Die verlorene Geschichte der Beziehung Indiens zum Jazz

(Bild über Meridian)

Die 1920er Jahre waren eine turbulente Zeit für Menschen mit Farbe, speziell für schwarze Menschen in Amerika. Geplagt von dem Versuch, in einer Welt zu navigieren, in der Rassismus überall herrschte, fühlten sich Afroamerikaner weder willkommen noch sicher. Dieses Jahrzehnt brachte auch das Jazz-Zeitalter hervor – eine Zeit des Aufschwungs, der Prohibition und des neuen Geldes. Während dieser Ära und in den folgenden Jahren tourten ikonische Jazzmusiker wie Louis Armstrong und Duke Ellington mit ihren Begleitbands um die Welt. Die Orte, an denen sie auftraten, würden Sie überraschen; Afghanistan und Indien waren aufstrebende Hotspots für einen östlichen Jazz-Fan. Leider wurden Aufnahmen von Ellingtons Auftritt in Afghanistan mittlerweile von den Taliban zerstört, aber die Überbleibsel seines Swings und seines kämpferischen Geistes sind weiterhin fühlbar.

Insbesondere Indien entwickelte eine besondere Vorliebe für Jazz, und afroamerikanische Tourmusiker fühlten sich in dieser Szene willkommen. Um der ständigen Verfolgung, die sie in den Vereinigten Staaten erlebten, zu entkommen, entschieden sich schwarze Jazzmusiker, Indien zu ihrem neuen Zuhause zu machen, und mit ihnen wurden die Wurzeln der indisch-afroamerikanischen musikalischen Zusammenarbeit geboren. Das berüchtigte Luxushotel in Mumbai, das Taj Mahal, ging sogar so weit, den schwarzen Violonisten Leon Abbey zu bitten, 1935 eine neunköpfige Resident-Jazzband zu gründen. Zuvor war Abbey sechs Monate lang ein fester Bestandteil der Jazzszene in Paris gewesen und hatte die erste rein schwarze Band gegründet, die in Indien Jazz spielte. Sie spielte vor den Elite-Gesellschaften Mumbais im opulenten und extravaganten Art-Déco-Ballsaal des Taj. Ein Jazzkonzert zu sehen, war ein Ereignis; riesige Säulen schmückten den Raum und eine sich drehende Bühne stellte sicher, dass das Taj Mahal Hotel die Heimat von Mumbais exzentrischsten Musikern war.

Jazz fand auch seinen Weg nach Indien teilweise aufgrund des Kalten Krieges. Russland und die Vereinigten Staaten führten Indien in das ein, was sie für ihre größte Kunst hielten, um ihre Loyalität zu gewinnen. Während die Russen das Kirov-Ballett (jetzt bekannt als Mariinsky-Ballett) auf einer Lands-Rundtour schickten, waren die Amerikaner entschlossen, Jazz zum Objekt der Inder Affektionen zu machen. Dave Brubeck war einer der ersten Musiker, die vom CIA ausgewählt wurden, um zu touren, und infolgedessen begann er, mit vielen lokalen Musikern zu jammen. Dies führte wiederum dazu, dass Inder, die möglicherweise über ihren traditionellen Komfortbereich hinausgegangen wären, mit einer Interpretation eines Konzepts experimentierten, mit dem sie bereits vertraut waren: Improvisation. Einer von Brubecks Lieblingsjammern war Micky Correa, der eine erfolgreiche Karriere hatte, die über 30 Jahre dauerte. Die afroamerikanischen Musiker, die dieser quasi-politischen Tour folgten, taten es ihm gleich, und ihr Einfluss war in der zeitgenössischen indischen Popkultur spürbar. Jazz permeierte Indien jedoch auch durch Entdeckung. Als portugiesische Kolonie waren römisch-katholische Goans besonders empfänglich für Jazz, da sie ein starkes Interesse an westlicher Musik und Kultur hatten. Oft haben Goan-Katholiken europäische Namen, und es waren Goan-Musiker, die sich zu Legenden in Mumbais Jazzszene entwickelten, wie Frank Fernand oder Anthony Gonsalves. Gonsalves wurde aufgrund dessen, dass er in dem 1977er Komödienfilm Amar Akbar Anthony in dem Lied „My Name Is Anthony Gonsalves“ erwähnt wurde, zu einem Haushaltsnamen. Dies spricht Bände über den Einfluss dieser Jazzmusiker.

