Die 10 besten Alben von Charles Mingus, die Sie auf Vinyl besitzen sollten

Ursprünglich Trompete und Cello studierend, war Mingus ein Multi-Instrumentalist, der zum Kontrabass wechselte, der schließlich sein musikalisches Motiv wurde. Mingus galt weithin als Phänomen am Kontrabass und tourte schließlich mit Louis Armstrong, Lionel Hampton und Duke Ellington, bevor er seine eigenen Kompositionen schuf und seine eigenen Bands leitete.

Mingus verkörperte harte Arbeit und Selbstentwicklung, was in einer Sammlung von über 250 Veröffentlichungen resultierte. Er gab sein Herz und seine Seele in sein Handwerk und schuf eine vielfältige und ergreifende Liste von Veröffentlichungen. Mingus’ Backkatalog ist eine irrsinnige Fahrt. Es ist wild, unberechenbar, instabil, feindlich und brillant einfallsreich. Es ist alles, was Sie von einem Mann wie Charles Mingus erwarten würden.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Diese Platte ist so innovativ wie mutig. "Pithecanthropus Erectus" war ein hochkonzeptionelles Werk, bei dem Mingus offenbarte, dass es sich um ein Tonpoem handelt. Das Gedicht diktierte die Reise der Evolution eines Hominiden-Mannes vom Affen zum aufrechten Menschen, nur damit der Hominide sich aufgrund der menschlichen Natur selbst zerstört.

Mingus schuf auch das unglaublich charmante "A Foggy Day (In San Francisco)," in dem er genau das Bild mit Musik malt. Pfeifen blasen, Autos hupen und Sirenen läuten und schaffen ein malerisches Bild eines nebligen Tages in San Francisco. 1956 war das einfach noch nie gehört. Mingus war mutig, abenteuerlustig und kühn, so etwas zu versuchen. Die Schönheit des Stücks liegt darin, dass es kein Klischee ist und nicht billig wirkt. Man wird wirklich in eine andere Zeit und einen anderen Ort transportiert.

Es war während dieses Albums, dass Mingus wirklich mit der Art und Weise experimentierte, wie er Musik komponierte und schuf. Berichten zufolge komponierte er Soli und Kompositionen für seine Musiker basierend auf deren Persönlichkeiten und nicht ihren Fähigkeiten. Als Komponist, der traditionell die Teile auf Notenpapier diktiert, entschied sich Mingus, diese Form der Komposition abzulehnen und die Teile stattdessen nach Gehör zu diktieren, wodurch die Musiker sich frei ausdrücken konnten.

Dieses Album würde sich als Gründungsvater des improvisierten Jazz erweisen und vielen Musikern Tür und Tor öffnen und sie ermutigen, Musik zu schaffen, die konventionelle Musikalität in Frage stellt. Pithecanthropus Erectus legte musikalische Grundlagen, die das Genre für immer beeinflussen würden.

The Clown (1957)

The Clown ist ein Album, das mit Mingus’ improvisierter Form fortfuhr. Dennoch ist es dreist und hat eine so kühne Identität. Während dieses Albums erhebt Mingus den Anspruch, einer der größten Kontrabassisten und Komponisten zu sein.

Sein Solo während "Blue Clee" ist einfach herrlich. Es fühlt sich bluesig an, klingt roh und ist sofort verführerisch. Mingus fordert, dass Sie zuhören, dass Sie Notiz nehmen und dass Sie genießen. Mingus spielt mit ansteckender Zuversicht. Seine Fähigkeit, die Dynamik sowohl seines Instruments als auch seiner Band zu verändern, ist unübertroffen.

Dies wird erneut in "Haitian Fight Song" demonstriert. Eine Weile spielt Mingus allein. Es gibt ein gedämpftes Gefühl in seinem Solo. Es gibt einen Punkt, an dem die Musik ziellos wirkt, bis die Band wieder in das Lied einsteigt, dann erkennen Sie, dass Mingus die ganze Zeit wusste, wohin er ging.

