Das neue visuelle Album von Washed Out behandelt die intensive Hyperstimulation von heute

Es handelt sich ebenfalls um ein visuelles Album – zum Album, das etwas über eine halbe Stunde dauert, gehört ein vollständiges Set von visuellen Inhalten, die den Fokus der Musik spiegeln, der darin besteht, sich nicht konzentrieren zu können. „Musik spielt eine große Rolle dabei, mich glücklich zu halten und mich davon abzuhalten, durchzudrehen“, verkündet eine körperlose Stimme, die Greene in seine mit Sonnencreme beschmierte Psychedelia webt und eine mögliche Methode anbietet, um gegen den Wahnsinn anzukämpfen. Wo previous Washed Out Musik auf gute Vibes fokussiert war, fühlen sich die sonnengetränkten Klänge hier wie ein bewusster Versuch an, eine immer näher rückende Dunkelheit abzuwehren – stressige Themen werden ruhig besungen, durchzogen von einem Gefühl der Gelassenheit und Anmut. Es könnte die Washed Out-Platte mit der am besten entwickelten Perspektive sein, und das nicht nur, weil sie tatsächlich eine Perspektive hat. Jetlagged und frisch von einer Reise aus Europa sprach ich mit Greene telefonisch aus seinem Heimstudio in Atlanta, Georgia.

VMP: Sie haben sich von Sub Pop getrennt, nachdem Sie zwei Platten mit ihnen veröffentlicht haben. Mister Mellow wurde von Stones Throw Records veröffentlicht, einem Label, das für seine beat-orientierten Künstler bekannt ist. Wie sind Sie mit ihnen in Kontakt gekommen?

Ernest Greene: Ich war schon lange ein großer Fan des Labels. Ihre Künstler waren über die Jahre ein großer Einfluss auf mich, und einige meiner Lieblingsplatten wurden bei Stones Throw veröffentlicht. Auf irgendeiner Ebene war es schon immer ein Traum für mich, mit ihnen zu arbeiten, und Mister Mellow schien mir Eigenschaften zu haben, die es mit ihrer Ästhetik und den Platten, die sie normalerweise herausbringen, in Einklang bringen. Sobald ich mit meinem vorherigen Plattenvertrag abgeschlossen hatte, fühlte es sich einfach richtig an. Obwohl sie überwiegend als Hip-Hop-Label bekannt sind, haben sie in den letzten Jahren auch diverse Platten veröffentlicht. Für mich veröffentlichen sie viel Musik, die ich mag, und ich fühlte, dass diese Platte dort gut passen würde.

Wie war es, wieder ein Freigeist zu sein?

Ich habe die Platte selbst zusammengestellt, und nachdem sie fertig war, habe ich sie Stones Throw vorgespielt. Ich spielte sie auch ein paar anderen Labels vor, aber Stones Throw war immer ganz oben auf meiner Liste. Der seltsamste Teil, ein Zuhause für die Platte zu finden, basierte darauf, dass ihr Sound ein wenig anders und vielleicht etwas unkonventioneller war als die vorherigen Washed Out-Platten. In vielerlei Hinsicht ist sie viel experimenteller als alles, was ich zuvor gemacht habe, daher war ich mir nicht sicher, wie sie aufgenommen werden würde, als ich begann, sie den Leuten vorzuspielen. Es hätte anders sein können, wenn es eine unkomplizierte Popplatte gewesen wäre – Labels könnten einfach über Marktpotential oder ähnliches sprechen. Ich empfinde dies als eine Art seltsame Platte, daher fragte ich mich, ob Labels interessiert wären oder nicht. Glücklicherweise war die Resonanz positiv, und das war eine große Erleichterung. Aber es gab eine Phase, die definitiv ein wenig nervenaufreibend war.

Was war die Inspiration, Mister Mellow zu einem visuellen Album zu machen?

Von sehr früh im Prozess an waren visuelle Kunst und bestimmte Arten von Animationen wirklich einflussreich für mich, als ich die Musik für die Platte zusammengestellt habe. Besonders eine vintage-experimentelle Animation aus den 60er und 70er Jahren mit diesem rohen, collagierten Gefühl hat mich wirklich inspiriert. Wenn ich auf die vorherigen Platten, die ich gemacht habe, zurückblicke, wurden sie in traditioneller Weise im Studio versehen, wo ich versuchte, die Tonaufnahme so sauber und makellos wie möglich zu machen, aber auch einen Klang zu erzeugen, der so breit und voll wie möglich war. Bei diesem Projekt war die Idee, das komplette Gegenteil davon zu tun. Ich wollte, dass es sich wie eine grobe Skizze anfühlt, die fünf Minuten zum Zeichnen benötigt. Ich wollte, dass es roh und spontan wirkt. Ich ließ diese Art von Atmosphäre den Weg mit dieser Platte weisen. Es war ein frischer Ansatz für mich, und ich mochte die Idee, ein wenig schlampig zu sein, als ich diese Songs zusammenstellte, vielleicht hier und da ein wenig aus dem Takt, was zum etwas chaotischen Gefühl einiger Tracks beiträgt. Sobald ich tiefer in den Prozess eintauchte, hatte ich den „A-ha!“-Moment, als ich realisierte, dass ich einfach die Klänge und die visuellen Elemente, die sie inspirierten, zusammenbringen sollte.

Dies ist ein Standbild aus dem Song "Burnout Blues" auf dem visuellen Album.

