2“, das sich anhört wie das Sitzen im Auge eines Sturms von einem landenden Hubschrauber, der sich windige Arpeggios von Gitarre und wirbelnde Atmosphären zu einem glückseligen Wüten hinzuzufügen. „77“ murmelt eine Medley von Klangstücken über eine Leiter von Bass, die auf einem Thom Yorke Solo-Album zu Hause wäre und das Eigenartige für liminale Pop spielt. Die Idiosynkrasie scheint so zufällig wie widerspenstig zu sein, aber es ist tatsächlich ein inhärentes Ergebnis ihres Prozesses.

„Es wurde nicht ganz ein Album geschrieben, als wir es aufgenommen haben. Manchmal hörten wir einfach etwas im Studio und dachten: ‚Oh, lass es uns einfach jetzt versuchen, einen Song daraus zu machen‘“, sagte Joo-Joo. „Es gab also wirklich fünf Songs für das Album und wir haben sie einfach gedehnt.“ Ihre Geduld, die ihre Songwriting-Ressourcen weiter auszuschöpfen, zahlte sich aus und führte zu einer Platte, die man genauso wegen ihrer bedeutenden Umwege wie wegen der starken zentralen Melodien genauso gut behalten könnte.

Die Froth-Songs scheinen ewig fortzugehen, als ob jede nächste Wendung einen endlosen Weg noch wert hätte, und die Band sieht den Abschluss nicht als eine Angelegenheit des Erreichens einer definierten Schlussfolgerung, sondern einfach als einen Stopp. „Wir beenden Songs nicht wirklich, bis wir im Studio sind“, sagte Joo-Joo. „Es gibt einfach einen Punkt, an dem man denkt: ‚Oh, da ist wirklich nichts mehr, was da sein muss. Das klingt gut genug.‘“

Er hielt inne und bestätigte dann: „Es ist ziemlich genau so, dass sie enden, schätze ich. Sie enden von selbst. Sobald es nichts Seltsames mehr zu reparieren gibt.“ Was ich aus dem Gespräch mit den Köpfen hinter einem der interessantesten und unkonventionellsten Alben von 2019 herausgezogen habe, war, dass es vergeblich ist, einen roten Faden in Froths Formel zu suchen. „Es gibt keine Methode, um Songs zu schreiben für mich“, schlug Joo-Joo vor. „Ehrlich gesagt, wenn ich Ihnen eine produktivere Weise sagen könnte, würden wir nicht zwei Jahre und sechs Monate für jedes Album brauchen.“

Als ich nach dem nächsten frage?

„Es ist einfach so schwer, an das nächste Album zu denken“, sagte Joo-Joo. „Ich glaube wirklich nicht, dass das nächste Album für uns funktioniert, bis wir den gesamten Albumzyklus von zuvor verarbeitet haben.“ Jeremy fügte dann hinzu: „Aber ich kann garantieren, dass es wahrscheinlich anders sein wird, denn so ist es einfach für uns.“ Lassen Sie uns hoffen, dass Froth nie eine Routine für die kommenden Jahre festlegen, denn nur wenige Bands klingen so gut, wenn sie sich niemals wiederholen.