„Reincarnation of a Love Bird“ war ein Stück, das ursprünglich nicht in Erinnerung an Charlie Parker komponiert wurde, aber nach einer Zeit des Ausarbeitens des Stücks kam Mingus zu dem Schluss, dass das Stück "Charlie" war. Wie Charlie Parker ist die Melodie eine lockere, unberechenbare und oft beunruhigende Komposition. Die Töne wechseln von flach zu scharf, das Tempo ändert sich von schnell zu träge. Es ist selbstbewusst, dann verwirrt. In Bezug auf Metaphern kommen Sie Charlie Parker nicht näher.

Der Titeltrack „The Clown“ ist bahnbrechend. Durchzogen mit sarkastischem Unterton, lässt der semi-improvisierte Track Sie von Anfang an unruhig fühlen. Das Lied wird von Jean Shepherd erzählt, der über einen Clown und dessen Wunsch nach Zuneigung und Akzeptanz spricht. Selbst wenn der Clown es schafft, die Menschen zum Lachen zu bringen, fühlt er sich immer noch erniedrigt. Obwohl Mingus als Musiker erfolgreich war, fühlte er sich immer, als würde er es vielleicht nicht nach seinen Bedingungen tun. Mingus war ein gequälter Mensch, der sich oft von den Einschränkungen und Barrieren, die durch Rasse, Klasse und Plattenlabels geschaffen wurden, kontrolliert fühlte. Selbst als er erfolgreich war, war Mingus nicht unbedingt glücklich. „The Clown“ ist ein Lied, das Ihnen die tiefsten und dunkelsten Einblicke in Mingus’ Psyche bietet.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um ist ein wunderbares Album. Obwohl es heutzutage üblich ist, machte Mingus 1959 harte politische Aussagen zu Rasse und Segregation, die nur sehr wenige wagten zu machen. „Fables of Faubus“ war ein direkter Angriff auf den Gouverneur von Arkansas und seinen Widerstand gegen die Integration von neun afroamerikanischen Schülern in die Little Rock Central High School. Mingus war katatonisch kühn, so eine Aussage zu machen, kümmerte sich aber einfach nicht um gesellschaftliche Normen, die seiner Meinung nach den Kontext seiner Musik bestimmten. Tatsächlich hatten diese Regeln den entgegengesetzten Effekt, und Mingus wandte oft sein Unmut in seine Musik um, wie es in den „Fables of Faubus“ zu sehen ist. Die Melodie ist fast fröhlich, vielleicht sogar komisch und schafft eine ironische und fast zirkusartige Melodie, um den Gouverneur von Arkansas zu verspotten. Es ist eine freudige Schau des intelligenten Hasses.

„Goodbye Pork Pie Hat“ war ein Tribut an den verstorbenen Lester Young und ist eine langsame, brooding Melodie, die erneut das Genie von Mingus zeigt, wenn er hinter seinem Kontrabass steht. Es ist ein reichhaltiges musikalisches Angebot. Es ist harmonisch, sanft und weich. „Pussy Cat Dues“ ist von ähnlicher Art und bietet eine suave und alkoholhaltige Atmosphäre, während die coole Musik frei dahinschwebt.

Mingus Ah Um ist ein Album, das für seine Konsistenz und Persönlichkeit geschätzt wird. Während der Musikstil erheblich variiert, ist das Album voll und man fühlt sich am Ende jedes Songs zufrieden. Hören Sie von Anfang bis Ende, Sie haben es verdient.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus veröffentlichte dieses Album beim berüchtigten Candid Label, das ihm mehr kreative Kontrolle erlaubte als frühere Labels. Folglich durfte Mingus Gesang auf dem zuvor erwähnten "Fables of Faubus" aufnehmen, das neu aufgenommen und in "Original Faubus Fables" umbenannt wurde. Columbia Records weigerte sich, das Originallied mit Texten zu veröffentlichen, da diese von einer solchen inhärenten Feindseligkeit waren, dass Columbia sie als zu antagonistisch betrachtete, um damit in Verbindung gebracht zu werden. Während der Neuproduktion dieses Songs chanteten Mingus und seine Band, dass Gouverneur Faubus ein "Narr", ein "Nazi" und "krank" sei. Solche Heldentaten werden in den grellen Lichtern der Popkultur nur selten beobachtet. Das Lied selbst ist ein Meisterwerk wechselnder Rhythmen, alternierender Soli und geschmeidiger musikalischer Texturen. Es ist ein reduzierter Track mit einem semi-improvisierten Gefühl. John Handy und Shafi Hadi wechseln sich ab, um den Track mit üppigen Tenorsaxophon-Soli zu versehen, bevor die Musik abrupt stoppt und Mingus auf seinem Kontrabass die Hauptrolle spielt. Er spielt wütend, rutscht mit beabsichtigter Aggressivität über sein Griffbrett hoch und runter. Die Aggression und der Spott sind antagonistisch, was ein Vergnügen ist, es zu beobachten.

