Die liebenswerte Albernheit und Aufrichtigkeit von Goon Sax

Louis Forster sah sich den japanischen Horrorfilm von 1977 Haus an, als ihm eine Idee kam. Inspiriert von den Hauptcharakteren des Films, die nach ihren primären Persönlichkeitsmerkmalen benannt sind — eine Frau, die ständig ihr Make-up nachjustiert und als Gorgeous bezeichnet wird, eine andere, die Musik liebt und Melody genannt wird — machte Forster dasselbe mit seinen Bandkollegen James Harrison und Riley Jones, die zusammen mit ihm als The Goon Sax auftreten. Forster nannte Harrison Lazy, Jones Busy und sich selbst Bendy.

„Ich denke, James ist der entspannteste Typ“, sagt Forster. „James ist nicht entspannt, er ist James Horizontal Harrison.“

„Ich schätze, ich bin ein bisschen faul“, erwidert Harrison, seine Stimme eine akustische Manifestation des Schulterzuckens. „Aber ich denke, es gibt auch andere Leute in der Band, die ebenso alberne Dinge tun.“

Seit ihrem Debüt 2016, Up To Anything, hat sich das Indie-Pop-Post-Punk-Trio aus Brisbane viele Bezeichnungen erarbeitet — „so clever wie sie traurig sind“, „selbstironisch, aber niemals trübselig“, „liebevoll einfach“ — obwohl „albern“ niemals die Führung übernahm. The Goon Sax, die 2013 als Duo von Harrison und Forster, dem Sohn von Robert Forster von den Go-Betweens (Jones kam 2014 nach nur wenigen Monaten Schlagzeugunterricht) gegründet wurden, haben ein Talent dafür, kleine Momente als noch kleiner zu rahmen. Up To Anything, das veröffentlicht wurde, als die Bandmitglieder 16 und 17 Jahre alt waren, beschreibt lässig die Intimitäten des Teenagerlebens, durchzogen von einer depressiven Sehnsucht — „Ich möchte, dass die Leute an mich denken“, singt Forster im Titeltrack des Albums.

Obwohl sie nur ein paar Jahre älter sind, erkunden The Goon Sax in ihrem zweiten Album We’re Not Talking, das jetzt erhältlich ist, neues Terrain: Angst. Die LP neigt sich manchmal zu einer hektischen, romantischen, sehnsüchtigen, juckenden Stimmung. In „Love Lost“, einem von Harrison geführten Song, der Streicher und Kastagnetten(features) enthält, klagt er: „Ich habe Probleme, mit denen ich nicht weiß, wie ich umgehen soll / und ich habe Themen, mit denen ich nicht gesehen werden möchte.“ An anderer Stelle murmelt Jones: „Ich werde die Traurigkeit vermissen / das ist das Einzige, was ich jemals gekannt habe“ in „Strange Light“, einer Ode an Brisbane und die dort gemachten Fehler.

In We’re Not Talking trugen alle drei Mitglieder von The Goon Sax zur vokalen und instrumentalen Komposition bei, eine Abweichung von Harrisons und Forsters primärem Songwriting in Up To Anything. Live wechseln sie die Instrumente, wobei Jones gelegentlich das Gitarrenspiel übernimmt und Forster am Schlagzeug Platz nimmt, jedes Mitglied ein Zahnrad in einer stetig mahlenden Maschine, die ständig auf den Aufprall vorbereitet ist.

„Wir erwarten jederzeit das Schlimmste“, macht Forster einen Scherz.

„Vielleicht stürzt das Flugzeug noch nicht ab“, antwortet Jones, „aber es gibt dieses Gefühl, dass es abstürzen könnte.“

VMP: Wie hat sich die Dynamik beim Songwriting in We’re Not Talking verändert?

Louis Forster: Ich denke nicht, dass es eine bewusste Entscheidung war, dass wir die Dinge anders angehen wollten. Es ist einfach so passiert, dass Riley beim Singen entspannter wurde. Auf der ersten Platte habe ich mehr Songs geschrieben als James, und dieses Mal schreibt James viele Songs sehr schnell. Wir alle haben mehr Einfluss auf die Songs des anderen.

