Die 10 besten modernen London Jazz-Alben, die Sie auf Vinyl besitzen sollten

Die aufstrebende moderne Londoner Jazzszene wird durch den Geist der Zusammenarbeit gefördert, der ihre Stars verbindet. Diese Virtuosen treten häufig auf den Platten der jeweils anderen auf. Sie springen gemeinsam auf die Bühne und crashen in die Wohnzimmer des jeweils anderen, wenn es nötig ist. Die Chemie einer eng verbundenen Künstlergemeinschaft ist schwer zu fassen und fast unmöglich zu definieren. Wenn man diese Chemie auf Schallplatte übertragen kann, fühlt sich das wie ein kleines Wunder an.

Für Neulinge, die sich einen Zugang zum modernen Londoner Jazz suchen, ist die Brownswood Compilation We Out Here ein unverzichtbares Hörerlebnis, eines der ersten Alben, das die Magie einfängt. Hier haben wir uns auf 10 der besten Langspielplatten konzentriert, die von Bands und einzelnen Künstlern in den letzten Jahren aus The Old Smoke hervorgegangen sind. Jede einzelne dient als Beweis für eine glühende Jazzszene, die unauslöschlich und unbestreitbar ist und globale Aufmerksamkeit verlangt. Niemand, der sich jetzt einstöpselt, wird es jemals vergessen.

Shabaka and The Ancestors: Wisdom of Elders (2016)

Wenn Sie in London nach den zentralen Figuren der neuen Jazzrenaissance suchen, werden Sie schnell auf den rastlosen Saxophonisten und Bandleader Shabaka Hutchings stoßen. Der bärtige britische Bohemien hat so viel wie jede einzelne Person getan, um die Szene zu definieren. Unter seinem mutigen und breiten Werk sticht Wisdom of Elders deutlich hervor. Um die Platte zu kreieren, reiste Hutchings nach Johannesburg und verband sich mit einer Gruppe lokaler Musiker, die als The Ancestors bekannt wurden. Das Ergebnis ist eine reiche, kraftvolle Platte, die Hutchings' melodische Töne, das südafrikanische Erbe der Band und die Lehren von Sun Ra vereint. Beschrieben als “ein Psalm in neun Teilen”, sind dies Kompositionen, die wie die verdammte Seite der Spiritualität klingen. Die abgedroschenen Gesangschöre ähneln alten Mantras oder tragischen Beerdigungsprozessionen. Dennoch ist Hutchings’ Saxophon auf Songs wie “Joyous” entspannt und üppig. In der Zwischenzeit bietet “Give Thanks” Begleitung von Tumi Mogorosis strahlenden Drums und wenig anderem und lässt Platz, damit Hutchings rotes Feuer durch sein bevorzugtes Instrument atmen kann.

Yussef Kamaal: Black Focus (2016)

Sie werden Black Focus wahrscheinlich in der Jazzabteilung Ihres örtlichen Plattenladens finden. Sicher, das ist Jazz – die ungebundenen Instrumentals von Yussef Dayes und Kamaal Williams bewegen sich im Geiste des Genres. Aber die beiden Südost-Londoner vermischen die klassischen Klänge von Funk, Soul, Boogie, Afrobeats und Hip-Hop zu einem eleganten Gebräu, das diese pluralistische, glorreiche Ecke des Vereinigten Königreichs destilliert. Besonders evocierend sind die klassischen Soul-Jazz-Klänge von Roy Ayers und Lonnie Smith sowie die moderne Musik von Stars der Los Angeles-Szene wie Robert Glasper und Thundercat. Die Arrangements sind zeitlos, wie eine schmale Krawatte oder Bourbon. Dayes’ Drums knallen richtig, während Williams’ stilvolle Tasten frei umherwandern und helfen, die sanft schwingenden Melodien des Albums zu tragen. Die Chemie des Paares zeigt sich vielleicht am besten im Abschlussstück “Joint 17.” Es erfordert supreme Fähigkeiten und unbegrenzte Coolness, ein so schiefes Arrangement so entspannt und mühelos klingen zu lassen.

Nubya Garcia: Nubya’s 5ive (2017)

Auf Nubya’s 5ive serviert die in Camden geborene Saxophonistin Nubya Garcia den geschmeidigsten Nektar in London. Nehmen Sie das schicke “Lost Kingdoms”, das sanft wie Satin ins Ohr gleitet, während das traditionellere “Red Sun” Wayne Shorters freigeistigen Ansatz hervorruft. Obwohl Garcia hier zweifellos der Star ist, versammelt sie eine All-Star-Band aus der lokalen Szene, die ihren eigenen Stil zum Album hinzufügt. Moses Boyds ungewöhnliches Drumming bietet die perfekte Grundlage während des gesamten Albums, während Joe Armon-Jones’ verzerrtes, grenzenloses Klavierspiel auf “Fly Free” ein energiegeladenes, aufsteigendes Stück Freestyle spielen ist. “Hold” wird von einer gemeinen, tief dröhnenden Blechbläsern getragen. Dass der Song hier in zwei verschiedenen Versionen vertreten ist, unterstreicht das Engagement der Crew für freestyle Ausdruck.

