Ein Interview mit Hrishikesh Hirway vom Podcast Song Exploder

Gut vertraut mit der Problemlösung und den Experimenten, die das Songwriting mit sich bringt, wurde der in Los Angeles ansässige Musiker und Produzent dazu inspiriert, Song Exploder zu erstellen, nachdem er Zeit damit verbracht hatte, Remixe seiner Kollegen zu bearbeiten. Das Anhören isolierter Tracks gab Hirway eine neue Perspektive. Jede Episode dauert knapp 20 Minuten, und Hirway schneidet sich selbst aus dem Gespräch heraus, was zu bemerkenswert fokussierten und tiefgründigen Ergebnissen führt. Obwohl Musik ein zentrales Element der Show bleibt, ist Song Exploder eine erfrischende Sendung für alle, die ihren kreativen Geist ansprechen möchten.

Vinyl Me, Please: Song Exploder fühlt sich an, als würde man in den Liner Notes eines Albums leben. Waren diese Teil der Inspiration für den Podcast?

Ja, tatsächlich. Der erste Moment, den ich auf ein Gefühl zurückführen kann, Song Exploder machen zu wollen, kam vom Lesen der Liner Notes von Things Fall Apart von den Roots. Questlove hatte etwas über den Drum-Sound geschrieben, den er so lange gesucht hatte. Spitzfindig erwähnt er nicht, wie er den Drum-Sound bekam ... Ich liebte den besonderen Klang, von dem er sprach, und wollte tiefer in dieses Thema einsteigen. Es waren nur ein paar Sätze. Er hatte für jedes Lied ein paar Sätze geschrieben, und das war alles, was ich dazu bekam. Ich hätte ein ganzes Kapitel eines Buches nur basierend darauf gelesen. Im Hinterkopf war das eine Art Leitprinzip dafür, wie ich Song Exploder mache oder was ich mir hoffe, dass andere Menschen davon mitnehmen.

Wie entscheiden Sie, welches Lied vorgestellt wird, sobald ein Künstler bestätigt ist?

Es ist wirklich nur ein Gespräch. Es hängt vom Künstler und der Situation ab. Oft gibt es eine neue Platte, die sie promoten, also möchten sie natürlich vielleicht über ein Lied von dieser Platte sprechen. Manchmal gibt es Künstler, wo ich sage „Hey, das ist ein Lied, das ich sehr gerne mit Ihnen besprechen würde, wären Sie dazu bereit.“ Manchmal funktioniert das, manchmal spreche ich jemanden an und sage, dass ich dieses Lied liebe und denke, es wäre großartig für Song Exploder, und sie kommen zurück und sagen, dass dieses Lied eine viel bessere Geschichte hat, können wir darüber sprechen. Natürlich wissen sie es besser als ich. Ich versuche nur, es auf dem zu basieren, was ich höre. Es gibt keinen festgelegten Prozess dafür, wie das bestimmt wird.

Wie bereiten Sie sich auf Ihre Interviews vor?

Es dreht sich um das eigentliche Lied selbst. Ich bekomme die Stems vom Künstler und nehme mir die Zeit, den Unterschied zwischen dem, was ich in den Stems finde, und dem, was im endgültigen Mix ist, zu hören. Oft sind die Dinge, von denen ich denke, dass sie die besten Momente in der Show ausmachen, das Ergebnis dessen, was ich nur aufgrund der Stems entdecke. Ich höre durch und merke, dass es Dinge gibt, die ich in diesem Lied noch nie gehört habe, und dann versuche ich, einige meiner Fragen auf diese Sounds zu konzentrieren. Was sie sind und sie in den Vordergrund stellen. Oft sind diese entweder Geheimnisse oder sie sind aus einem bestimmten Grund im Lied. Selbst wenn man sie nicht klar hören kann, gibt es einen Grund, warum sie im Lied sind.

Die Künstler scheinen sehr wohl mit Ihnen zu sprechen zu sein. Hilft es, dass Sie zuerst Fan und nicht Kritiker sind?

Ich sehe mich nicht zuerst als Fan. Ich würde nicht sagen, dass dies der Ansatz ist, den ich verfolge, aber ich würde auch nicht sagen, dass ich ein Kritiker bin. Der Kontext für die Konversationen ist, dass ich versuche, es mehr als Gleichgesinnter anzugehen. Sie sind Musiker und ich bin Musiker und ich kann mich in einige der Prozesse des Songschreibens, die kreativen und technischen Schwierigkeiten einfühlen. Der Prozess des Schreibens von Texten, der Prozess des Schreibens von Musik. Selbst wenn sie keine Ahnung haben, wer ich bin oder was Song Exploder ist, ist das der Hintergrund, den ich in die Diskussion einbringe, auch wenn sie sich dessen nicht bewusst sind. Das beeinflusst die Art und Weise, wie ich meine Fragen stelle, damit es sich für sie hoffentlich anfühlt, als würden sie mit einem Gleichgesinnten sprechen.