Wie funktioniert der Kritikprozess, wenn Sie die Arbeiten des anderen bearbeiten?

Riley Jones: Wir haben uns nicht wirklich kritisiert. Ich glaube nicht, dass ich jemals das Bedürfnis hatte. Wir waren ein bisschen so, „Ja, cool. Wir haben einen weiteren Song. Stark“, was Glück bedeutet.

LF: Ich glaube nicht, dass es jemals „Ich mag dieses Lied, aber ändere diese Lyrics und nimm das hier raus, und dann wird es gut“ war. So etwas passiert, denke ich, nie. Es ging darum, mehr Einfluss auf die Struktur der Songs des anderen zu haben oder während wir probten, sodass die Dinge beim Spielen eines Songs nicht sofort festgelegt waren und sich sehr viel änderten. Einige [der Songs] haben wir zwei Jahre lang gespielt, bevor wir sie aufgenommen haben. In dieser Zeit waren sie wahrscheinlich ziemlich unkenntlich im Vergleich zu ihrem ursprünglichen Zustand.

Es ist immer lustig, die Entwicklung bestimmter Songs nachzuvollziehen: Ich hatte dieses Gefühl einmal, jetzt ist es ein völlig anderes lebendes Ding.

RJ: Es ist seltsam, wie es so schnell zu einem eigenständigen Ding wird.

LF: Sobald du es aufnimmst, hast du das Gefühl, es wird in einem permanenten Zustand gehalten, was ich hasse. Manchmal denke ich, dass Musik nicht aufgenommen werden sollte, weil sie danach weiter verändert wird. Alle Songs verändern sich weiterhin für mich, weil wir sie anders spielen, schneller oder langsamer oder mit anderen, die singen. Etwas aufzunehmen gibt ihm fast einen falschen permanenten Zustand.

RJ: Aber es ist nur eine Platte. Nur eine Aufzeichnung dessen, wie es geklungen hat.

Aber jemand könnte Spotify aufrufen, und das ist der einzige Kontext, den sie für die Songs haben, im Gegensatz zu jemandem, der euch oft live spielen sieht.

LF: Ich denke, wenn du es anders spielst als es aufgenommen ist, scheint es, als hättest du es verändert.

NPR erwähnte etwas Scharfsinniges, als sie schrieben, dass vielen Songs die Aufrichtigkeit in Bezug auf die Liebe fehlt. Denken Sie, dass Sie diese Aufrichtigkeit haben? Was braucht es, um wirklich aufrichtig in der Musik zu sein?

LF: Ich denke, es ist aufrichtig. Es ist lustig, jetzt auf die Songs zurückzublicken, die wir aufgenommen und vor einiger Zeit geschrieben haben. Ich bin mir ganz sicher, dass alles, was wir gesagt haben, aufrichtig und wahr ist. Das ist definitiv etwas, was ich nicht [finden] kann.

Was sind die Momente, die Sie inspirieren, zu schreiben?

LF: Ich habe oft das Gefühl, dass ich nicht unbedingt über Dinge schreibe, während sie passieren. Ich schreibe immer über Dinge, die vor einiger Zeit passiert sind. Es sind einfach Ereignisse und Gefühle, die in Lyrics bearbeitet werden. Beobachtungen über Dinge. Es gab dieses Lied, das ich schrieb, um zu versuchen, mich daran zu erinnern, wo ich aufgewachsen bin, bevor ich weggezogen bin, weil ich das speziell erinnern wollte. Es war fast eine Gedächtnisnotiz.

Welches Lied war das?

LF: Einige Teile von „Strange Light.“ Riley schrieb auch viele dieser Texte. Ursprünglich hatte es eine ganze Menge anderer Texte, aber das war der ursprüngliche Zweck dieser Songs.

Wie sehr spielen Zeit und Ort in die Weise hinein, wie Sie Texte schreiben?

James Harrison: Vielleicht spielt Zeit und Ort eine große Rolle dabei, weil, wenn ich schreibe, etwas passiert ist und ich nach Hause gehe und vielleicht ein bisschen trinke. Ich mag viele Brisbane-Bands und einige von ihnen lassen meine Musik wie andere Brisbane-Bands klingen.

