'ทุกอย่างคือทุกอย่าง' ได้รับการนำเสนอโดยอัจฉริยะที่ไม่มีวันสิ้นสุดของ Donny Hathaway

ในชีวิตที่อีกครั้งหนึ่ง ดอนนี เอ็ดเวิร์ด ฮาธาเวย์ อาจจะไม่มีวันข้ามเข้าสู่ดนตรีเชิงพาณิชย์ เกิดในชิคาโก ตอนอายุสามปีมารดาของเขาส่งเขาไปที่เซนต์หลุยส์เพื่ออาศัยกับคุณยายของเขา มาร์ธา เครัมเวลล์ หรือชื่อเล่นว่า พิตต์ส เธอร้องเพลงกอสเปลและเล่นกีตาร์ในโบสถ์แบ๊บติสต์ ทรินิตี้ โดยเลี้ยงดูหลานชายของเธอในประเพณีเดียวกัน โดยให้เขาถืออูคูเลเล่ในมือเล็กๆ ของเขา ตอนอายุสี่ปีพวกเขาเริ่มเดินทางไปกับฮาธาเวย์ในฐานะ “ลิตเติ้ล ดอนนี พิตต์ส … [นักร้องกอสเปล] ที่อายุน้อยที่สุดในประเทศ” แม้จะยังคงทำกิจกรรมด้านดนตรีในโบสถ์ แต่เขาก็ไม่ได้มุ่งหมายที่จะมีอาชีพในการบันทึกเสียง แต่สิ่งนี้จะเปลี่ยนแปลงหลังจากที่เขาเรียนจบมัธยมในปี 1964 และเริ่มเรียนที่มหาวิทยาลัยฮาวาร์ดด้วยทุนการศึกษาในด้านดนตรี。

ในชีวิตที่อีกครั้งหนึ่ง ฮาธาเวย์อาจจะจบการศึกษาจากฮาวาร์ดในฐานะครูดนตรีและดำเนินชีวิตที่สงบในอาชีพการสอน อย่างไรก็ตาม ในมหาวิทยาลัย เขาจะได้สร้างมิตรภาพที่เปลี่ยนแปลงชีวิตทั้งในด้านอาชีพและส่วนตัว ที่นั่นเขาได้พบกับภรรยาในอนาคตของเขา ยูลาลาห์ แวน นักเรียนเสียงคลาสสิกจากเวอร์จิเนียใต้ เพื่อนร่วมห้องของเขาคือนักเรียนทันตกรรมจากนวร์ก เลอรอย ฮัดสัน โรเบอร์ต้า แฟล็ค เป็นนักร้องที่มีความฝันจากอาร์ลิงตันใกล้เคียงในขณะที่แฮโรลด์ วีลเลอร์ ผู้กำกับดนตรีที่ชนะรางวัลโทนี่ในอนาคต ก็เช่นเดียวกับฮาธาเวย์ มาจากเซนต์หลุยส์

จากนั้นก็มีพาวเวล นักเล่นกลองจากบรอนซ์ที่ได้ก่อตั้งวงริค พาวเวล ทริโอในดีซี วีลเลอร์เป็นนักเปียโนประจำวง แต่คืนหนึ่งเขาไม่สามารถเข้าร่วมการออดิชั่นที่บิลลี่ส์ ซึ่งเป็นคลับในท้องถิ่นได้ วีลเลอร์จึงแนะนำฮาธาเวย์แทน แต่พาวเวลแชร์ว่าเขารู้สึก “ลังเลเล็กน้อยในตอนแรกเพราะ [ฮาธาเวย์] เติบโตในโบสถ์” และขาดความคุ้นเคยกับ “ดนตรีเชิงพาณิชย์ ดนตรีโลก” พาวเวลค้นพบว่าฮาธาเวย์รู้จักเพลงป๊อปแค่ “ประมาณสามเพลง: ‘Maria’ จาก West Side Story, ‘Georgia On My Mind’ โดยเรย์ ชาร์ลส์ และ [‘Misty’ ของจอห์นนี่ มาธิส]” มันก็เพียงพอ พวกเขาได้งานและเด็กนักร้องกอสเปลคนเก่าก็เริ่มก้าวสู่โลกของดนตรีป๊อปอย่างไม่ได้ตั้งใจ

