Zor Seçimler ve Zor Aşk: Strand Of Oaks’tan Timothy Showalter ile Bir Sohbet

Strand of Oaks'ın eski albümlerini bilenler için, Showalter'ın coşkusu şaşırtıcı gelebilir. Yıllarca Dark Shores ve Pope Killdragon gibi bulanık, akustik ağırlıklı kayıtlar yayımladı; bu kayıtlar bir tür kasvetli günlük itirafları gibiydi. 2014 çıkışlı HEAL albümünde ise elektrikli gitarlar ve distortion kullanarak kişisel trajedilerini keşfetmek için müziği bir çıkış noktası olarak kullanıyordu: evlilik sorunları, onu evsiz bırakan bir ev yangını, ölümcül bir araba kazası ve evden çıkmak istememenin verdiği düşük ruh hali. Ancak son albüm Hard Love'ın kapak fotoğrafına bakınca bile bir değişiklik olduğunu görmek kolay. HEAL'da, yeşil tonlarla yumuşakça gözyaşları döktüğü ve kırılgan olduğu halleri görülüyordu. Hard Love'da ise, gülümseyen, aviator gözlükleri takan ve floresan pembe bir çerçeveyle çevrili bir hali var. Ne değişti?

Showalter, “Bir süre sonra kalbi kırık sakallı adamdan oldukça bıkmıştım,” diyor. “Bu albümlerden epeyce birikti, biraz değişiklik yapmam gerektiğini fark ettim.”

Showalter hala sakalını koruyor ve yeni albümde bol miktarda kalp kırıklığı bulunuyor; özellikle “Cry” adlı şarkı, belki de şimdiye kadarki en kırılgan baladı. Değişen, hayata ve dolayısıyla müziğe yaklaşım tarzı oldu. Showalter, HEAL'ı anlatması gereken bir hikaye olarak tanımlıyor; bu da müziğin, özenle işlenmiş sözlerini desteklemek için bir yapı olarak işlev gördüğü anlamına geliyor. Hard Love ise tamamen dürtüler etrafında düşünüldü.

“HEAL, bana güven kazandıran bir albümdü; Hard Love ise istediğim albümü yapmak için kendimi rahat hissediyorum,” diye açıklıyor. “HEAL oldu olduğunda, aç, psikolojik olarak açlık çeken biriydim. Daha iyi dengelendiğimi sanmıyorum. Sadece daha fazla risk alıp daha da bilinmeyene doğru ilerlemek için daha rahat hissettim ve bu harika çünkü niyetiniz olmadığında en iyi şeyleri bulabilirsiniz.”

Bu ve Üst Fotoğraf: Maclay Hariot

Sözleri HEAL'da olduğu kadar titizlikle planlamamış olabilir, ama yaşam deneyimlerini albüme aktarmaktan kaçınması mümkün değildi. Showalter, albümü yazmaya başladığında, dünya çapında turneye çıkıyordu. Yeni insanlarla tanışmak, farklı ülkelerde parti yapmak ve çaldığı kitlelerin heyecanını yaşamak. Festivallerin aşırılıklarına kapılmayı, grup arkadaşlarıyla sahalarda gevezelik etmeyi ve “kimyasalların” doğru karışımıyla performans sergilemeyi anımsadığında sesi tutkulu bir şekilde yükseliyor. Aynı adamın bu seviyede bir neşe ve yaşam sevgisi yayması, etkileyici HEAL'ı yazan kişiyle hayal etmek zor. Derin yaralarını açan bir albümün, hayatının en coşkulu zamanlarına yol açtığını söylemek ironik bir şekilde çarpıcı.
HEAL, acımasız dürüstlüğüyle izleyicilerle bağ kurdu. Yeniden anlattığı tam deneyimler ona özgü olsa da, arka planındaki duygular evrensel bir çekicilik taşıyordu. Kayıplarına rağmen hâlâ ilerlemeye devam etmesi, özellikle neşeli canlı performanslarını görebilenler için ilham vericiydi.

Dünyayı gezme ve müziğini daha geniş kitlelere ulaştırma fırsatı heyecan verici olsa da, Showalter genellikle kendisini iyi hissetmek ve harika deneyimler yaşadığı için suçluluk eğiliminde olduğunu itiraf ediyor. Bu kez, pişmanlıkla kendini kapatmak yerine, kasıtlı olarak bu zihniyetin önüne geçmeye ve bunları utanmadan hissetmeye çalıştı. Eve geri döndüğünde, tüm bu enerjiyi şarkılarına dâhil etmeye çalıştı.

