Die besten elektronischen Alben von 2019

Ein Jahrzehnt nach ihrem charakteristischen Hit "Daniel" erhielt Natasha Khans neuestes Album nicht die Anerkennung, die es verdient hätte. Vielleicht hielt der Wechsel von Parlophone zu einem unabhängigen Weg es zu sehr von ihren Fans fern, oder vielleicht fühlte sich das exquisite Album im Jahr 2019 mit seinem aufrichtigen Synthpop etwas aus der Zeit gefallen. Doch Bat For Lashes war noch nie ein Trendhopping-Projekt, und das prägnante und einfühlsame Lost Girls zeigt eine Songwriterin, die ihrer Rückbesinnung auf Einflüsse ungeniert gegenübersteht, während sie gleichzeitig in ihrem Handwerk reift. Mit Beiträgen von Studio-Kollege Charles Scott IV zittert "The Hunger" wie die Mini-Epen von Peter Gabriel aus den 80ern und "Feel For You" schimmert wie die von Factory Records beeinflussten Singles dieser Zeit.

Gefangen im klebrigen Wrack der Indie-Alternative-Explosion der frühen 2010er, die von einigen unglücklich als PBR&B bezeichnet wurde, hätte FKA Twigs der Erzählung erliegen können, die viele ihrer unmittelbaren Vorgängerenschaften hilflos in Subgenre-bernstein gefangen hielt. Hohe kritische Verehrung und das mikroskopische Glühen der Klatschkultur drohten, ihre Karriere zu komprimieren, und eine beunruhigende Fibroid-Diagnose hätte ihr noch mehr schaden können. Doch vier Jahre nach dem relativ unbedeutenden M3LL155X mit dem beeindruckenden, nonkonformistischen und emotional ungefilterten MAGDALENE zurückzukommen, stellt sie jenseits des Kanons irgendeines Genres. Einer der stärksten Songs ihrer Karriere und des gesamten Jahres, "Sad Day" verwandelt Zerbrechlichkeit in Kraft, ihr eindringlicher Refrain ist fast opernhaft in seiner Ausführung. Und wie könnte man Twigs nicht stan nach der Erkundung von Future mit „Holy Terrain“, einer Trap-Dekonstruktion mit Beiträgen von Yeezus-Alumni Arca und Skrillex?

In den verbleibenden Wochen dieses Jahrzehnts veröffentlichte das innovative Bass-Label Hyperdub geschickt Burials Tunes 2011 to 2019. Eine Sammlung von Songs, die nicht auf seinen zwei Alben enthalten waren, schien fast zynisch auf den Jahreszeit-Zählungen und den damit verbundenen zehnjährigen Rückblick abgestimmt. Obwohl viele die Falle annehmen und den Produzenten und seine Wohltäter aufgrund einer möglicherweise gerechtfertigten technischenity belohnen, sollte dies nicht auf Kosten eines tatsächlichen Albums des Labels geschehen, das diese Auszeichnungen verdient. Ohne zu zögern, fühle ich mich völlig wohl zu sagen, dass Loraine James' Debüt-LP For You And I Hyperdubs wichtigster und wesentlichster Release seit Untrue ist, vielleicht sogar besser. Ein kompliziertes und zutiefst menschliches Werk, das Album fasst ein verborgenes, persönliches London ein, das viel über die Stadt im Allgemeinen spricht. Sein Inhalt beschäftigt sich mit ihrer Queerness inmitten eines aufregenden Sturms urbaner und Club-Stile, präsente im Titeltrack mit nervösen arpeggierten Zitterbewegungen und Videospielträumen sowie dem erhellenden "My Future" des Rappers Le3 BLACK. Das lockere Junglisten-Geklapper von "So Scared" weckt sowohl besorgte Gefühle im Titel als auch James' sich wiederholenden gesprochenen Refrain, der wie ein Kopfhörergeist lange nach dem Ende des Albums verweilt.

Niemand beherrscht Bass wie Kevin Martin. Als jemand, dessen Katalog, insbesondere als The Bug, wiederholt zu Reggae-Traditionen zurückkehrt, um ehrfürchtig nach Tiefen-Gold zu schürfen, machte die Entscheidung, diese klangliche Schicht für das neueste King Midas Sound Projekt zu streichen, Solitude zu einer kurvenreichen Abweichung in seiner Discographie. Mit den Überlegungen des Performance-Dichters Roger Robinson zu einer gescheiterten Beziehung, die Bassgewicht durch emotionale Tiefe ersetzt, konstruiert das Duo eine Welt von Herzschmerz und Sturm. Eine stille Wut über das Selbst, das andere und die Welt blubbert über die metastasierenden Traumszenarien von "In The Night" und unter den stöhnenden Drohnen von "Zeros". Dies ist keine Ballard'sche Dystopie oder Soundsystem-Flucht, sondern vielmehr die drückende Realität und die existentielle Einsamkeit der Gegenwart.

Da Apps überhandnehmen und nahezu jede Entscheidung beeinflussen, die wir treffen, ist das einfache Vergnügen, den Wetterkanal zu beobachten, um die lokale Temperatur zu überprüfen, aus der Sicht verschwunden wie viele kleine, flauschige Wolken. Ob die New-Age-Gefühle dieser Erfahrung Ihnen verloren gingen oder nicht, Nonlocal Forecast fängt die mystischen Schwingungen in diesem atemberaubenden Werk von Kitsch als Kunst ein. Das seltene Album, in dem man eine Weile leben möchte, Bubble Universe! sprudelt mit erfreulichen Wendungen und tropft mit bezeichnenden Tinkturen, eine Liebesarbeit, die diejenigen belohnt, die bereit sind, ihre vorgefassten Meinungen loszulassen und etwas Prog-Lite-Unfug und Smooth-Jazz- Flair in ihr Leben zu lassen. "Cloud-Hidden" entrollt sich wie ein Keyboard-Preset, das zum Leben erwacht, während "Foam, Vaccum, One" seine Ambient-Drohen luxuriös und schimmernd lässt. "Planck Lengths" stürmt mit dem Drum-Machine-Jubel auf Phil Collins-Niveau und hält nur für Vogelgezwitscher und Atemzüge zurück.