ในระหว่างนั้น ในฐานะเพื่อนร่วมห้อง ฮาธาเวย์และฮัดสันทำงานด้านดนตรีร่วมกัน และพวกเขาช่วยกันตั้งกลุ่มประสานเสียงกับเพื่อนๆ ในชั้นเรียนชื่อว่า Mayfield Singers เพื่อเป็นเกียรติให้กับเคอร์ติสมายฟิลด์ ตำนานโซลจากชิคาโกผู้มาที่ยูวาร์ดเพื่อเป็นพี่เลี้ยงนักเรียนและค้นหาเสียงดนตรี การพบกับ Mayfield Singers คงทำให้เขารู้สึกดีใจ เพราะในปี 1966 เขาได้ปล่อยผลงานของพวกเขา ซึ่งเป็นการปกเพลง “I’ve Been Trying” ของ The Impressions — คิดอะไรอีก? — แผ่นเสียง Mayfield Records ซึ่งเป็นต้นฉบับของค่ายเพลงอิสระCurtom ของเขา

เคอร์ติส บอกกับนักวิชาการ เคร็ก เวอร์เนอร์ ในปี 1997 ว่า “คุณสามารถพูดคุยกับ [ฮาธาเวย์] ทางโทรศัพท์และเล่นบทเพลงให้เขาฟัง และเขาสามารถเรียกคอร์ดแต่ละตัวออกมาและบอกคุณได้ว่าคีย์ไหน….เขาเป็นคนมีปัญญากับดนตรี….เขาถูกกำหนดให้เป็นใครสักคนที่ยิ่งใหญ่” เคอร์ติสเชิญฮาธาเวย์ไปนั่งเล่นเพลงบางเพลง ซึ่งเป็นวิธีที่นักเปียโนได้พบและรู้จักกับฟิล อัพเชิร์ช นักกีตาร์/เบสผู้มีชื่อเสียงจากชิคาโก ตามที่พาวเวลกล่าว อัพเชิร์ชได้กระตุ้นให้เคอร์ติสจ้างฮาธาเวย์ที่ค่ายCurtom และในปี 1967 ดอนนีและยูลาลาห์ ฮาธาเวย์ที่เพิ่งแต่งงานย้ายมาอยู่ชิคาโก ซึ่งเขาได้เขียน เรียบเรียง และผลิตเพื่อค่ายเพลงนี้ เคอร์ติสคิดว่าเขาพบพรสวรรค์ที่โดดเด่นคล้ายกับตัวเขาเอง; แต่เขาก็อาจจะคิดมากเกินไป

ในชีวิตที่อีกครั้งหนึ่ง ฮาธาเวย์อาจจะช่วยพัฒนาCurtom ให้เป็น Motown ถัดไป เคอร์ติสเป็นผู้สร้างเพลงฮิตคนเดียวสำหรับค่ายOKeh Records และ The Impressions แต่การมีหุ้นส่วนที่มีคุณภาพอย่างฮาธาเวย์อาจจะช่วยยกระดับศักยภาพของค่ายเพลงของเขา ในขั้นต้น ฮาธาเวย์ทำงานตามที่ต้องการ ทั้งยังช่วยพัฒนาศิลปินในCurtom เช่น The Five Stairsteps และ Baby Huey รวมทั้งทำงานร่วมกับนักเรียบเรียงอาวุโส จอห์นนี่ เพทในผลงานอันโดดเด่นของ The Impressions The Young Mod’s Forgotten Story (1969)