“Bence albümdeki ana karakter, tam anlamıyla hayatı deneyimlemek ve oldukça uyarıcı bir hayat yaşarken neler olduğunu anlamak ve bunları evdeki bir ortakla, sevdiğin bir eşle dengelemeye çalışmanın getirdiği iniş çıkışlar etrafında şekillendi,” diyor. “Bazen gerçekten sapmam gerekiyordu ve diğer zamanlarda yeniden güçleniyordu. Bu dengeyi anlamaktı.”

Bu düşünce Hard Love'ın isimlendirilmesine ve amorf başlık parçasına sızıyor. Showalter, bir defasında aldığı bir öğüdü hatırlıyor: “Hayatla ilgili yalnızca iki kararın var: bu kararı korkudan mı yoksa sevgiden mi yapacaksın?” Bunun aslında sık sık düşündüğü bir şey olduğunu belirtiyor.

“Karar vermesi zor – bu yüzden ‘zor sevgi’,” diyor. “Ancak buna değer. Küçük şeyler, mesela, gitar soloları çalmayı seviyorum ama gitar çalma konusunda Jason Isbell değilim. Hiçbir ölçüde bir virtüöz değilim, ama yine de gitar çalmayı seviyorum ve yanlış notalar basabilirim ve akor isimlerini bilmiyor olabilirim, ama bunun bir parçası. Gitar çalmaktan bir ilişkiye geçmek. Mümkün olduğunca iyi bir eş ve arkadaş ve evlat olmak istiyorum, ama sürekli hatalar yapıyorum. Hepimiz gibi. Bu sadece genel bir yaşam felsefesi.”

“Ve muhtemelen seksle ilgili de,” diye gülerek ekliyor.

Kayıt için şarkılar yazmaya başladığında, Showalter fiziksel hislere öncelik verdi, bir anlatı düşünmek yerine müziğin kendisinden doğan duygulara daha fazla odaklandı. Şarkıların çoğu sadece gitar çalarak başladığını ve şarkı sözlerini düşünmediğini söylüyor. Onun için müzik yaparken dans edebileceği, gülümseyebileceği veya genel olarak duygularını ifade edebileceği müzik yapmak daha önemliydi; duygusal olarak içe dönük bir süreçten ziyade.

İstediği sesi yakalamak adına, Showalter New York'a gidip, çalıştığı en lüks stüdyolardan birinde stüdyo zamanı ayarladı ve prodüktör Nicolas Vernhes (Steve Gunn, Run The Jewels) ile çalıştı.

Böylesine lüks bir stüdyoda çalışırken, Showalter, “kitaba uygun” bir albüm yapması gerektiğinden endişeliydi. Ancak, Vernhes'in kendine has dürtüselliği sayesinde tersi oldu. Showalter, Vernhes'in rolünü daha çok bir kolaylaştırıcı ve “iyi anlamda aldatıcı” olarak tanımlıyor. Vernhes, stüdyonun gevşek ruhunu yakalamanın yollarını aranmaya devam ediyordu. Bir keresinde, grup şarkılar üzerinde ısınırken ve ekipmanı yerleştirirken, Vernhes gizlice her şeyi kaydediyordu. Bu şekilde “Everything” parçası albümde göründüğü şekilde oluştu, ritim gitar ve davullar sadece bir davul mikrofonu ile kaydedildi. Hiçbir amplifikatör mikrofon bile kullanılmadı. Bu tür aceleci, asi tarz, Showalter'ın aradığı sesi ortaya çıkardı.

Stüdyodaki bu spontaneite, albümün en kasvetli parçalarından bazılarına da uzandı. Daha önce bahsedilen “Cry”, sadece piyano ve düşük ambient seslerin eşlik ettiği Showalter'ın sesiyle süslenmiştir. Şarkıyı ilk başta stüdyoda getirirken ise, Mojave 3 şarkısı gibi, kalın ve yankılı bir balad gibi olduğunu söylüyor. Şarkıya hak ettiği stripped-down muameleyi vermek için kendi maksimalist eğilimlerine karşı savaşmak zorunda kaldı. Showalter, canlı performans odasında camın arkasında kayıt yapmak yerine, şarkıyı arkadaşları ve grup arkadaşlarıyla dokunulma mesafesinde ve ışıklar kapalıyken miksaj odasında kaydetmeyi tercih etti. Şarkının tonu, Showalter'ın sesi için çok yüksek ve sesi belirli zamanlarda detone oluyor, ama bunu bu şekilde istedi. Sesinin yumuşak piyano akorları etrafında esnemesi ve dolaşması, samimiyeti artırıyor. Şarkının sonunda büyü bir gitar akortları ve stüdyo konuşmaları, eşi Sue ile yaptığı bir telefon görüşmesi dahil olmak üzere bozuluveriyor (o sırada habersiz). Parçanın çıplaklığından bir tür çözülme ama dinleyici önünde parçalandığı için doğal hissettiriyor.