Das Vergnügen, das man aus Presents Charles Mingus ziehen kann, ist das zuvor erwähnte kreative Kontrollgefühl. „What Love“ ist das Werk des phänomenalen Quartetts, das Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson und Dannie Richmond umfasst. Das transzendente Musikerhandwerk wird durch die Freiheit provoziert, die Mingus ihnen bietet. Mingus leitete die Band mit seinem Bass und erklärte, dass sie frei seien, die Musik zu schaffen, die sie wollten, sich jedoch nach dem, was er auf seinem Kontrabass spielte, rhythmisch und tonal anpassen müssten. Jeder Musiker nimmt nacheinander die Gelegenheit, ein Solo zu improvisieren, wodurch eine unverwechselbare Komposition entsteht. Von all Mingus’ Werken ist dies ein herausragendes Stück einzigartiger Improvisation. Das gesamte Album ist ein kreatives Meisterwerk.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots ist ein kraftvolles, mitreißendes Album. Inspiriert von Blues, Gospel und Soulmusik erklärte Mingus in den Linernotes, dass er dieses Album kreiert hat, um Kritikern, die sagten, er würde nicht genug swingen, entgegenzutreten. Wenn Charles Mingus in die Enge gedrängt wurde, kam er oft mit voller Kraft heraus. Mit Blues and Roots war dies ziemlich wörtlich der Fall.

Ohne Zweifel macht Mingus seinen Punkt von der ersten bis zur letzten Note. Blues and Roots swingt hart und strotzt vor Soul. „Wednesday Night Prayer Meeting“ ist roher Blues in seiner besten Form. Die Band hält das Tempo im vollen Schwung, während Horace Parlan mit imposierender Autorität auf dem Klavier spielt. Die Band wechselt sich damit ab, den Blues zu spielen, und klingt frisch und verfeinert, zugleich reduziert und einzigartig.

Pepper Adams ist besonders produktiv auf diesem Album, wobei sein Baritonsaxophon ein erdiges Gefühl in die Bläser bringt, das den Blues in der Musik wirklich heraufbeschwört. Dies ist besonders ausgeprägt während „Cryin’ Blues.“ Pepper Adams bietet der Band ein Rückgrat und reißt ein tiefes und bassig klingendes Baritonsaxophon-Riff. Die Tenöre Jackie McLean und John Handy fügen sich beeindruckend mit Pepper Adams zusammen und vereinen sich, um Lärm zu verursachen.

Es ist schwer, jeden Track zu isolieren und zu wählen, warum er brillant ist. Blues and Roots ist eine Reise, also gehen Sie mit ihr und genießen Sie die Fahrt.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah bietet das, was man als eine All-Star-Blechbläserbesetzung betrachten könnte. Der Cocktail aus Booker Ervin und Roland Kirk ist phänomenal, und der Zuhörer hat es schwer, eine bessere Blechbläserkombination als diese zu finden.

„Devil Woman“ ist ein Cocktail, geschüttelt mit der obigen Blechbläsersektion und schafft ein weiches und erdiges Jam, das Blues und Post-Bop gleichermaßen bietet. Es ist ein verlockendes Stück, bei dem Mingus diesmal am Klavier führt. Die Tasten fallen wie Regentropfen herab und werden von der großartigsten Blechbläserkombination der Welt begleitet. Roland Kirk und Booker Ervin bieten später individuelle Soli, die im Mund schmelzen. Die Soli sind sanft und jede gespielte Note perfekt. Weniger ist mehr, so sagt man.

Wenn Sie schön entspannt sind, ändert sich das Tempo mit „Wham Bam Thank You Ma’am.“ Dies ist ein Hard Bop in seiner besten Form. Die Band schlägt einen schnellen Beat an, angeführt von einem animierten Mingus, der während des gesamten Tracks schreit. Roland Kirk schlägt erneut ein wütendes Solo, während Mingus ihn anfeuert. "Ja, Roland!" schreit er. Man kann nicht anders, als es auch zu tun. Es bringt einen wirklich in Schwung.