In Indien wurden afroamerikanische Jazzmusiker mit Wärme, Freundlichkeit und Akzeptanz empfangen; etwas, das sie in ihrem Heimatland nicht erlebt hatten. Und aus den vielen afroamerikanischen Jazzmusikern, die sich in Indien niederließen und mit einheimischen Musikern zusammenarbeiteten, entstand indischer Jazz. Eine weitere Residentenband des Taj Mahal Hotels war eine Zusammenarbeit mit schwarzen, indischen und weißen Musikern; die Band wurde von Teddy Weatherford am Klavier und Cricket Smith am Kornett geleitet und sah, wie sich indischer Jazz über das traditionellere amerikanische Jazz hinaus entwickelte. Die bloße Vorstellung des Genres mag zunächst als dichotomisch erscheinen, macht jedoch mehr Sinn und stimmt reibungslos überein, wenn man seine kompositorischen Wurzeln bewertet und entschlüsselt. Die klassische indische Musik ist von Natur aus improvisatorisch und basiert auf freien Gesang, ergänzt durch funkensprühende Sitar und überschwängliche Tablas. Jazzkünstler indischer ethnischer Herkunft nahmen die Improvisation – ein Konzept, mit dem sie gut vertraut waren – und wendeten es auf pentatonische Skalen an, anstatt auf Ragas (indische Skalen), spielten auf Holzblasinstrumenten und Blechbläsern anstelle der Shehnai und verwendeten westliche Schlaginstrumente statt der Tabla und Dhol. Diese Vereinigung der Kulturen ermöglichte es indischen Musikern, ihre musikalischen Inspirationen zu diversifizieren und zu erweitern, brachte jedoch Karrieren einiger der ikonischsten indischen Musiker in der Geschichte hervor.

Die indische Jazzszene wurde leider größtenteils in Indien vergessen, obwohl sie ein wesentlicher Bestandteil ihrer Aura war. Die Weite der Durchdringung des Jazz zeigt, wie multikulturell und wahrhaft global Mumbai mit Städten wie New York war. Ihre Ähnlichkeiten liegen in der Tatsache, dass sie Hafenstädte sind und in der Lage, pragmatisch zu sein und Einflüsse zu übernehmen. Tatsächlich ist Jazz so wichtig für den modernen indischen Geist, dass, als Indien am 15. August 1947 die Unabhängigkeit von Großbritannien erlangte, die Reichen und Mächtigen im Taj nicht weniger als mit Jazzmusik feierten. Obwohl der Unabhängigkeitstag mit dem patriotischen bengalischen Gedicht, das 1882 zu einem Lied wurde - "Vande Mataram" - gefeiert wird, symbolisierte diese musikalische Partnerschaft Freiheit und Kreativität für sowohl schwarze als auch braune Musiker, die von weißen Menschen unterdrückt wurden. Leider ist der älteste lebende indische Jazzmusiker, Micky Correa, kürzlich verstorben, sodass niemand mehr erste Augenzeugenberichte aus dem Ballsaal des Taj Mahal Hotels erzählen kann. Was noch schlimmer ist, ist, dass es auch keine Interviews mit diesen Musikern gab, und wir können nur auf ihren Einfluss in der Popkultur zurückgreifen, um die Geschichte des indischen Jazz zu erkunden.

Bollywood-Produzenten und Musikdirektoren erfuhren von dem Jazz-Trend unter Indiens Elite und benötigten etwas, oder genauer gesagt, jemanden, um ihren bald veralteten Sound zu modernisieren. Jemanden, der vielleicht mit indischem Jazz gleichgesetzt werden kann, Antonio Xavier Vaz, besser bekannt als Chic Chocolate. Vielleicht der berühmteste Jazzmusiker, von dem Sie noch nie gehört haben, war Chic ein Multiinstrumentalist aus Goa, der es schaffte, groß herauszukommen, indem er Trompete auf vielen Bollywood-Soundtracks spielte. Chic war stark von Louis Armstrong inspiriert und wurde oft als der „Louis Armstrong von Bombay“ bezeichnet, wobei er sogar so weit ging, ein signatur Handtuch zu tragen und in diesem kehlig-gutturalen Stil zu singen.