น่าเสียดายที่เมื่่อเวลาผ่านไปก็เกิดความขัดแย้ง ขณะที่เอ็ดดี้ ธอมอสมองเห็นในชีวประวัติของเคอร์ติส Traveling Soul ว่า “ทั้งคู่มีทักษะเท่ากันแต่มีบุคลิกที่แข็งขันและดื้อรั้นมาก เคอร์ติสไม่ทำทำสิ่งต่างๆ ตามวิธีของดอนนีหรือในทางกลับกัน” ฮาธาเวย์ถามให้ปล่อยตัวจากCurtom ในปี 1969 แต่เมื่อเขาเซ็นสัญญากับATCO ทันที ความตึงเครียดทางอาชีพก็กลายเป็นเรื่องส่วนตัว ใน Traveling Son ลูกชายของเคอร์ติส ทอดด์ ระลึกว่า “พ่อได้ตัดความสัมพันธ์ทั้งหมดกับดอนนี” และยัง “บังคับให้แม่ของฉันทำเช่นเดียวกันกับ…ยูลาลาห์”

ย้อนกลับไป เมื่อตอนที่นำฮาธาเวย์ไปชิคาโก เคอร์ติสได้เคลื่อนไหวอย่างไม่ตั้งใจในเหตุการณ์ที่ทำให้เส้นทางโซโลของลูกศิษย์ของเขาเปิดกว้าง สำหรับหนึ่ง เคอร์ติสได้ให้ฮาธาเวย์ได้ลิ้มรสในฐานะศิลปินบันทึกเสียงเมื่อเขาได้บันทึก “I Thank You Baby” ดูเ้ค่าของ Jahre 1969 กับจูเน คอนเกสต์ ในระหว่างนี้ อัพเชิร์ชได้พาฮาธาเวย์ไปยังเซสชันกับChess และCadet ทำงานร่วมกับผู้ผลิต/เรียบเรียงที่มีชื่อเสียงอย่างริชาร์ด อีวานส์และชาร์ลส์ สเต็ปนีย์

ชิคาโกดึงดูดเพื่อนเก่าในฮาวาร์ดของฮาธาเวย์ ฮัดสันทำให้เคอร์ติสประทับใจพอที่จะกลายเป็นนักร้องนำใน The Impressions ในต้นยุค 70 ส่วนพาวเวลเป็นผู้ที่ปรากฏตัวบ่อยครั้งในชิคาโก เขาได้แนะนำฮาธาเวย์ให้รู้จักกับเพื่อนเก่าที่มาเยือนเมือง: คิง เคอร์ติส นักเล่นแซ็กโซโฟนที่ยกย่องฮาธาเวย์มากเสียจนเขาได้เชื่อมต่อการพบกันระหว่างเขากับเจอรี เว็กซ์เลอร์จากอัตลันติก/ATCO เพียงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ฮาธาเวย์เคยเป็นนักสอนดนตรีที่มีความหวังซึ่งรู้จักแค่สามเพลงป๊อป ตอนนี้เมื่ออายุ 23 ปี เขากำลังถูกพิจารณาโดยหนึ่งในค่ายเพลงป๊อปที่มีอิทธิพลมากที่สุดในประเทศ ทุกอย่างดูเหมือนจะเป็นไปได้ทั้งหมด

แม้ว่าอัลบั้มแรกของเขาจะถูกบันทึกในสตูดิโอของAtlantic ในนิวยอร์กซิตี้ระหว่างเดือนกันยายน 1969 ถึงเมษายน 1970 แต่ Everything Is Everything ก็ต้องขอบคุณปีในชิคาโกของฮาธาเวย์; เพลงเปิด “Voices Inside (Everything Is Everything)” แสดงถึงช่วงเวลาของเขาที่นั่นได้อย่างสมบูรณ์ ไม่เพียงแต่ชื่อจะได้รับแรงบันดาลใจจาก ดีเจท้องถิ่น เฮิร์บ เคนท์ แต่เพลงยังอัพเดตดนตรีที่เขียนโดยอัพเชิร์ชและอีวานส์สำหรับ แผ่นเสียง The Soulful Strings ชื่อ String Fever มันเป็นLP ของCadet ในปี 1969 ที่มีสองเพลงที่ฮาธาเวย์แต่ง “Zambezi” และ “Valdez In the Country”