Zara McFarlane: Arise (2017)

Die Musik von Zara McFarlane zieht Fragmente ihres Ostlondonischen Hintergrunds, jamaikanischen Erbes und umfangreichen formalen Musikausbildung ein, die Stipendien am London College of Music und der Guildhall School of Music and Drama umfaßt. Sie zeigte ihre zitternde Stimme und den Sound eines spätabendlichen Jazzclubs auf dem immer noch großartigen Album If You Knew Her, das 2014 beim MOBO Awards als Beste Jazz-Act ausgezeichnet wurde, aber Arise ist die gelungenste Langspielplatte im Katalog der Sängerin. Gemeinsam mit dem Schlagzeuger und Produzenten Moses Boyd, der McFarlanes karibischen Hintergrund teilt, erkundet das Album die Rhythmen Jamaikas: Reggae, Kumina, Nyabinghi und Calypso. Der Fokus auf die Geschichte ist sofort erkennbar durch den kurzen Eröffnungstrack “Ode To Kumina”, der von der Kumina-Tradition inspiriert ist, einer afro-jamaikanischen Religion, die im 19. Jahrhundert von Vertragsarbeitern aus dem Kongo entwickelt wurde. An anderer Stelle unterstreicht der wunderschöne Rhythmus von “Peace Begins Within” eine gerechte Hymne der Selbstermächtigung, bei der McFarlanes flatternder Falsett ihre wichtigste Musikinstrument darstellt.

Sons of Kemet: Your Queen is a Reptile (2018)

Die Londoner Jazzszene serviert häufig entspannende Antiseptika für das Brexit-Zeitalter Großbritanniens. Unter der Leitung von Shabaka Hutchings setzen Sons of Kemet eines der politischsten Alben frei, das aus dem Chaos hervorgegangen ist. Sofort auffallend sind die Songtitel, die nach großartigen und einflussreichen schwarzen Frauen benannt sind. Der Eröffnungssong “My Queen is Ada Eastman” ist beispielsweise Hutchings’ Urgroßmutter gewidmet. Wenn der Gast Sänger Joshua Idehen schreit: “Burn UKIP, fuck the Tories / Fuck the fascists, end of story”, entfesselt er die Wut der multikulturellen Hauptstadt, die Brexit entschieden abgelehnt hat, aber mit dem Aufstieg nationalistischer Gefühle leben muss. Klanglich erweitert Your Queen is a Reptile, das dritte Album der Gruppe, ihre musikalische Palette. Das geschäftige “My Queen is Harriet Tubman” vereint tiefe Hörner, peppige Soli und hyperaktive Percussion, die leicht zum Tanzen einlädt, während das rumble Markenkamp “My Queen is Mamie Phipps Clark” die Handabdrücke von Ska-Gruppen wie The Specials trägt.

Joe Armon-Jones: Starting Today (2018)

Keyboarder Joe Armon-Jones verfeinerte sein Handwerk als Mitglied des Ezra Collective und an der Seite seines guten Freundes Maxwell Owin auf der gemeinsamen EP Idiom, aber das Debüt-Soloalbum Starting Today bietet eine vollumfängliche Darstellung der Breite von Armon-Jones’ musikalischen Neigungen. Seine Liebe zu Retro-R&B, Funk, Hip-Hop und Boogie ist tief in den Rillen der Platte verwurzelt. Sogar das Album Artwork, das von dem Künstler und Freund Divya Scialo erstellt wurde, zeigt Bilder von Armon-Jones’ Londoner Wohnung, was die personalisierte Natur der sechs Songs widerspiegelt.

Zu den Höhepunkten gehören “Almost Went Too Far”, ein seidiges Stück, das nach den amerikanischen R&B-Sounds der 1970er Jahre von Larry Levan, Paradise Garage und Shuggie Otis greift. Der Titeltrack enthält die leidenschaftlichen Gesänge des Sängers Asheber und bietet einen zeitgemäßen Aufruf an Londons am stärksten entfremdete Bevölkerung („Starting today, I’m gonna wipe the blood off these streets“, chantet er. “Starting today, spread love in the community”). Manchmal sind die besten Debüt-Platten eine Ansammlung von Ideen – als ob der Schöpfer unsicher wäre, ob ihm jemals wieder der Zugang zu einem Tonstudio gewährt wird, also sollte man das Beste daraus machen. Hier gibt Armon-Jones uns alles, was er hat.