Das Gleiche könnte man über „Eat That Chicken“ sagen. Diese Melodie ist ein weiterer fröhlicher Bop-Klassiker. Man kann nicht anders, als den Kopf zu nicken und umher zu tanzen, egal was man gerade tut.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods ist die Wörterbuchdefinition von organisiertem Chaos. Das Album enthält „Ysabels Table Dance“ und es sei gesagt, dass kein Lied einen perfekten Titel hatte. Das Tempo dieses Titels lässt Ihren Kopf schwirren. Zunächst bricht „Ysabels Table Dance“ in ein Chaos aus, nur um sich zu verlangsamen und einem opulenten Curtis Porter-Solo Platz zu machen. Aus dem Nichts beschleunigt sich das Tempo wieder und das Chaos bricht aus. Ysabel Morel an den Kastagnetten verdient eine Erwähnung, denn ihre Kastagnetten sind ein besonderes Highlight während dieses Songs. Der zirpende Klang der Kastagnetten tritt in den Vordergrund der Anarchie mit ihrem fesselnden und unersetzlich einzigartigen Sound. Seien Sie gewarnt, diese Musik könnte Sie auch dazu ermutigen, selbst an einem Tischtanz teilzunehmen.

Die Schönheit dieses Albums ist die Metamorphose vom Chaos zum Unbeirrbaren, vom Kampf zum Kuss. Vielleicht verkörpert dies Mingus’ bipolare Diagnose perfekt. „Flamingo“ ist der abschließende Track und ein schmusiger, umherirrender Abschluss. Bill Triglia spielt leise auf dem Klavier, während Clarence Shaw auf seiner Trompete wailt. Das Duo ergänzt den Spielstil des jeweils anderen und schafft eine samtige Atmosphäre zum Dahinschmelzen. Es ist ein unübertroffener Abschluss für ein Album. Es ist ein Kaffee nach einem großen Essen; es ist eine Zigarette nach dem Sex.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Ähnlich wie Mingus Ah Um wurde The Black Saint and the Sinner Lady mit Ehrfurcht aufgenommen. The Black Saint and the Sinner Lady ist ein schroffer und streitbarer Kunstwerk. Es könnte argumentiert werden, dass dieses Big Band-Album in den Bereich des Avantgarde fällt und dabei die Eigenschaften eines traditionellen Big Band-Albums wahrt.

Mingus nahm dieses Album mit einer Vielzahl talentierter Musiker auf, darunter Booker Ervin am Tenorsaxophon, und die Arrangements wurden von dem berüchtigten Bob Hammer erstellt. Diese Beziehung zu Hammer war von unschätzbarem Wert für Mingus’ persönliche musikalische Entwicklung. Er würde Hammer später als seinen "Beethoven" bezeichnen.

Ein herausragender Track wäre "Group Dancers." Jaki Byard legte die Grundlagen für dieses Lied mit zarten, sanften Klavierklängen. Es beginnt sanft, wobei Byard das Tempo des Tracks mit Autorität bestimmt. Nach Momenten, die wie Drift erscheinen, ändert sich das Tempo drastisch und die Bläser treten wie ein Stier im Porzellanladen in die Musik ein und zertrümmern alles, was in Sicht ist. In einem Augenblick beruhigt sich das Chaos und Jaki Byard bringt uns wieder auf den Boden der Tatsachen, indem er das Chaos aufräumt, das entstanden ist. Es ist großartig.

Die letzten drei Tracks dieses Albums werden zu einer Bewegung zusammengeführt und haben eine Gesamtlänge von 17 Minuten. Sie heißen „Trio and Group Dancers,“ „Single Solo’s and Group Dance“ und „Group and Solo Dance.“ Die drei Tracks sind eine lebhafte Mischung, die oft ins Chaos abdriftet, während die Bläser nach links und rechts fliegen. Die Big Band vereint sich, um einen riesigen swingenden Sound zu erzeugen, der Ihre Füße zum Stampfen bringt. Die Band bringt sich zu einem gewaltigen Höhepunkt, operiert in einem blitzschnellen Tempo, das man kaum mit den Füßen mitklopfen kann. Ehe man sich versieht, verlangsamt die Band das Tempo vollständig. The Black Saint and The Sinner Lady kann erschöpfend und dennoch unglaublich sein.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Einmal mehr mit Bob Hammer zusammentreffend, bietet Mingus ein eher reduziertes, lebhaftes Post-Bop-Album an. Obwohl eine Big Band auf diesem Album vertreten ist, fühlt sich Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus roher an als frühere Aufnahmen.