Die Konversation, die ich oft mit Freunden im Studio oder auf Tour geführt habe. Es war Carl Newman von den New Pornographers, wir machten eine Episode letztes Jahr und er hatte Bedenken, dass es nicht genug zu sagen gäbe über das Lied. Schließlich sprachen wir eine Stunde lang mühelos. Danach bedankte ich mich bei ihm, und er bemerkte, wie überrascht er war, wie leicht das Gespräch lief. Er brachte es genau auf den Punkt, was ich hoffte, dass er fühlen würde. Er sagte, es fühlt sich an wie das Gespräch, das man um 3 Uhr morgens im hinteren Teil des Tourbusses führt. Das war wirklich befriedigend. Genau das möchte ich, dass sie fühlen. Dass es natürlich ist, ich möchte, dass die Zuhörer das Gefühl haben, in dieses Gespräch eingebunden zu werden, das normalerweise nicht öffentlich ist.

Wie haben Sie entschieden, sich aus dem Gespräch für den letzten Schnitt herauszunehmen?

Am Anfang, als die Show noch nichts war, wollte ich vorsichtig sein, nicht den Anschein zu erwecken, dass ich versuche, ein Fahrzeug für meine eigene Persönlichkeit zu schaffen. In der reinsten Version der Idee, wie bei Liner Notes, wie bei Questloves Liner Notes, kommuniziert er direkt mit dem Leser und Hörer. Man hat nicht die Person, der er diese Sachen diktiert, man hat nicht ihre Fingerabdrücke überall. Die Liner Notes Metapher ist eine gute, weil sie sich direkt vom Künstler anfühlen sollte. Es sollte mehr wie „zeigen und erzählen“ vom Künstler selbst sein, anstatt dass der Zuhörer diese Informationen über einen Mittelsmann lernt. Ich hatte das Gefühl, dass dies der Direktheit und Intimität des Hörerlebnisses im Weg stehen würde.

Viele Episoden konzentrieren sich auf kleine Entscheidungen im Studio, die einen großen Einfluss auf die Aufnahme haben. Gibt es ein Beispiel, das Ihnen immer besonders auffällt?

Eines, das mir sofort in den Sinn kommt, ich weiß nicht, ob dies als kleine Entscheidung zählt. Ich habe die Drum-Sounds auf „Writer's Block“, dem Peter Bjorn and John Album, lange geliebt. Die Produktion auf diesem Album ist im Allgemeinen fantastisch, und lange Zeit nach der Veröffentlichung des Albums war ich von dieser Produktion besessen. Für meine eigene Musik habe ich versucht herauszufinden, warum sie so magisch ist und meinen eigenen Weg zu finden, um die Dinge zu finden, die ich daran am besten liebe. Ich war gespannt, mit ihnen im September über „Young Folks“ von diesem Album zu sprechen, aus vielen verschiedenen Gründen, ohne zu wissen, was die Geschichte war. Einfach nur zu wissen, dass ich die Texte und alles an diesem Album liebe. Das eine, was ich nicht erwartet hatte, war die Geschichte, warum das Album so klingt, wie es klingt, und warum die Drums so klingen, wie sie klingen. Für mich hat es diesen perfekten Drum-Sound. Es stellt sich heraus, dass sie auf ihrem Album vor „Writer's Block“ in ein Studio gegangen sind und viel Geld dafür ausgegeben haben, in der Annahme, dass es ihr Durchbruchs-Album sein würde. Schließlich hatten sie das Gefühl, dass sie nicht das herausbekommen hatten, was sie hineinsteckten und erhofften.

Sie standen kurz vor der Auflösung und beschlossen, ein weiteres Album zu machen und es noch einmal zu versuchen. Sie beschlossen, es kostengünstig zu tun und es in ihrem Proberaum aufzunehmen. Der Proberaum war akustisch sehr restriktiv, weil er ein kleiner, boxiger Raum war. Sie haben die Drums ohne Becken aufgenommen. Crash-Becken würden nicht gut klingen, also ist der Grund, warum diese Drums so eng klingen, weil sie sich keine Gedanken darüber machen mussten, sie so abzumischen, dass auch Becken berücksichtigt werden. Stattdessen haben sie all diese anderen Sounds verwendet, um die Becken zu ersetzen. Sie verwendeten den Klang eines Halltanks, der auf den Boden trifft, als Becken oder ein Donnerblech aus einem Orchesterpercussion-Satz. In jedem Fall waren die Drum-Sounds, von denen ich nicht sicher war, ob sie geloopt oder ein Sample waren ... Ich konnte nicht herausfinden, warum sie so perfekt und straff klangen. Es stellte sich heraus, dass es nicht wegen irgendeiner erstaunlichen Studiomagie war, sondern das Ergebnis des Fehlschlags ihres letzten Albums. Diese Geschichte ging mir sehr nahe.