Wie haben Sie die Kollaborateure für den visuellen Teil des Albums gefunden?

Ich hatte eine Liste von Animatoren, deren Arbeit ich sehr mochte und die ich schon eine Weile in sozialen Medien verfolgte. Ich habe sie kontaktiert und eine wirklich tolle Resonanz bekommen. Das Schöne ist, dass sie alle sehr unterschiedliche Stile haben und sogar in sehr unterschiedlichen Bereichen der Animation arbeiten, aber ihre Arbeiten haben alle diese handgemachte Qualität, diese menschliche Qualität, die ich fühlte, dass sie gut mit der Musik, die ich gemacht habe, harmonierte. Und ich denke, dass beide Seiten des Projekts die andere auf interessante Weise verstärken.

Welche Richtlinien, falls vorhanden, haben Sie den Künstlern gegeben, die an den visuellen Inhalten des Albums arbeiteten?

Ich hatte eine grobe Sequenz für das Album, als ich anfing, Leute zu kontaktieren und zu fragen, ob sie Teil der Platte sein wollten. Ich hatte auch ein Bauchgefühl, welche Songs mit welchen Animatoren basierend auf ihren Stilen funktionieren würden. Ich wies ihnen einen Song zu, und dann hatten wir eine kurze Diskussion darüber, was der Song für mich bedeutete und mögliche Ideen für den Ansatz der visuellen Elemente, weil ich eine allgemeine Vorstellung davon hatte, wie ich wollte, dass das Album aus visueller Sicht fließt. Es gibt keine wirkliche lineare Erzählung, sondern eher ein Gefühl, das alles miteinander verbindet. Und das Coole ist, dass jeder der Künstler einen so einzigartigen Stil hat, und da ich ein großer Fan ihrer Arbeiten war, hatte ich nichts dagegen, sie quasi machen zu lassen, was sie wollten. Ich denke, sie schätzten die Freiheit, die sie hatten. Normalerweise, wenn sie für eine kommerzielle Aufgabe beauftragt werden, ist es selten, dass sie ihr eigenes Ding machen können, und ich denke, das Projekt hat einige wirklich besondere visuelle Inhalte hervorgebracht, weil sie Raum hatten, sich auszuleben.

Wie war Ihre Reaktion, als Sie zum ersten Mal die visuellen Inhalte von jedem Künstler zurückbekamen?

Ich habe in der Vergangenheit Videos auf eine traditionellere Weise gemacht, wo es Schauspieler gibt. Und in diesen Fällen gibt es eine gewisse Spielraum in der Bearbeitung eines Projekts wie diesem. Man kann mehrere Bearbeitungsdurchgänge machen, bei denen viele unterschiedliche Perspektiven ihre Meinung äußern und sich Dinge ändern können. Aber die Art der Animation, die hier für die visuellen Inhalte verwendet wird, ist so zeitintensiv und prozessorientiert, dass es nur sehr wenig Feedback gibt, das man während des Prozesses geben kann. Das Endprodukt ist in vielen Fällen ziemlich genau das Endprodukt. Es war wirklich aufregend und auch ein wenig nervenaufreibend, auf diese Videos zu warten und zu sehen, was die Animatoren sich ausgedacht hatten. Und ich war froh, dass ich in allen Fällen überwältigt und überrascht von dem war, was diese Künstler sich hatten einfallen lassen, und ich finde, dass sie viel zur Musik beitragen.

Es gibt ein wiederkehrendes Thema im Album, das von einer Überstimulation und Überlastung durch ständigen sensorischen Input handelt.

„Sensorische Überlastung“ ist ein Begriff, den ich in letzter Zeit quite oft benutze, um das, was im Alltag passiert, zu beschreiben. Zwischen Familie, Freunden und Arbeit habe ich das Gefühl, wir haben sehr wenige Momente zum Atmen, und zusätzlich dazu, mit sozialen Medien und Nachrichtenströmen, arbeiten unsere Gehirne ständig. Ich liebte die Vorstellung, dass die Musik und die visuellen Elemente dieses Gefühl spiegeln könnten. Es gibt so viele Schichten in beiden. Und ich finde es witzig, dass dies mein kürzestes Album aller Zeiten ist – gerade etwas über eine halbe Stunde – denn ich habe das Gefühl, wenn es länger gewesen wäre, wäre es zu viel geworden! Man müsste eine Pause einlegen. Mit den visuellen Elementen gibt es nur sehr wenige Momente der Pause, da es wie ein Mixtape fließt. Man hat nie wirklich die Gelegenheit, durchzuatmen.

Wie gehen Sie persönlich mit der Hyperstimulation von heute um?

Glücklicherweise ist Musik in dieser Hinsicht hilfreich für mich. Den Prozess der Musikproduktion mache ich schon so lange, dass ich, wenn ich mich hinsetze und arbeite, in eine Zone komme, in der man nicht einmal mehr nachdenkt, sondern in Echtzeit agiert, und das hat mir extrem geholfen, die restlichen Millionen von Dingen, die um meine Aufmerksamkeit wetteifern, auszublenden. Aber sich von der Welt zu entfernen, war für mich wichtig. Ob es an Wochenenden oder abends hier und da ist, ich versuche, mich zurückzuziehen und ein Buch zu lesen oder etwas zu tun, um einen Schritt zurück von all den Reizen zu machen, die uns ständig bombardieren.