Musik in Filmen und der Raum, den sie helfen darzustellen

Es gibt eine esoterische Emotion, wenn Sie auf einer leeren Autobahn mit offenen Fenstern fahren, während der Geruch der Dämmerung in Ihr Auto schleicht und die Sonne neben Ihnen untergeht, oder wenn Sie an einem Sommertag auf einem grünen Rasen sitzen, Ihre Umgebung beobachten und dabei einem Lied lauschen, das die Stimmung glücklich erscheinen lässt. Es gibt Filme, die es schaffen, diese meditativen Momente auf die Leinwand zu bringen und sie greifbar zu machen. Sie nutzen oft lange Einstellungen und Dimensionen, die es uns ermöglichen, die Farben, Komposition, Beleuchtung und Klänge zu genießen. Wenn diese Filme Soundtracks oder Musikuntermalungen haben, die mit dem gezeigten Raum innerhalb der Komposition übereinstimmen, werden alle fünf Sinne geweckt, indem wir uns nur auf zwei konzentrieren, und genau dann vergessen wir, dass wir in einem dunklen Raum voller Fremder sitzen und beginnen, ihre Welten zu erkunden.

Spatialismus, eine von dem Künstler Lucio Fontana gegründete Kunstbewegung, wollte Farbe, Klang, Raum, Bewegung und Zeit zu einer neuen Kunstform synthetisieren. Fontana sagte: "Ich möchte kein Gemälde schaffen; ich möchte Raum eröffnen, eine neue Dimension schaffen, das Universum einbeziehen, während es endlos über die grenzende Fläche des Bildes hinaus expandiert." Einige Künstler können nur versuchen, all dies außerhalb des Kinos zu synthetisieren. Doch es gibt kein besseres Gefühl, als in einen guten Film vollständig eingetaucht zu sein.

Die folgenden Filme nutzen den Raum, indem sie Musik und Bild harmonisieren, um uns tiefer in ihre Erzählung zu ziehen. In Robert Irwins Buch A Conditional Art sagt er: "Jeden Tag erlebe ich eine Reihe von Dingen, die jede Kunst, die ich kenne, übertreffen. Sie sind an kein bestimmtes Wesen gebunden und dauern manchmal – in der Tat, am häufigsten – nur einen Moment. Ihre Fortdauer liegt darin, dass ich bald ein anderes erleben werde. Jedes dieser wahrnehmbaren Phänomene besteht nicht aus einer Sache, sondern aus komplizierten Überlappungen, einem interaktiven Ganzen – manchmal die konvergenten Teile vieler separater Ganzheiten." Diese Filme verwenden einen musikalischen Soundtrack, um uns an kurzlebige, schöne Momente zu erinnern.

Paris, Texas

"Der Reiz, Musik und Bilder zu kombinieren, hat mich wirklich dazu gedrängt, den Erzählprozess weiterzuführen," sagte Regisseur Wim Wenders. Wenders perfektionierte diese Kombination in seinem Film von 1984, Paris, Texas. Der Film beginnt mit der Weite von Beigetönen und blauen Himmel in den Wüsten von Texas, während der Protagonist Travis allein mit einer roten Baseballmütze und einem Gallonen Wasser umherwandert. Begleitet wird das weit offene Land von „Paris, Texas“ von Ry Cooder, einem minimalistischen Blues-Slide-Gitarrenlied. Jede Note ist verteilt, vibriert durch den Raum dazwischen und resoniert durch die Landschaft, die wir sehen, und spiegelt Travis' Einsamkeit wider. Sowohl Cooder als auch Wenders machen klar, dass wir hier nicht sind, um der Realität unseres Alltags und unserer Emotionen zu entkommen, sondern um einzutauchen.

In den ersten 26 Minuten des Films bleibt Travis stumm; die herzzerreißende Gitarrenmusik, die mit dem Gesicht von Harry Dean Stanton kombiniert wird, erzählt uns eine eigene Geschichte. Während des Films gibt es eine Fülle von Stille. Die Blues-Gitarre tritt langsam ein, wenn die Stimmung stimmt, unbemerkt, während sie uns tiefer hineinzieht, um Travis' Emotionen zu erleben, während er verloren ist und nach etwas sucht, von dem er sich nicht ganz sicher ist, dass er es sucht. Die Bilder sind erfüllt von Blau- und Rottönen in leeren westlichen Landschaften, die das Gefühl von Verlust und Frustration der Musik widerspiegeln.