สำหรับเวอร์ชันของฮาธาเวย์เกี่ยวกับ “Voices Inside” ผู้เขียนร่วมพาวเวลระบุว่าการดนตรีบาสซไลน์ที่เขาเขียนโดยหลุยส์ แซตเตอร์ฟีลด์นั้นได้รับแรงบันดาลใจจาก “River’s Invitation” ของเปอร์ซี่ เมย์ฟิลด์ในปี 1963 ในขณะที่จังหวะที่คล้ายการก้าวเดินของเพลงก็เป็นสิ่งที่ตั้งใจ: “เราติดต่อผู้อำนวยการดนตรีที่ฮาวาร์ดเกี่ยวกับการจัดเรียง [ของเพลง] สำหรับวงดนตรีหน้าท้อง” พาวเวลได้เพิ่มเนื้อเพลงใหม่ รวมถึงคอสร้อง “everything is everything” และบรรทัดเปิด “ฉันได้ยินเสียง ฉันเห็นผู้คน” ตามที่ เอมิลี ลอร์ดี ผู้เขียน Donny Hathaway Live กล่าวเราสามารถตีความว่าเนื้อเพลงนี้เป็น “ลางที่มืดครึ้มของจินตนาการที่หลอนของฮาธาเวย์” แต่เธอแนะนำว่า “ในบริบทของเพลงนั้นมันเรียกร้องชุมชน….ดนตรีที่เป็นธรรมชาติและมีชีวิตชีวาเหมือนกับชีวิตประจำวัน”

“Je Vous Aime (I Love You)” เป็นผลงานที่สวยงามที่สุดในสามเพลงที่ฮาธาเวย์และฮัดสันเขียนในแผ่นเสียง พาวเวลระลึกถึงว่าในขณะที่ฮัดสันเขียนส่วนภาษาฝรั่งเศส เพลงนี้โดยรวมเป็นการอุทิศจากดอนนีถึงยูลาลาห์; และเธอร้องประสานในเพลงนี้อย่างเหมาะสม อย่างไรก็ตามในฤดูร้อนปี 1969 กลุ่มบอสตันชื่อ The Indigos อาจจะเป็นกลุ่มแรกที่บันทึก “I Love You” ซึ่งเป็นเพลง B-side บนฉลาก Neptune ของ Gamble และ Huff คุณสามารถสังเกตได้ว่าผู้เขียนเพลงยังไม่เป็นที่รู้จักในขณะนั้นเนื่องจากฉลากได้สะกดชื่อของพวกเขา “Hudson” และ “Haithaway” ผิด

“I Believe To My Soul” เป็นการตีความอันมีชีวิตชีวาของฮาธาเวย์ต่อเพลงคลาสสิกปี 1959 ของเรย์ ชาร์ลส์เกี่ยวกับความคิดที่สงสัย ในฐานะที่เป็นนักเขียนเพลงที่มีพรสวรรค์ ฮาธาเวย์ยังเป็นหนึ่งในนักตีความโซลที่ยิ่งใหญ่ และการคัฟเวอร์นี้ได้เพิ่มชั้นใหม่ให้กับสไตล์มินิมัลลิสต์ที่เข้มข้นของต้นฉบับของชาร์ลส์ รวมถึงการบรรเลงจังหวะที่ดึงดูดใจและการเล่นแตรอย่างมีการตีความ พาวเวลระลึกเมื่อเขาได้รับเวอร์ชันที่เสร็จแล้วว่า “ฉันได้พบเรย์ ชาร์ลส์และเล่นให้เขาฟังและเขาพูดว่า ‘ว้าว ฉันไม่จำได้ว่าบันทึกสิ่งนั้น’ ฉันพูดว่า ‘คุณไม่ได้ทำ นั่นคือดอนนี ฮาธาเวย์!’”