Kamaal Williams: The Return (2018)

Wir werden vielleicht nie erfahren, was Yussef Kamaal dazu brachte, plötzlich auseinanderzubrechen. Nach Black Focus fühlte es sich an, als wäre der Verlust des Duos ein verheerender Schlag für die Londoner Jazzszene. Was auch immer die Gründe für die Trennung waren, Kamaal Williams war schnell dabei, sich als die natürliche Fortsetzung der Gruppe zu präsentieren. Das Albumcover und die Schriftarten von The Return stimmen überein mit denen von Black Focus, ein klarer Versuch, das Erbe der Gruppe zu sichern. Noch wichtiger ist, dass The Return mehr von den kosmischen Grooves bietet, die beim zweiten Mal ebenso befriedigend sind. Die Drums sind funky, der Bass ist stark angehoben und Williams’ retro-futuristische Tasten sind glorreich geschmeidig. Sobald die schleppenden Akkorde und verschwommenen Synth-Wellen des Eröffnungstracks “Salaam” einsetzen, braucht es keinen Musikwissenschaftler mehr, um zu erkennen, dass dies eine schnelle Rückkehr zur Sache für den Südlondoner darstellt.

Tenderlonious: The Shakedown (2018)

Tenderlonious, auch bekannt als Ed Cawthorne, ist ein Saxophonist, DJ, Labelchef und insgesamt zentrale Figur in der Londoner Jazzszene. The Shakedown ist das Ergebnis einer einzigen achtstündigen Sitzung, aber mit einigen der besten Musiker der Szene in der Band – genannt The 22archestra, die Yussef Dayes am Schlagzeug und Hamish Balfour an den Tasten umfasst – ist es eine funky Platte mit coolen Grooves, kultivierter Flötenarbeit und entspannten Tasten. Hier gibt es auch einen starken Hip-Hop-Einfluss: “SV Interlude” und “SV Disco” sind eine Hommage an Slum Village, während Tenderlonious’ Flötenspiel auf “Togo” von den Grooves des einmaligen Virtuosen von Slum, J Dilla oder MF DOOM inspiriert sein soll.

The Shakedown ist jedoch eine Jazzplatte bis ins Mark. “Yussef’s Groove” beginnt mit treibenden Drums, und jeder von The 22archestra tritt allmählich ein und nutzt ihre virtuose Kraft voll aus, wechselt zwischen tief gelegtem Bass, schickem offenen Klaviersolo und verschwommenem E-Piano. Es gibt Momente des Zurückhaltens, wobei die Bitches Brew-artige Atmosphäre ein spürbares Gefühl von Vorfreude und Leidenschaft vermittelt und dennoch den stampfenden, tief schwingenden 70er-Jahre-Groove, den sie so gut beherrschen, behält. The Shakedown mag in etwa der gleichen Zeit aufgenommen worden sein, die es braucht, um von London nach New York zu fliegen, aber die Band ist in einem solch süßen Groove, dass sie klangen, als hätten sie die ganze Zeit der Welt.

Moses Boyd: Displaced Diaspora (2018)

Es kann nur einen Flying Lotus geben, aber das bedeutet nicht, dass Moses Boyd nicht bequem in FlyLo’s esoterischen Bereich passen kann. Boyd schafft elektronische Musik, die in der Jazztradition verwurzelt ist. Nachdem er sein ungewöhnliches Programm auf der Vier-Titel-Veröffentlichung von 2017 Absolute Zero (ein Song wie “Square Up” klingt, als wäre er aus einem gehackten Sega Genesis entnommen) gelegt hat, erweitert Boyd die äußeren Grenzen seines Sounds auf Displaced Diaspora. Sehen Sie, wie der Eröffnungsessay “Rush Hour/Elegua” traditionelle afrikanische Chants mit Boyds gefühlvollen Elektronik verbindet. Zara McFarlane ist Gast auf der midnight-blue Ballade “City Nocturne”. In der Zwischenzeit tritt die erfahrene Band Kevin Haynes Grupo Elegua auf vier Tracks auf und trägt dazu bei, den traditionellen Jazz-Feeling in die Schnitte einzubringen. Am besten ist vielleicht “Rye Lane Shuffle”, das geschäftige Gebräu aus rauschenden Blechbläsern, Gitarrensoli und schnellen Drums fängt die geschäftige Peckham-Straße ein, nach der es benannt ist.

Camilla George: The People Could Fly (2018)

Als Kind las ihre Mutter Camilla George oft Geschichten aus The People Could Fly, einem Buch mit afrikanischen Geschichten, das sich mit dem Thema Sklaverei befasst. Das starke Gefühl des menschlichen Geistes, das die in Nigeria geborene und in London lebende Künstlerin aus diesen Geschichten zieht, beeinflusst ihr Album desselben Namens. Diese Sammlung von makellos produzierten, präzise arrangierten Stücken hat ein luftiges Gefühl – keines überschreitet sechs Minuten. Aber Georges Emotionen sind von Lied zu Lied spürbar. Der Klang von klirrenden Ketten untermalt kraftvoll Georges Saxophon zu Beginn des klagenden “The Most Useful Slave.” Weit davon entfernt, eindimensional zu sein, bietet “The People Could Fly” eine fröhlichere Seite ihrer Kunst. Das Album endet mit einem Cover von Curtis Mayfields “Here, but I’m Gone” und verknüpft George mit den sozialbewussten Grooves der 1970er Jahre und erweckt zeitgerechte Geschichten für hier und jetzt zum Leben.