Woman In The Dunes

Ein weiterer Film, der Sie in Frustration hüllt, ist der existenzialistische Film des japanischen Regisseurs Hiroshi Teshigahara über den Sisyphos-Mythos, Woman in the Dunes, vertont von dem japanischen Komponisten Toru Takemitsu. Niki, ein Entomologe, findet sich mit einer Frau in einem riesigen Loch in den Sanddünen Japans gefangen, nachdem ihn einige Dorfbewohner, die ihn mit einer Seilleiter herunterführten, einen Schlafplatz für die Nacht anboten. Die Frau füttert ihn und beginnt dann, Sand auszugraben, nachdem sie eine freundliche Unterhaltung geführt haben. Sie gräbt, füllt Sandsäcke und schickt sie bis zum Morgengrauen zu den Dorfbewohnern nach oben.

Am nächsten Morgen wacht er auf und stellt fest, dass die Leiter plötzlich verschwunden ist und ein schrilles Akkord erklingt. Versuche, den Sand zu erklimmen, führen dazu, dass immer mehr herunterfällt. Die Musik lässt den Raum, in dem sich der Charakter befindet, viel enger erscheinen und lastet das Gewicht der Flucht auf dem Zuschauer.

Die meisten zwei einhalb Stunden des Films sind still; die Musik spielt vielleicht nur insgesamt 20 Minuten. Jedes Mal, wenn der Sand unvorhersehbar herabströmt mit schönen Nahaufnahmen der geschichteten Sandoberfläche, spielt die Musik und die verzerrten Klänge von Drohnen, Streichern, Flöten und Harfen schichten sich und ergänzen das Bild, wodurch eine Spannung aufgebaut wird.

Call Me By Your Name

Raum repräsentiert in all den Filmen von Luca Guadagnino so viel mehr als nur einen Standort – das ist besonders offensichtlich in “Call Me By Your Name”: der Raum zwischen den Charakteren, der Raum, in dem sie sich befinden, der Raum, den sie brauchen, und der Raum, den wir als Zuschauer bekommen. Der Film versetzt uns in eine norditalienische Landschaft, wo wir die geheime Romanze zwischen Oliver und Elio beobachten. Wir können nicht sprechen. Wir können nicht urteilen. Wir können nur sitzen und das Gefühl schätzen, uns in einen anderen zu verlieben.

„Ich denke, Raum ist ein Charakter in meinem Film. Egal, ob es Italien oder ein anderer Ort ist. Ich sorge dafür, dass Sie als Publikum die Reise eines Charakters in seiner Physis und nicht nur in seiner emotionalen Reise erleben können. Wie können Sie jemanden verstehen, wenn Sie die Figur nicht im Kontext der Landschaft setzen können?“ hat Guadagnino gesagt. Die Musik von Sufjan Stevens ist ebenfalls ein hinzugefügter Charakter im Film. Sie bringt das Gewicht der Emotionen, die Elio während seines Sommers erlebt hat, auf das Publikum in der letzten Szene des Films, in der Elio vor dem Kamin weint. Timothée Chalamet hörte Stevens' „Visions of Gideon“ durch einen Ohrhörer, während die Szene gefilmt wurde.

Die melancholische Musik ist ein großer Teil der Darstellung des Raumes, den wir zwischen Oliver und Elio durch die Komposition der Kamera sehen. „Später“, sagt Oliver, während er davonreitet und Elio allein lässt, nachdem er ihm eine Tour durch Crema gegeben hat. In diesem Moment hören wir zum ersten Mal Andre Laplantes "Une Barque Sur L’océan aus Miroirs"; von nun an spielt es jedes Mal, wenn sie getrennt sind, während wir uns danach sehnen, Oliver und Elio zusammen zu sehen. Die fließenden Noten füllen die Distanz und erzeugen ein subtiles Verlangen nach Oliver im Publikum.

Die Musik in “Call Me By Your Name” verstärkt das Gefühl, einen reifen Pfirsich zu pflücken und hinein zu beißen, den Wind in den Blättern eines Baumes zu sehen, in einen kalten Fluss mitten in der Nacht zu springen, während man sich verliebt. Wenn das Leben aufregend erscheint und die Zeit irrelevant ist.

Es gibt noch so viele weitere Filme, über die wir sprechen könnten, die Komponisten wie Brian Eno, Ryuichi Sakamoto und Angelo Badalamenti feature, die Musikuntermalungen geschaffen haben, die beweisen, dass Kino die Macht hat, zwei Sinne zu kombinieren und alle fünf zu aktivieren. Wie Sakamoto gesagt hat: "Warum möchte ich viel langsamer spielen als zuvor? Weil ich die Resonanz hören wollte. Ich möchte weniger Noten und mehr Räume. Räume, nicht Stille. Raum ist resonant, klingt noch nach. Ich möchte diese Resonanz genießen, sie wachsen hören, dann kann der nächste Klang und die nächste Note oder Harmonie kommen. Genau das möchte ich."