พูดถึงการคัฟเวอร์ ฮาธาเวย์สวมบทเพลง “Misty” ที่ย้อนกลับไปถึงการออดิชั่นที่สำคัญที่บิลลี่ส์ ดนตรีดังกล่าวเป็นเพลงฮิตของจอห์นนี่ มาธิสในปี 1959 และกลายเป็นเพลงมาตรฐานสมัยใหม่ที่มีการบันทึกโดยศิลปินนับไม่ถ้วน แต่การคัฟเวอร์ของฮาธาเวย์อยู่ในระหว่างที่ดีที่สุด นักเขียนเพลง A. Scott Galloway บอกกับฉันว่าฮาธาเวย์ต้องการให้แผ่นเสียงนี้แสดง “ทุกสิ่งทุกอย่างที่แตกต่างกัน: บลูส์ กอสเปล แจ๊ส R&B เขากำลังพยายามพูดถึงทุกแง่มุมของดนตรีคนผิวดำ…ซึ่งเป็นสิ่งที่สำคัญมากสำหรับเขาในแง่ของวัฒนธรรม” “Misty” แสดงให้เห็นว่าเขาสามารถรวมทุกๆ อิทธิพลที่เข้ามาในความสามารถได้อย่างไร แน่นอนว่าเรียบเรียงที่เขาทำอาจละเอียดละออมากกว่าเพลงเช่น “Thank You Master” ซึ่งโจ่งแจ้งมากขึ้นในด้านศาสนา สำหรับผู้เขียนคนนี้ ไม่มีเพลงไหนที่พาฉันไปโบสถ์ได้มากกว่า “Misty”

“Sugar Lee” เป็นการสดุดีของพาวเวลและฮาธาเวย์ต่อวันที่ฮาวาร์ดของพวกเขา เป็นเซสชั่นการจุดไฟที่มีความยาวสี่นาที ซึ่งนักเปียโนและนักกลองได้มีเพื่อนนักเบสจากดีซี มาร์ชัล ฮอว์กิ้นส์ และเสียงที่เหมือนกับกลุ่มเพื่อนที่ปรบมือและร้องเจี๊ยวจ๊าว เมื่อเปรียบเทียบกับการบันทึกเสียงในสตูดิโอที่ฮาธาเวย์ทำอย่างรอบคอบ “Sugar Lee” ยืนโดดเด่นในด้านความเป็นอิสระและความปราดเปรียว ตามที่พาวเวลกล่าวในคำอธิบายที่เขาเขียนไว้ว่า เพลงนี้มีความพยายามที่จะแสดงให้เห็นว่า “งานปาร์ตี้ที่แท้จริงน่าจะแสดง” และนั่นคือสิ่งที่พวกเขาประสบความสำเร็จ

ด้าน A สิ้นสุดด้วย “Tryin’ Times” ความร่วมมือระหว่างฮัดสันและฮาธาเวย์ที่บันทึกครั้งแรกโดยโรเบอร์ต้า แฟล็คใน First Take ต่อมาได้มีการบันทึกโดยโรว์บัค “ป๊อปส์” สเตเปิลส์บน B-side ของ Stax ตอนที่ฮาธาเวย์บันทึกเวอร์ชันของเขาเอง อเมริกามีแต่พื้นที่ในยุคอันจำกัดของนิกสันซึ่งก็อยู่ในสงครามที่ไม่สิ้นสุด การประท้วงและความโกรธเคืองได้เกิดขึ้น มันเป็นความยุ่งเหยิง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง “The Ghetto” “Tryin’ Times” เป็นความพยายามที่จะพูดคุยกับช่วงเวลานั้น ในtrackที่มีบลูส์หนัก ฮาธาเวย์เอื้อลงบรรยายว่า “บางทีผู้คนอาจจะไม่ต้องทนทุกข์หากมีความรักให้แก่พี่น้องมากกว่านี้ แต่ตอนนี้เป็นช่วงเวลาที่ต้องพยายาม” น่าเศร้าที่อีก 50 ปีให้หลัง คำเหล่านั้นยังคงมีอิทธิพลเหมือนเช่นเคย

