Der Wert des Lebens und Hop Along

Ungezügelt besitzen Quinlans Vocals eine ausgeprägtere emotionale Qualität und hüpfen geschmeidig durch komplexe Melodien. Unterstützt von Tyler Long (Bass), Joe Reinhart (Gitarre) und Mark Quinlan (Schlagzeug) gelingt es dem Philadelphia-Quartett erneut, jegliche Genrezuordnung zu vermeiden — keine einzige Kategorie würde der Band gerecht werden. Hop Along spielt mit Math Rock, sich windenden Gitarrenlinien, spritzigem Schlagzeug und eleganten Streichern. Mit Zeilen, die zurückkreisen und atemlos aufbauen, fungiert Bark Your Head Off, Dog als Schlachtruf, der nicht auf eine bestimmte Zeit oder einen bestimmten Ort festgelegt werden kann. Das passt zu Hop Along. Und da die Vorstellung von Sand, der durch die Sanduhr rinnt, eine eindringliche ist, ist es entscheidend, dass die Band das Beste aus den Minuten macht, die sie hat. „Man muss in dieser Zeit auf eine Art und Weise bestehen, die es in der Jugend nicht gab“, sagt Mark Quinlan. „Es erhöht den Druck, mit seinen Fähigkeiten und der zur Verfügung stehenden Zeit das Beste zu geben, auf eine Art, die vorher nicht existierte. Es ist inspirierend, es ist auch ein bisschen beängstigend, aber zu lernen, damit umzugehen und gelassen zu bleiben, kommt mit dem Alter.“

VMP: Es gab viel Vorfreude und Hype um Painted Shut, aber jetzt haben Sie eine breitere Fangemeinde von diesem Album. Wie verändert das die Erwartungen an Bark Your Head Off, Dog?

Frances Quinlan: Es war wirklich schön, das Gefühl zu haben, dass wir auf dem aktuellen Stand sind. Als wir Painted Shut veröffentlichten, hatten wir nicht erwartet, dass der Erfolg so langsam und stetig kam. Wahrscheinlich war es das Beste, dass wir genügend Raum hatten, um zu machen, was wir wollten. Wir haben festgestellt, als es fertig war, dass die Leute bereit waren, es zu hören. Das ist das Beste, was wir uns wünschen konnten.

Offensichtlich denkt jeder mit dem Älterwerden nach — wie hat das die Entstehung dieses Albums geprägt?

Mark Quinlan: Ihre Zeit wird auf diese Weise kostbarer, weil sie für andere Menschen wertvoller wird — für die Menschen, um die Sie sich kümmern, Ihre Familie. FQ: Ich betrachte unsere Band als eine Art Familie, da wir so lange zusammen spielen. Das gilt für jede Zeit, die wir gemeinsam mit dem Songwriting verbracht haben. Wir wissen, dass die Zeit jedes Einzelnen begrenzt ist, also gab es auch dort einen größeren Druck. Was für diese Songs am wichtigsten ist, anstatt was unsere eigenen individuellen Vorlieben sind, ist es, sich mehr darauf zu konzentrieren, was die Songs benötigten. Wir haben nur eine bestimmte Zeit, um die Teile zu arrangieren und auszuarbeiten.

MQ: Es war nicht so, als würden wir sagen: „Hey Fran, komm runter in den Keller und wir jamen diesen Teil für das Lied.“

FQ: In den zwei Jahren, die wir [zum Schreiben] hatten, hatten wir etwa zwei Wochen dafür. Dr. Dog hat uns ihr Studio für zwei Wochen vermietet, also haben wir das getan. Ich bin in einen Raum gegangen und habe allein gespielt, dann kam jeder hinein und wir haben daran gearbeitet und eine Weile gejammt und dann haben wir alles wieder von vorne gemacht. Ich habe all das mit nach Hause genommen und versucht, einige dieser Ideen in vollständige Songs mit Anfang und Ende zu verwandeln, an denen wir wieder arbeiten konnten. Das war die einzige Zeit, in der wir die Möglichkeit hatten, herumzuspielen und zu sehen, was passieren würde. Danach waren wir wie: „Wir müssen das formen. Was wollen wir mit all diesen Teilen machen?“

Was war der Status der Songs vor dem Besuch im Studio?

FQ: Wir wussten, was wir wollten. Es gab certainly glückliche Zufälle und Entdeckungen beim Aufnehmen des endgültigen Stücks, aber wir hatten bereits Demos erstellt und viel darüber gesprochen, wie es sein musste.

MQ: Das war äußerst hilfreich.