Er begann in Mumbai mit einer elfköpfigen Band im Taj Mahal Hotel. Seine Arbeit war produktiv, sein Einfluss ist zeitlos, und die Art und Weise seiner Komposition und Aufführung bildet die Grundlage dieser kulturellen Vereinigung, die der indische Jazz förderte. Chic Chocolate live zu erleben, war mehr als nur ein durchschnittliches Konzert; er sorgte dafür, dass sein Publikum ein Erlebnis hatte, das sie nie vergessen würden. Er hatte eine laute und charmante Persönlichkeit, die Fremde und Stammgäste gleichermaßen bezauberte; er konnte eine Menschenmenge mit seinem Witz und seiner Leidenschaft für den Auftritt mitreißen. Er entwickelte sogar eine so starke Beziehung zu seinen Stammgästen, dass er ihre Lieblingslieder spielte, sobald sie den Raum betraten. Diese Lebhaftigkeit zeigt sich definitiv in seiner Musik; wenn Sie alte Aufnahmen seiner Solostücke hören, werden Sie von seinem Trompetenspiel gefesselt. Seine Trompete besaß eine Rauheit und Griffigkeit, insbesondere im Stück „Contessa“, sie hatte fast eine eigene Persönlichkeit und zog die Aufmerksamkeit aller auf sich. Chic spielte Trompete, seit er 25 war, und erreichte ein unvergleichliches Maß an Virtuosität. Obwohl er hauptsächlich als Trompeter bekannt war, erlaubte ihm seine Geschicklichkeit auch, Saxophon, Violine und mehrere Rhythmusinstrumente zu spielen sowie als Arrangeur und Dirigent zu arbeiten.

Der Einfluss von Jazz war so klangvoll, dass er seinen Weg nach Bollywood fand, und Chic Chocolate wird die Einführung westlicher Musik bei indischen Musikdirektoren zugeschrieben. C. Ramchandra, ein produktiver Bollywood-Komponist, war besonders vom Jazz beeinflusst und strebte an, diese in seine Werke einzuarbeiten. Ramchandra arbeitete sehr eng mit Chic zusammen, um einen Stil zu entwickeln und dem Jazz auf eine sehr indische Weise zu huldigen. Trotz seiner Durchdringung bei den Eliten und in Luxushotels ermögliche die Vermischung von Jazz mit Bollywood - im Grunde Indiens Antwort auf Popmusik - dessen Zugänglichkeit für alle, unabhängig von Klasse oder Kaste. Der Bollywood-Film Albela, der 1951 herauskam, war eine sanfte Einführung in Chic Chocolate. Im Kern ist der Soundtrack sehr süß, sanft und zeitgenössisch, aber Chic Chocolates Trompete, die durch diese ansonsten sehr indischen Stücke schwebte, diente als Tor zum Jazz. Ein solches Stück ist „Eena Meena Deeka“ aus dem Film Aasha aus 1957, das so berühmt wurde, dass es in internationalen Werbespots verwendet wurde. Dieses Lied sah Ramchandra dabei, wie er herausfand, wie man Jazz auf eine eindeutig indische Weise interpretieren kann, während es trotzdem traditionell wie afroamerikanischer Jazz klang. Der Text „maka naka“ ist Konkani für „Ich will nicht“, was wir sahen, war eine Fusion aus Goan-, portugiesischen und afroamerikanischen Einflüssen, die zu einem einzigartigen Klangereignis verschmolzen. Letztendlich war es ein lustiges, unsinniges Lied, das Chic’s lebendige Seele verkörperte, und wie jedes andere Lied, für das er verantwortlich gemacht wird, zeigt es perfekt seine musikalische und geographische Genre-spannende Pragmatik. Bollywood-Musik hat schon immer eine Geschichte des Heranziehens von Trends und der Verbindung mit traditionellen indischen Elementen, am auffälligsten mit Bappi Lahiris Interpretation von Disco.

Leider, in den 60ern – einem Jahrzehnt, das den Höhepunkt der Popularität des Jazz markierte – begann der Zauber des Genres zu schwinden. Während das Komponisten-Duo Laxmikant-Pyarelal begann, in Bollywood mit ihrer Reklamation von Psychodelia aus dem Westen Wellen zu schlagen und schwerere, elektronische Instrumente und Rock'n'Roll begannen, Priorität zu haben, war Jazz nach einem ungefähr 40-jährigen Reich, das zwei Generationen umspannte, nicht mehr cool. Die Bedeutung des indischen Jazz liegt jedoch nicht nur im Endprodukt, sondern in der rassistischen Solidarität und Zusammenarbeit, die daraus entstanden ist: zwei diskriminierten Gruppen von Menschen mit Farbe durch weiße Menschen; Indien durch Kolonialismus, und Afroamerikaner durch Sklaverei, die ihr Land und ihre Musik einander leihen und etwas so unglaublich Einzigartiges schaffen. Was für Unkundige wie ein fast unvorstellbarer Kulturenkonflikt erscheinen mag, ist tatsächlich eine aufschlussreiche Erkundung, wie die Formbarkeit von Musik Schönheit und idiosynkratische Talente schafft.