ด้าน B เปิดด้วย “Thank You Master (For My Soul)” ซึ่งเป็นเพลงเดียวในแผ่นเสียงที่ฮาธาเวย์เขียนเพียงคนเดียวและเป็นหนึ่งในนิพนธ์ส่วนตัวที่สุดของเขา พาวเวลรวบรวมว่าบนแผ่นเสียงนี้ เป็นเพลง “รัก” สำหรับดอนนีเพราะว่าเป็น “คำอธิษฐานสำหรับการได้รับพรด้วยพรสวรรค์ทางดนตรี” เขาอาจจะฟังดูอายุเยอะและเหนื่อยล้ามากกว่าลิตเติ้ล ดอนนี พิตต์ส วัย 4 ปี แต่ฮาธาเวย์มีรากฐานมาจากวันที่เยาว์วัยของเขาที่ทรินิตี้แบ๊บติสต์ โดยเฉพาะเมื่อถึงจุดสุดท้ายของเพลง ดนตรีต้องเซอร์มอนเกี่ยวกับพระมหัศจรรย์ในชีวิตประจำวัน การหลีกเลี่ยง “บอร์ดเย็น” (โต๊ะส่งศพ) และ “แผ่นผ้าสา” (ผ้าห่อร่างกาย) ทั้งหมดนี้ถ่ายทอดด้วยจิตวิญญาณที่ไม่สามารถปิดกั้นได้

เมื่อฮาธาเวย์พบกับเว็กซ์เลอร์ในปี 1969 “The Ghetto” เป็นเดโมที่ช่วยเซ็นสัญญา ATCO ปล่อยให้เป็นเพลงส่งเสริมการขายในฤดูใบไม้ร่วงและกลายเป็นเพลงที่คะแนนสูงในอัลบั้ม มันยังเป็นเพลงแรกที่เขาและฮัดสันสร้างสรรค์ การทำการเรียกร้องชื่อ “ghetto” จากนักการเมืองผู้หาผลประโยชน์และผู้ตีความที่มีจริยธรรม มันไม่ใช่แค่คำสั่งเชิงปริญญาการศึกษา ในแทน ยังคงมีการดนตรีที่มีรสนิยมอัฟโฟลาที่เปิดเผยในเจ็ดนาที โดยมีเสียงที่หลากหลายซึ่งพูดว่า “ghetto” ซ้ำมากมาย ไม่ใช่ในฐานะความเศร้าโศก แต่ในฐานะการเฉลิมฉลองความเข้มแข็งของบริเวณที่คนมักจะถูกประมาทหรือหวาดกลัว ในความเป็นจริง ในหนังสือปี 1998 ของเขา A Change Is Gonna Come เคร็ก เวอร์เนอร์เปิดเผยว่าฮาธาเวย์แอบใส่ทำนองที่มีในเพลง “We Shall Overcome” ไว้ และการอ้างอิงที่ตั้งใจต่อเพลงที่เขียนในช่วงยุคสิทธิ์พลเมืองนี้ เป็นวิธีของฮาธาเวย์ในการบอกผู้ฟังว่ “จงรักษาความเชื่อ อย่ายอมแพ้ในความฝันของการเปลี่ยนแปลง ไม่ว่าที่โลกจะดูมืดมนเพียงใด” เสียงแห่งความหวังในอนาคตกลับมาจากเสียงหนึ่งท่ามกลางผู้คนในเพลงนี้: เสียงลูกสาวของดอนนีและยูลาลาห์ที่ร้องครวญคราง ซึ่งจะต้องกลายเป็นศิลปินชื่อดังในอีกหลายปีต่อมา พาวเวลกล่าวว่า “ฉันอุ้มเธอในอ้อมแขนเมื่ออยู่ข้างไมโครโฟน” และเขาจะบอกกับลาลาห์ในภายหลังว่า “นั่นคือการบันทึกครั้งแรกของเธอ บนแผ่นเสียงของพ่อของเธอ”

อัลบั้มสิ้นสุดลงด้วยเพลงที่อาจจะเป็นชื่อทางเลือกของแผ่นเสียง: “To Be Young, Gifted, and Black” เขียนในปี 1969 โดยนีน่า ซีมอนและเวลดอน ไออาร์ไวน์ จูเนียร์ เพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้เขียนบทละครที่ล่วงลับ ลอเรน แฮนส์เบอรี ซึ่งเป็นผู้เริ่มประโยคนี้ “To Be Young, Gifted, and Black” จะพบการเปิดเผยสูงสุดผ่านเพลงและอัลบั้มที่ชื่อเดียวกันของอารีธา แฟรงคลินในปี 1972 อย่างไรก็ตาม ฮาธาเวย์เป็นคนแรกที่บันทึกเพลงนี้และสำคัญกว่านั้นเขาเป็นการแสดงที่มีชีวิตของข้อความนั้น หนึ่งใน “เด็กชายและเด็กหญิงล้านคน” ที่สามารถทำให้ศักยภาพของเขาเป็นจริง แม้ว่าจะถูกจำกัดแต่อย่างน้อย ในเอกสารดั้งเดิม พาวเวลได้อธิบายว่าเป็น “ข้อความแห่งความเศร้าโศก” สำหรับผู้ที่ “ถูกจองจำด้วยการขาดโอกาส” แต่แม้ว่าเพลงจะสื่อความหมายด้วยความเครียดอย่างลึกซึ้ง ผลที่ได้รับกลับเหมือนการยกขึ้นมาและความมั่นคง