FQ: Wir wollten all diese Zeit zum Aufnehmen nutzen und nicht alles herausfinden. Das hatten wir bereits getan. Wir wollten Zeit, um die Streicher und Backup-Vocals einzuarbeiten und alle Schichten auszugestalten, anstatt dass diese erst am Ende, wenn ein bisschen Zeit übrig war, hinzugefügt wurden, was in der Vergangenheit schon vorgekommen ist. Unsere Parts als Band können sehr anspruchsvoll sein. Ich bin froh, dass jeder bereits brillante Teile für sein Instrument geschrieben hatte.

Das Coole an Hop Along ist, dass diese Parts alles andere als vorhersehbar sind. Wie bilden sich die Melodien und Rhythmen in Ihrem Kopf?

FQ: Es dauert in der Regel sehr lange. Es gibt sehr wenige Songs, die schnell entstanden sind. Es gibt einige Songs wie „Somewhere A Judge“, der im Sommer 2016 ein ganz anderer Song war. Abgesehen von der Melodie ist es ein wirklich anderer Song. Und wir haben ihn erst etwa einen Monat vor den Aufnahmen geändert. Ich denke, ich war genervt und ich habe das, was ich im Refrain gespielt habe, minimiert, und alle haben darum herum gespielt, um diesen brillanten, tanzbaren Song zu kreieren. Durch das viele Zusammenspielen und die Offenheit, den Songs das zu erlauben, was sie benötigten, ist das etwas Neues für uns, uns zu erlauben, einen tanzbaren Song zu machen, anstatt alles, woran wir gewöhnt waren.

MQ: Wir waren viel eher in der Lage, dem Song so gut wie möglich zu dienen, statt auf unsere eigenen individuellen Stärken zu spielen.

FQ: Und Bequemlichkeiten. Die Tatsache, dass ich auf diesem Album nicht wirklich geschrien habe — wie vermittle ich jetzt ein Gefühl, ohne offensichtlich zu sein?

Sie haben in einem Interview aus dem Jahr 2016 gesagt, dass Sie es schwierig fanden, leise und emotional zu singen. Wie haben Sie neue Wege gefunden, Ihre Stimme auf diesem Album zu pushen?

FQ: Es ist ziemlich verrückt, ich hatte eine Gesangsstunde und wenn ich jetzt darüber nachdenke, war es nicht meine Absicht, nur eine zu nehmen. Ich ging zu Deb Chamberlin und sie gab mir diese Übungen und ich machte sie jeden Tag, an dem wir aufnahmen, und es war eine große Hilfe, meine Stimme zu dehnen und bereit zu sein, alles zu tun, was getan werden musste, damit ich nicht so stark drücken musste. Es machte es geschmeidiger, melodisch mit Leichtigkeit zu arbeiten, was ich in der Vergangenheit nicht erlebt habe.

Wie gehen Sie durch den Songbearbeitungsprozess?

FQ: Es ist so schwierig. Wir sind sehr intensiv im Editieren, und das ist das Gute daran, vier unterschiedliche Sensibilitäten in einer Gruppe zu haben — das Editieren ist immer ziemlich rigoros. Während ich bei etwas sehr wertvoll bin, wird jemand anderes es in Frage stellen und sagen: „Muss das wirklich da sein?“ Dann muss ich tatsächlich darüber nachdenken, was für mich schwierig ist, da ich an Zeilen hänge. Ich musste Zeilen jahrelang beiseitelegen, bis sie in etwas Sinn machten. Tatsächlich ist „Bark your head off, dog“ eine Zeile aus einem Song, an dem wir 2013 gearbeitet haben und den wir fallen gelassen haben. Ich konnte sie schließlich in den Song „Look Of Love“ bringen, zusammen mit der Bridge, die tatsächlich ein Teil dieses alten Songs ist. Offen zu sein für „Nun, nur weil es hier nicht funktioniert, wenn es eine gute Zeile ist, wird sie zurückkommen.“ Es ist schwierig, sich daran zu erinnern. Wenn man an etwas arbeitet, ist man die einzigen Leute, die darüber Bescheid wissen, und es kann alles sein, bis zu dem Moment, in dem man es übergibt.

Was war bedeutend an dieser Zeile, die sie Jahre später zurückbrachte?

FQ: Ich habe immer gemocht, wie visuell und fast cartoonhaft es ist, und gleichzeitig gibt es dort eine Gewalt. Ich habe immer gedacht, es wäre cool, es zu verwenden. Es deutet auf viel hin, ohne so viel sagen zu müssen. Es ist schön, dass manche Zeilen erst ein paar Jahre später an ihre Kraft erinnern, und man sie wieder liest und denkt, dass man immer noch etwas dazu fühlt.