„II B.S“ zeigt Mingus’ kraftvolles Spiel am Kontrabass. Er zupft an seinen Kontrabasssaiten und legt eine feste Basslinie für die Band, die ein- und aussteigt, wenn Mingus es zulässt. Mingus hat die vollständige Kontrolle, wobei dieser Titel all seine bombastischen Fähigkeiten zur Schau stellt. „Better Get Hit in Yo’ Soul“ ist aus dem gleichen Holz geschnitzt und bietet das überirdische Eric Dolphy, der eine Blechbläsersektion anführt, die während dieses Stücks abhebt. Die Soli sind hell und spritzig, und die Band zeigt eine Synergie und Selbstbewusstsein, die nur durch Musiker gedeihen kann, die von Hammer und Mingus geleitet werden.

„Theme for Lester Young“ ist eine langsamere, schlafwandlerische Melodie. Sie ist elementar und von Charakter durchzogen. Von der ersten Note bis zur letzten fühlt man sich transportiert. Wenn sie beginnt, wird man sofort in eine verrauchte New Yorker Bar transportiert, und man trinkt ein Bier mit dem dearly departed Lester himself. Es war ein Lied, das in Erinnerung an Lester Young geschaffen wurde, und das hätte ihm gefallen.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus wird häufig übersehen, aber das sollte es nicht. Es ist ein selbstbewusstes, gut ausgefeiltes Post-Bop-Album, das Ihre Aufmerksamkeit verdient.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music ist ein feines Stück Orchestrierung und das, was Mingus als das "beste Album" bezeichnete, das er je gemacht hatte. Während dieses Albums arbeitete Mingus mit den Komponisten und Transkribierern Sy Johnson, Alan Raph und Hub Miller zusammen. Sie halfen Mingus dabei, eine wasserdichte Komposition zu erstellen, die einige der Drucke, die zuvor Mingus zu einem Zusammenbruch und einer anschließenden Pause von der Musik führten, mindern sollte.

Folglich war Let My Children Hear Music ein Album, das einen anderen Ansatz als andere Mingus-Alben verfolgte. Obwohl Mingus die Hauptverantwortung für die Musik hatte, gab es während dieser Aufnahme mehr Delegation und entsprechend Input von anderen Personen. Obwohl die geschaffene Musik für Mingus nicht von intrinsisch neuem Charakter war, boten die in der Postproduktion eingesetzten Techniken, die von Teo Macero durchgeführt wurden, den Zuhörern ein Mingus-Album, das mit neuen Techniken und Ideen produziert wurde. Teo Macero verwendete clever eine Mischung aus Überdubs, Geräuscheffekten und vorhandenen Samples, um ein Gefühl zu schaffen, das tief, blechig und dreist war.

„The Chill of Death“ ist sublim, fühlt sich mehr wie eine Filmmusik für einen Horrorfilm an als der klassisch geformte Bop-Track, den man erwarten würde. Das Streichquartett ist gespenstisch, während Mingus ein Gedicht über diese Streichinstrumente rezitiert, das einem eine Gänsehaut gibt.

„Hobo Ho“ ist ein magnetischer Schnappschuss eines Bop. Bobby Jones bringt auf seinem Tenorsaxophon so richtig Betrieb, während Joe Wilder und Lonnie Hillyer mit wilden Trompetensoli über einen 10-Minuten-Track zurückschlagen, der sich anfühlt wie Blechbläser in einem musikalischen Barfight. Die Orchestrierung dieses Albums ist wirklich so gut, und man hat das Gefühl, dass die Unterstützung eines so großen und undurchdringlichen Orchesters dem Solisten ein Selbstbewusstsein gibt, das ihre Fähigkeiten veranschaulicht.