ในชีวิตที่อีกครั้งหนึ่ง Everything Is Everything จะเป็นการเริ่มต้นที่ดีที่นำไปสู่การมีอาชีพอันยาวนาน เต็มไปด้วยอัลบั้มโซโลที่เปลี่ยนแปลงแนวเพลง โครงการดูโอที่ครองวิทยุ และเครดิตผู้ผลิตและนักเขียนเพลงจำนวนมาก อย่างไรก็ตาม โรคทางจิตของฮาธาเวย์เลวร้ายลงในช่วงปี 70 ทำให้เกิดปัญหาในการทำผลงานของเขา ซึ่งเองก็เล็กน้อยกว่าที่ควรจะเป็น เงาของการตายของเขาในเดือนมกราคม 1979 และความสงสัยเกี่ยวกับสถานการณ์ของการเสียชีวิตของเขาก็ยังอยู่เหนือการบันทึกทั้งหมดของเขา โดยเฉพาะเพลงนี้

ตามที่ได้กล่าวไปแล้ว Everything Is Everything เป็นผลลัพธ์ของครึ่งทศวรรษที่เต็มไปด้วยการเปลี่ยนแปลงที่ทำให้ฮาธาเวย์จากนักเรียนนักดนตรีที่ขี้อายกลายเป็นหนึ่งในดาวที่สว่างที่สุดในยุคโซล ในการทำเช่นนี้ มันคือ magnum opus ของความสามารถของเขาทุกด้าน: การแต่งเพลง การเรียบเรียง การผลิต และการร้องเพลง ในการสนทนาของเรา Galloway กล่าวถึงฉันว่า “เมื่อเขาได้รับโอกาส [ในการบันทึกแผ่นเสียง] เขาก็ไม่รู้ว่าจะทำอย่างไร เขาจึงตัดสินใจทำทุกอย่าง” มีคนอาจจะโต้เถียงว่า Extension of a Man (1973) มีความสอดคล้องมากกว่า หรือว่า Donny Hathaway Live (1972) มีการแสดงมากกว่าที่เป็นทรานเซนเดนท์ แต่ Everything Is Everything ปี 1970 แสดงถึงความแน่นอนว่าอัจฉริยะของเขามีความกว้างขวางได้ขนาดไหน

เขาและพันธมิตรของเขายังสามารถพูดถึงการเปลี่ยนแปลงทางสังคม วัฒนธรรม และการเมืองในยุคนี้ก็ยังน่าอัศจรรย์อยู่ Lordi เขียนว่า ฮาธาเวย์มีการตอบสนองต่อ “ช่วงเวลาแห่งอันตรายนี้” ด้วยการก้าวขึ้นมาในช่วงเวลาที่ “เต็มไปด้วยความสุข ความอธิษฐาน และความรักที่ปฏิวัติ….โดยการวางคนผิวดำที่ศูนย์กลางของประสบการณ์ชีวิตของพวกเขา” คำมั่นสัญญาและการทำให้แนวคิดนี้เป็นจริงเป็นสิ่งที่มอบให้กับทุกส่วนใน Everything Is Everything โดยเฉพาะในภาพที่ประดับอยู่บนปกของฮาธาเวย์ที่ถือมือในวงกลมของเด็กๆ ทั้งหมดที่เป็นคนหนุ่มสาว ได้รับพรจากความสามารถ และเป็นคนผิวดำ