Sie haben erwähnt, dass Sie einen „Mutter-Test“ verwenden, um die Show für Nicht-Musikschaffende nachvollziehbar zu halten. Was hat es damit auf sich?

Meine Eltern hören sehr liebevoll alles, was ich mache. Die Musik, die ich mache ... sie sind zu meinen Bandauftritten in Punkrock-Clubs gekommen. Das ist großartig. Sie hören sich die Show an, also fällt es mir leicht, sie als Stellvertreter für ein potenziell breiteres Publikum zu sehen. Menschen außerhalb dieses Tourbusses um 3 Uhr morgens. Das Gespräch, das man dann führt, ist eine Sache, aber wie bearbeitet man es, rahmt es ein und kontextualisiert es so, dass Menschen, die noch nie in einem Tourbus waren, Bedeutung und Relevanz finden können.

Gibt es Trends beim Gespräch mit neuen Künstlern vs. erfahrenen Künstlern?

Ein Trend, der sich nicht unbedingt entlang der Karriere des Künstlers aufteilt, aber etwas, das ich für ein Produkt des modernen Zeitalters halte, ist, dass jeder die Sprachmemo-App auf seinem iPhone verwendet. Es ist das wichtigste Demowerkzeug für Autoren. Es ist großartig, wenn ich diese in eine Episode einbeziehen kann. Der erste Moment, in dem man die Geburt des Liedes in diesem Kontext hören kann. Jeder von Chet Faker bis Metallica hat erwähnt, dass sie Sprachmemos als ersten Schritt für ihre Ideen verwenden.

Sie haben mehrfach gesagt, dass ein großer Teil Ihrer Show um Problemlösung geht. Was war das größte Problem, das Sie lösen mussten, seit Sie angefangen haben?

Die größte Änderung, die die Show durchlaufen hat, war die Struktur. Die ersten vier Episoden der Show wurden mit einer kleinen Einführung veröffentlicht, dann spielte das Lied in seiner Gesamtheit, und danach folgte die Aufschlüsselung. Ich begann zu verstehen, wer möglicherweise die Show anhörte. Hier kommt auch der Mutter-Test ins Spiel. Ich hatte nicht das Potenzial verstanden, wie allgemein das Publikum für die Show sein könnte. Ich denke, ich habe ein Publikum erwartet, das meiner eigenen Hintergrund und anderen Musikern viel näher kam. Nicht unbedingt Musiker, aber Leute, die kulturell aus demselben Hintergrund wie ich kamen. Es gab einen kuratorischen, fast DJ-Aspekt der Show, bei dem ich dachte, hier ist ein cooles Lied, jetzt lass uns hören, wie es gemacht wurde.

Es stellte sich heraus, dass es viele Leute gab, die keine Ahnung hatten, wer einige der Bands waren. Jemand erwähnte, dass sie diese Band The Postal Service dank dieses Podcasts Song Exploder entdeckt hatten. Das hat mich umgehauen. Für mich in meiner Erfahrung, The Postal Service ... eine Platin-Künstlerin, sie waren allgegenwärtig im Jahr 2003 bis wann auch immer. Ich konnte mir nicht vorstellen, dass dieser aufstrebende Podcast mit ein paar tausend Zuhörern irgendeiner Person eine Band wie diese vorstellt. Es war etwas, bei dem ich nicht erkannt hatte, dass es ein Problem war, das gelöst werden musste, bis die Show herauskam. Ich musste sagen, nun, in diesem Fall könnten Leute dies mit einer anderen Reihe von Annahmen und kulturellem Kontext hören als ich. Ich habe mit einigen Leuten gesprochen, einige Ratschläge eingeholt und es dann so geändert, dass das Gespräch zuerst stattfindet, damit die Leute ein Gefühl der Verbundenheit mit dem Künstler aufbauen können, eine Art Investition in das Lied. Es könnte ein Gefühl von Geheimnis, Teilen, die zusammenkommen, geben, sodass das Lied, das am Ende gespielt wird, wie eine Enthüllung wirkt.