LF: Ich denke, diese Platte ist sehr zeit- und ortsbezogen für mich. Brisbane in 2015, 2016, Anfang 2017. Ich denke sehr in Bezug auf Jahre.

Was geschah in Ihrem Leben in Brisbane im Jahr 2015?

LF: Ich war in der 11. Klasse, Riley und James wären in der 12. gewesen. Es war eine ziemlich emotional verwirrte Zeit. Für mich ging es darum, zum ersten Mal verliebt zu sein und von dem überwältigt zu sein.

JH: Ich war in der 12. Klasse und es war verwirrend und ein bisschen schockierend.

LF: Für mich geht es in dieser Platte viel um Angst. Die letzte Platte, die erste, ich erinnere mich, dass ich dachte, sie klang sehr depressiv und diese klingt mehr angespannt als depressiv.

Sie durchlaufen alle Emotionen.

JH: Ich denke, dass Angst ein großer Teil davon ist.

LF: Man muss sich auf eine bestimmte Sache konzentrieren. Im Moment schreibe ich hauptsächlich über Angst und [wenn] Sie diese Themen oder Motivationen ändern, welche Gefühle verwandeln sich in Schreiben? Sie fühlen immer noch all die anderen Dinge, aber welcher Punkt Ihres Denkens geht in einen Song?

Selbst die Art, wie das Album klang, ist ein bisschen fröhlicher. Es übersetzt sich in einen angstvollen Sound.

RJ: Es ist schnelllebig und ich dachte gerade über Rhythmen nach und versuche, die Rhythmen in diesem etwas interessanter zu machen. Ich hoffe, dass unser nächstes Album nicht wie Angst klingen wird.

Was hoffen Sie, dass es klingt?

RJ: Nur etwas mehr kosmisch.

JH: Kosmisch zu sein wäre viel besser.

RJ: Wer weiß, ob es möglich ist, etwas nicht als Produkt von Negativität oder Angst zu schaffen. Es könnte unmöglich sein. Vielleicht ist es möglich, aber wir werden es nicht mögen.

Denn es gibt diese Vorstellung, dass aus Schmerz große Kunst entsteht.

RJ: Es könnte von früheren Blues-Musikern kommen, die die schmerzhaftesten, herzzerreißendsten, schönsten Musik schreiben. Vielleicht müssen wir schmerzhafter werden oder so etwas. Vielleicht reicht es nicht aus.

JH: Ich denke, es reicht nicht aus.

LF: Ich denke, Songs können auch daraus entstehen, sich wirklich gut zu fühlen. Viele gute Musik entsteht aus einem großartigen Gefühl. Vielleicht ist es mehr eine Idee, die aus Schmerz kommt, weil viele Menschen, wenn sie sich wirklich gut fühlen, so sehr darin gefangen sind, dass sie nicht darüber schreiben wollen.

Bringt Sie das Schreiben den Dingen, über die Sie schreiben, näher?

LF: Bis zu einem gewissen Grad. Manchmal tut es das überhaupt nicht. Es macht es fast verwirrender und frustrierender, weil Musik und das, was Sie damit tun, begrenzt sind. Es ist schwer, etwas in ein paar Klänge und Worte zu verwandeln.

RJ: Ich denke, mit diesem Album dachten wir, wir könnten das tun. Für mich schien es, als könnten wir das, indem wir so ehrlich wie möglich sind. Wir hörten so viel Musik, die nicht ehrlich schien und schätzten es wirklich, wenn dem so war. Ich weiß nicht, ob ich heute den gleichen Ansatz hätte. Definitiv würde ich immer ehrlich bleiben wollen, aber ich würde auch gerne spielerischer damit umgehen.

LF: Ich denke, man beginnt zu realisieren, dass es nicht ausreicht, die Dinge genau so darzustellen, wie sie passiert sind, um den Menschen das Gefühl zu geben, das Sie hatten. Das war eine seltsame Erkenntnis für mich. Man kann diese Dinge nicht kommunizieren.