Dawn Richard ehrt New Orleans

Die Singer-Songwriterin erklärt mutig „Ich bin das Genre“ im einleitenden Track „King Creole“ und deutet damit den progressiven Klang des Albums an. Bemerkenswerte Songs sind unter anderem das harmonische Tanzstück „Boomerang“, der Dancehall-inspirierte Track „Jacuzzi“ und die uptempo Hymne „Bussifame“. Insgesamt stellt Second Line traditionelle Vorstellungen von Sound, Produktion und visueller Ästhetik in Frage. „Es ist ein Album, das die Leute immer wieder hören müssen, weil sie verdauen müssen, was es ist“, sagte Richard zu VMP.

Second Line ist eine selbst ernannte Ode an New Orleans. Dawns Mutter, eine gebürtige Vertreterin Louisianas, fungiert als Erzählerin des Projekts und verleiht den Übergängen und Zwischenspielen ein heimatliches Gefühl. „Als Solo-Künstlerin verkörpere ich genau das Beispiel eines Künstlers aus New Orleans. Meine Mutter ist ein Beispiel dafür. Wir sind Überlebenskünstler, weil wir in einer Stadt gelebt haben, die ständig vergessen wird. Trotzdem haben wir all diese Kultur. Wir haben all diese Schönheit“, sagte Richard.

Mit dem Namen einer festlichen Tradition in New Orleans betitelt, verkörpert Second Line die Stadt, jedoch auf eine unkonventionelle Weise. Historisch gesehen ist eine Second Line, wenn Zuschauer der Hauptlinie einer Fußparade beitreten, oft um eine verstorbene Person bei einem Jazz-Begräbnis zu ehren. „Durch den Tod finden wir Positivität. Durch Herzschmerz finden wir Licht. Dieses Album braucht keine Blaskapelle, um Ihnen zu sagen, dass es New Orleans ist“, sagte Richard. „Es sollte nicht darum gehen, dass ich den ganzen Tag über Paraden singe. Ich wollte es auf die Weise tun, wie ich mich in der Kunst bewege. Und alles sollte auf andere Weise zweckmäßig sein, um zu beeinflussen, was es bedeutet, aus dieser Stadt zu kommen.“

Die aus dem Süden stammende Künstlerin beschreibt ihre Heimatstadt als einen Schmelztiegel sowohl musikalisch als auch kulturell – ähnlich wie ihr neues Album. „[In New Orleans] haben wir Kreolen, Weiße, Schwarze, Cajuns, Italiener, Vietnamesen. Wir haben eine sehr große Vielfalt in der Stadt. Sie gehen durch die Bourbon [Street] und hören einen Rock-Club, einen Zydeco-Club, einen Blues-Club. Sie bekommen auf einem Block etwa acht verschiedene Musikgenres. Das ist hier natürlich“, erklärte Richard. „Gleiches gilt musikalisch für dieses Album. Es ist multi-genre, aber es ist absichtlich mit all diesen schönen Dingen gemischt, um das zu umfassen, in dem ich aufgewachsen bin. Ich wollte diese Geschichte erzählen.“

Richard sprach mit VMP darüber, eine neue Welle zu feiern, Stereotypen zu beenden und Grenzen in der Musik zu sprengen. Außerdem sprach sie über das Elektro-Revival, Afrofuturismus und das Durchbrechen von Glasdecken in verschiedenen Genres.

Dieses Interview wurde gekürzt und zur Klarheit bearbeitet.

VMP: Bevor wir auf das Album eingehen, was war die Inspiration hinter dem Artwork von Second Line?

Dawn Richard: Wenn Sie meine Cover betrachten, hatte ich schon immer eine Vorliebe dafür, dass eine schwarze Frau wie eine Kriegerin aussieht. Ich wollte immer, dass es so ist, wenn Sie von Goldenheart bis heute schauen. Es ist mir wichtig, dass die schwarze Frau – oder auch wenn es keine schwarze Frau ist, die schwarze queere Gemeinschaft, Menschen, die sich als anders betrachten, sich als königlich und würdevoll innerhalb des Kampfes sehen.