Mit allem gebotenen Respekt vor Autechres amoralischen Algorithmen sprechen wir nicht mehr von IDM, hauptsächlich weil es mehr oder weniger aufgehört hat, wichtig zu sein. Trotzdem half das Erbe von dem, was Aphex Twin's Rephlex Records unverschämt als Braindance bezeichnete, so viel von dem zu lenken, was wir heute im elektronischen Musikuntergrund anbieten. Ein ehemaliger Labelkollege dieser Warp-Pioniere, patten macht Musik, die die vorherigen Daten berücksichtigt, bevor sie auf zeitgemäßere rhythmische Strukturen angewandt wird, die in den Clubs auf seinem selbstveröffentlichten Flex zu finden sind. Weniger übertrieben in seiner Verehrung für die Futurismus-Fetische seines Vorgängers unterwirft er Drill, Grime und Trap einer Wellenmissbrauch auf Stücken wie "Night Vision" und "Snake Eyes". Eine wichtige Waffe im patten-Arsenal ist die Sprachmanipulation, die der Fußarbeit von "Infrared" und dem Nach-Rave-Lärm von "Memory Flood" eine frenetische Kante verleiht.

Science-Fiction hat sowohl elektronische als auch Jazzmusiker gleichermaßen reichlich Inspiration gegeben, zum Besseren oder Schlechteren. Im Fall von Salami Rose Joe Louis’ Raumoper ist es zweifellos Ersteres. Die unterhaltsame Keyboard-Jazz-Nudeln von "Octagonal Room" und "Nostalgic Montage" lenken gelegentlich und fröhlich die erläuternde solare Erzählung ab, die darüber gelegt ist. Selbst wenn Sie ihrer Geschichte nicht folgen, macht Zdenka 2080 mit seiner musikalischen Mission weiter, hauptsächlich durch eher kurze Stücke, die der Länge von Beat-Tape-Schnipseln entsprechen. Doch obwohl FlyLo’s Label bekannt dafür ist, das Format der L.A.-Szene zu bedienen, steht dieses kohärente Werk für sich. Die Vocals, die an die himmlischen Chöre unter der Leitung von Kamasi Washington erinnern, verleihen "Love The Sun" und "Cumulous Potion" einen bestimmten Charme.

Wie so oft im letzten Jahr dominierte Reggaeton auch 2019 die Welt als ein Pop-Phänomen. Während J Balvin und Daddy Yankee als prominente kommerzielle Botschafter des Stils um den Globus reisen, repräsentiert Tomasa Del Real die Echtheit eines Undergrounds, der die Menschen systematisch ausgeschlossen hat, die das Genre erdacht hat. Ein solider Nachfolger zu ihrem Bellaca Del Año hält die chilenische Neoperreo-Anführerin’s halbnamentliches TDR das Dembow davon ab zu stagnieren, mit seiner kollaborativen und stärkenden Essenz. Sie ist sexuell direkt in "Ella Quiere Culiar" zusammen mit TECH GRL und beherrscht das Dancefloor auf "Perrea Conmigo" mit dem legendären DJ Blass. Typischerweise gefüllt, wenn nicht ganz in Auto-Tune gebadet, verankert Del Reals Stimme zukunftsgerichtete Cuts wie "Los Dueños De Neoperreo" und das verspielte "Braty Puti".

Zu oft nimmt Diplo’s Berühmtheit davon ab, dass Major Lazer kein Solo-Projekt ist, sondern das Produkt kollaborativer Energien, einschließlich der des jamaikanisch-amerikanischen DJ/Produzenten Walshy Fire. Entstanden aus einem bewussten Versuch, die oft frustrierenden segregierten zeitgenössischen Musik-Szenen in Afrika und der Karibik zu versöhnen, verbindet sein Abeng die Likes von Mr. Eazi und Runtown von letzteres mit Kranium und Machel Montano des letzteren. Judging aus der Konsistenz und Potenz der Ergebnisse dieser Übung beweist das Klangkollisieren von Afrobeats, Dancehall und Soca, unter anderen regionalen Stilen, einen tiefgreifenden Erfolg. Indem es Negativität meidet, trägt die übergreifende Wärme und Kameradschaft von "No Negative Vibes" und "Round Of Applause" zur diasporischen Heilung bei.

Angesichts wie viele der Blitze in der Pfanne der 2000er vor den 2010ern Tupperware kalt wurden, ist es mehr als ein wenig verrückt zu denken, dass eine Band, die einige ihrer besten Stücke nach dem Electroclash veröffentlichte, noch am Leben und aktiv sein könnte. Doch während einige ihrer Kollegen müde Cashgrab-Reunions für eine junge Generation aufbauen, die seltsamerweise anfällig für Nostalgie ist, haben die schnittigen Jungs von Chk Chk Chk nie wirklich aufgehört, sich eher dem Disco als dem Kunst-Punk zuzuwenden, beginnend mit 2013’s Thr!!!er und fortführend mit gleichgesinnten Nachfolgern As If und Shake The Shudder. Deutlich besser als diese beiden Letztgenannten, Wallop findet die Band so schlagkräftig und poppig wie nie zuvor, mit der schlagenden House-Glam von "Couldn’t Have Known" und dem selbstironischen Funk-Rock von "Serbia Drums".