Showalter her zaman açıkça bir hisse sahip olmuştur. Saatlerce plak yığınları karıştırarak zaman geçirecek gerçek bir fanatik. Gençken, kim olduğunu bilmediği grupların plaklarını Secretly Canadian etiketiyle posta ile sipariş ederdi. Bir çocukken bir GAP reklamında bir şarkı duyduğunu, satıcı hattını aradığını ve Red House Painters'ın “All Mixed Up” şarkısı olduğunu öğrenene kadar operatörden operatöre geçtiğini hatırlayabiliyor.

“Müzik yapmadığımda hobim plak toplamak,” diyor. “Bu, duyguları açığa çıkaran şeyim, terapi olarak gördüğüm şeyim ve müziğin diğer tüm güzel şeyleri yapan şeyim. Bunun da bir parçası olarak, müzik hakkında konuşmanın doğal olduğunu düşünüyorum.”

Sadece bir konuşmamızda bile Songs: Ohia, The Replacements, Nirvana, Arcade Fire, Bruce Springsteen, Radiohead, The Rolling Stones, vs. hakkında isimler verir. Showalter ile konuşmak, bir arkadaşla bira içmek ve Ritual De Lo Habitual'ın en iyi Jane’s Addiction albümü olup olmadığını tartışmak gibidir (Showalter, evet diyor, bu konuda). Bu tanıdık coşku, bir varlık ve her zaman samimi hissetmektedir.

Maclay Hariot

Tüm bu temalar – dürtü, şeffaflık ve nostalji – albümün son parçası olan sekiz dakikalık psikodelik bir opus olan “Taking Acid And Talking To My Brother”da doruğa ulaşıyor.

“Turnede oldukça çılgın bir hayat yaşıyordum. Şarkılar yazıyor ve her şeyi yapıyordum,” diyor. “Ve sonra bir gün annemden gelen bir telefonla, 'hemen eve gelmelisin' dedi.”

Kardeşi Jon, kalp krizi geçirmiş ve tıbben komadaydı. Showalter, ailesiyle birlikte hastanede toplandı. 27 yaşındaki kardeşi hastane yatağında yatarken, Showalter yanına oturdu ve ona Pink Floyd’un 'Comfortably Numb' ve diğer favori şarkılarını çaldı. Neyse ki, Jon ayılabildi ve uyandı.

“Bunu asla tam anlamıyla anlatabileceğimi sanmıyorum,” diyor Showalter. “En garip şey, bana olmamış olması ve küçük kardeşimin hiçbirini hatırlamıyor olmasıydı. Kardeşim bu korkunç durumu yaşamak zorundayken, tam anlamıyla neden olduğunu anlamadan gerçekten çok ağırlaştığında hayatın psychedelic olduğuna benzer olduğu hissini en iyi tarif ettiği için 'Taking Acid' dedim.”Parçada, “Jon, sen ışıktan yapılmışsın / Jon, sen gerçeksin / Uyan ve her şeyi gör / Her şey / Ve her şeyi yeniden yaşa.” gibi birçok bölümde ismini anıyor. Her bir gitar teli ve yağmur sesi, şarkının üzerine yoğun bir sis tabakası oluşturur. Showalter'ın sesi uzaktan yankılanır. Titreşir, sürünür ve sonunda patlar.

“Bu yazdığım en iyi şarkı, çünkü niyetimi müzikal anlamda takip etme konusunda en yakın olduğum an bu,” diyor. “Gelişme şekli, grubun çalımı, bağırdığım an; tümü o kadar filtresiz ki sanırım bu benim en gurur hitabım.”

Bu, özellikle kendisinin olmayan bir dürtüye teslim olma isteği, Showalter’ın baştan beri aradığı şeydi. Bozulmanın sessizliğe dönüşmesiyle, Showalter’ın yaratmayı amaçladığı eserin bir teyidi.’