Und was wir entworfen haben, war King Creole, und das ist die Rüstung. Anstatt die Rüstung zu tragen, die ich normalerweise bei Goldenheart trug – ich trug ein tatsächliches Rüstungsteil. Bei Blackheart hatte ich das abgenommene Rüstungsgesicht. Oder bei New Breed hatte ich den Mardi Gras Indianer-Kopfschmuck. Diesmal ist ihre Haut die Rüstung. Es ist also ein neuer Ansatz für das, was ich sehe, wenn ich an Künstler oder Menschen denke, die immer unterbewertet wurden. Ich sehe sie immer als Krieger und King Creole, mich selbst. Ich sehe mich so.

Interessant; was ist Ihr persönlicher Lieblingstrack auf dem Album und warum?

Ich liebe eigentlich das Trio von „Le Petit Morte“ über „Radio Free“ bis „The Potter.“ Diese drei sind für mich mächtig, weil die zweite Hälfte des Albums die menschliche Seite des Albums ist. Es ist viel verletzlicher. Es ist viel mehr auf das Wesentliche reduziert. Während die erste Hälfte des Albums ein progressiver Prozess ist, die Android-Seite des Albums. Sie haben also mehr Tanzstücke in der ersten Hälfte. Während die zweite Hälfte des Albums eher ein Downbeat ist.

Diese drei Stücke sprechen für mich darüber, wenn man für die Industrie oder einfach für die Menschen kuratiert wird. Dann bauen sie einen als Produkt auf und lassen einen dann stehen. Und man bleibt im Regal stecken. Wie lieben Sie sich selbst? Und wie liebt die Welt Sie, wenn Sie nicht mehr das populäre Ding sind? Wenn Sie nicht mehr das sind, was als das Schönste angesehen wird? Wie überleben Sie das, oder heilen durch das? Und diese drei Stücke klingen für mich wirklich nach dem menschlichen Aspekt dessen, was ich auf dieser musikalischen Reise durchgemacht habe.

In „Radio Free“ waren Sie offen über Ihre Erfahrungen in der Musikindustrie. Wie navigieren Sie als Solo-Künstlerin, besonders als schwarze Frau?

Mir wurde erst klar, dass meine Hautfarbe mein Genre bestimmen würde, als ich Solo-Künstlerin wurde. Ich habe immer Alternative oder Tanzmusik geliebt. Ich habe diesen Sound schon immer geliebt. Und ich begann mit einer Pop-Mädchenband, die überwiegend multikulturell war, mit meistens weißen Mädchen. Daher war es kein Schock. Als ich dann zu Dirty Money ging, war es stark schwarz. Und es war Hip-Hop. Also war es nichts Außergewöhnliches, weil das traditionell war. Erst als ich Solo-Künstlerin wurde, wurde mir klar: „Oh Scheiße, meine Hautfarbe schränkt mich gerade ein.“ Und das war der Anfang davon für mich.

Ich musste überleben, als alle mich ablehnten – als sie diesen Sound bei einer schwarzen Frau nicht sahen oder hörten. Oder in dem Moment, als ich versuchte, vielseitig zu sein und den Leuten zu zeigen, dass ich all diese verschiedenen Sounds beherrschen kann und es Sinn ergibt. Ich kann Produzentin sein; ich kann Animatorin sein; ich kann eine andere Laufbahn als die normalen Künstler einschlagen. Das wurde abgelehnt. Aber acht Jahre später bin ich immer noch hier und versuche, durch alles hindurch zu tanzen.

Klanglich ist jeder Song ein bisschen anders. War das beabsichtigt, als Sie das Projekt sequence?

Absolut! Die Reihenfolge war mir wichtig, und ich wollte nicht das Klischee. In all meinen anderen Alben erzählte ich eine Geschichte, die so spezifisch über die Musikindustrie war. Es war, als ob jeder Song, jedes Stück offensichtlich über den Herzschmerz und den Schmerz war. Aber bei diesem Album wollte ich, dass das Album widerspiegelt, was New Orleans für mich ist. Also ist jeder Song – auch wenn sie zusammenpassen können – sehr unterschiedlich.

Ich möchte nie, dass ein Album wie das andere klingt. Ich möchte wirklich, dass die Leute verschiedene Epochen lieben. Sie mögen dieses vielleicht nicht, sie mögen ein Goldenheart bevorzugen. Die Leute, die mich gerade erst kennenlernen, könnten dieses bevorzugen und sagen, das ist das beste Album, das sie je gehört haben. Ich möchte niemals, dass meine Kunst so ist: „Ich möchte besser sein als das nächste.“ Sondern mehr als alles möchte ich vielfältige Kunstwerke schaffen, die alle unterschiedliche Bilder malen, aber als Ganzes gespielt werden können. Und wenn Sie es spielen, können Sie völlig die Geschichte hören. Und Sie können die Reise sehen, und Sie können sich darauf einlassen. Das ist alles, worum ich als Künstlerin bitten könnte – dass Sie fühlen. Sie könnten es hassen, lieben, einfach fühlen. Wenn ich das damit erreichen kann, dann habe ich meinen Job gemacht.

Die Musikvideos teilen alle ein gemeinsames Thema. Von der künstlerischen Vision bis zur Choreografie, speziell „Bussifame“ und „Jacuzzi.“ Welche Botschaft wollten Sie mit den visuellen Darstellungen vermitteln?

Das Album ist ein post-apokalyptisches New Orleans. Es ist das Blade Runner von New Orleans. Visuell versuchte ich, das so gut wie möglich mit einem unabhängigen Budget zu personifizieren. Mein Regisseur, Choreograf und Tänzer kommen alle aus New Orleans und bringen die Kunst des Tanzes ein. Denn hier [in New Orleans] sind Paraden, Tanzteams und Cheerleader allgegenwärtig. Es ist hier eine Kultur. Also, die Idee zu kombinieren, mehrere Mädchen mit mir tanzen zu lassen, um die Ästhetik der Tradition von New Orleans zu schaffen, ist in den visuellen Darstellungen.

Allerdings sehen wir alle gleich aus, wodurch das Konzept entsteht, dass nach dieser post-apokalyptischen Welt die ersten Personen, die Sie sehen, schwarze Frauen sind. Also, die Welt wird ausgelöscht und das erste Bild, das Sie sehen, sind diese schwarzen Mädchen. Gleiche Kleidung und gleiche Frisur, um die Geschichte des Android zu erzählen. Sie würden alle gleich aussehen, sie würden alle gleich tanzen. Aber ästhetisch würde es ein dunkles Aussehen haben, ein grungy Aussehen für die visuellen Darstellungen. Also sind all meine visuellen Darstellungen nicht sauber. Sie sind nicht so poliert wie meine anderen visuellen Darstellungen. Unsere Kostüme sind nicht perfekt. Es gibt Löcher, es gibt Risse. Unser Make-up ist verformt. Es soll grimmiger sein als meine normalen visuellen Darstellungen. Denn wir sind in einer Welt, die unpoliert ist. Es ist roh.

Es ist offensichtlich, dass Sie bei dem gesamten Projekt sehr aktiv waren. Besonders in Bezug auf das Schreiben und Produzieren. Wie war dieser Prozess diesmal?

Ich arbeite seit acht Jahren [hinter den Kulissen]. Ich musste mein eigenes Set für meine Shows aufbauen und abbauen, nachdem ich zwei Stunden lang aufgetreten bin. Ich hatte immer nur wenige [Menschen, die halfen]. Ich hatte Glück und ich bin dankbar für die wenigen, die an mich und meinen Prozess geglaubt haben. Also musste ich vieles oft alleine lernen. Und auch alleine gewinnen und verlieren. Es ist also nicht anders. Dieser kreative Prozess unterscheidet sich nicht von den anderen fünf oder sechs Alben, die ich zuvor gemacht habe. [Um wirklich die Botschaft zu bewahren, die Kunst in Bewegung zu halten.

Ich denke, ich war bei diesem Album absichtlich. Strategisch gesehen, um mit vielen farbigen Menschen zu arbeiten. Mit Animatoren aus Nigeria zu arbeiten, mein Choreograf und mein Regisseur sind Frauen, schwarze Frauen, das war mir wichtig. Dann waren die Künstler, die das Album geschaffen haben, aus New Orleans; diese Bewegungen waren absichtlich.