Oneohtrix Point Never och den bästa elektroniska musiken från juli och augusti

Film soundtracks får sällan det respekt eller den uppmärksamhet som så kallade ordentliga album erhåller. Från överdrivna serietidningsblockbusterfilmer till omsorgsfullt gjorda indieproduktioner, är det sällan som en producent eller kompositörs musikaliska poäng får beröm utanför de få årliga Oscar-nomineringarna. Givet antalet elektroniska eller ambientalbum som påstår sig soundtracket till påhittade filmer eller annars slövt beskrivs i musikrecensenters kortfattade språk som filmiska, borde moderna lyssnare omfamna ordentliga scoreutgåvor för att faktiskt utföra det de gör. Under hela tiden gör skivbolag med varierande trovärdighet snygga vinster på vinylreutgåvor av gårdagens score, särskilt, men inte uteslutande, inom skräckgenren.

Nästan två år efter de gudsförgätna, Cronenberg-liknande kroppskrävande ljudlandskapen av Garden Of Delete, återvänder Daniel Lopatin till Oneohtrix Point Never med sin imponerande musik för den halv-buzziga New York-brottsfilmen Good Time [Warp]. Medan den säkert ligger i linje med hans senaste samling av självbeskrivna cyberdrone, saknar Lopatin det kontextuella äcklet från den tidigare utgåvan. Istället känns hans arbete här mer atmosfäriskt än organiskt, från de majestätiska manövrarna av titelspåret till den uttrycksfulla slutdykningen av “Connie.” Frestelsen att dra paralleller till legender som Tangerine Dream måste tryckas ner som oförskämd gas, eftersom Lopatin förblir en auditiv visionär i en klass för sig.

Även utan det kroppsliga kladdet av Garden Of Delete råder en annan sorts fysiskt uttryck här, en som är farligt spänd, byggd på blodspakter och blodiga näsor symboliserade av brusande synth-arpeggios och lysande pads. (På ett vagt sätt påminner musiken av Good Time om den tidlösa Run Lola Run.) Det är inte nödvändigt att ha sett filmen för att absurdt förstå påverkan av "The Acid Hits", full av dramatiska kakofonier och brådskande programmerad dramatik skuren av en fantastisk mittpunkt av nedtonad skönhet. Låtar som "Bail Bonds" och "Entry To White Castle" rycker av ångest, medan "Romantic Apocalypse" känns målmedveten, besluten om bättre eller sämre. Förutom den åldrande komikern Iggy Pops klagande bidrag till den sorgsna "The Pure And The Damned", kommer de enda andra igenkännbara rösterna från skådespelarna, vars dialog är förvrängd på det busiga sättet som Lopatin ibland unnar sig själv.

Leaf: Trinity [Fool’s Gold]

Exemplifierat av namn som Khalid, Partynextdoor, SZA, och Jamila Woods, för att nämna några få, visar den soniska mångfalden av samtida R&B att genren - precis som dess kyssande kusin hip-hop - har intervallerna. Det är ingen slump att just denna särskilda sångare och inte helt sällsynta rappare råkar vara under kontrakt med A-Traks fortfarande växande och ganska eklektiska skivbolag. Utgiven i kölvattnet av labelkamraten Boscos djupa albumdebut tidigare under månaden, Trinity håller sig till en hypnotisk, dansgolvsvänlig trap-pop-estetik som påminner om Tinashe’s underskattade Nightride. Leaf utstrålar sitt karaktäristiska självförtroende över woofer-rasslen av “I Don’t Like You” och “Woo.” Producerad av Sonny Digital (känd från Makonnen “Tuesday”), öppnar den lyxiga "Call Me" upp för en specifik beundrare med dundrande synt-bas rakt av soundtracket till Drive. En nedtonad 90-talsdanspastell lyser upp "Coming Down" utan att övermetta hennes ständigt coola blå vokal, medan en Troyboi-remix av den icke-album singeln "Money" bubblar upp som gamla Timbaland och Missy-låtar brukade göra.

Oobe: Amarcord [Blueberry]

Medan electropop och synthwave förutsägbart bryter upp och förstärker uppenbara 1980-talslyxigheter, när vissa artister förhoppningsvis närmar sig - och plundrar - epoken med mer subtilitet. Med utgåvor för respekterade experimentella indies som 1080p och Opal Tapes, erbjuder Yari Malaspina mer hörbara ut-of-body-upplevelser på detta set av surrande atmosfärer, sparsamma synthar och strålande gitarrsolon. Det är den senare egenskapen som gör Amarcord så unik och tillmötesgående, dess titelspår matchar de antagna episka målen med estetisk precision. “Virtual-K” påminner kärleksfullt om en Satriani-wannabe demo som pliktskyldigt plinkar in i ett nästan bokstavligt aether. Ändå gör Oobe mer än bara gitarrarbetet, och visar en mångfald i den gotiska prakt av “Unknown Journey” och den nukleära avfallssvept R&B av “Crush Mind.” Annars närmar sig “Highway Paradise” mest den synthwave du jour, även om den uppvisar återhållsamhet. Den vibrerande vokalen och dissonanta skarven av “1989 Summer” visar att han skulle kunna gå full blown retropop om han ville.

Jack Peoples: Laptop Café [Clone]

Trots banalt för de flesta, betyder frasen laptop café mycket för en viss delmängd av elektro/techno-entusiaster. Ja, det här projektet har Drexicyan DNA, dess innehåll attributeras till den bortgångne producenten James Stinson och är direkt kopplad till hans Other People Place. Det senaste i Clones arkivserie Aqualung, kommer detta mini-album bara månader efter vinylreutgåvor av det monikerets Lifestyles Of The Laptop Café och den kompis 12” Sunday Night Live At The Laptop Café. Även om det är krediterat till Jack Peoples, spelar namnet betydligt mindre roll än materialets ursprung. Draget från Lifestyles-sessionerna, ger dessa oerhört tillfredsställande låtar en vidare inblick i den mytiska undervattensvärlden som Stinson föreställde och framkallade. Troget, "Song 02" pumpar och smäller med sci-fi-skvallrande medan "Song 04" sväller med varma pads liknande de från New Order. Nära slutet "Song 05 Vocal" tar oss tillbaka till Detroit-yta med lite DJ-pratande som skulle vara mindre anmärkningsvärt om det inte levererades, förmodligen, av Stinson själv.

Jana Rush: Pariah [Objects Limited]

Nästan omedelbart, låter det som ett misstag. Eller snarare, en serie misstag sekvenserade tillsammans avsiktligt och gjorda nyperfekta. Verkligen, Pariah markerar mer än bara den överblivna fullängdsdebuten från en erfaren Chicago DJ. Från sitt hackande början, skakar "Midline Shift" av sin egen basvikt då dess inneboende glitchar bildar hypnotiskt sluttande loopar. Detta definierar Jana Rushs metod, en av som både plagiariserar och överväldigar öronen, ihopkokande en spektakulär lång kon som syftar till att göra något så helt desorienterande minnesvärt. Från den graciösa kurvan i "Divine" till de dubbla percussiva och vokala åtgärderna av "Break It", bevisar den dämpade brutaliteten i hennes produktion att den är genomträngande. Vad som verkar incidental på den jazz-inspirerade "??? ??" är allt annat än det. Footwork och juke-stilar blir inte besvikna av den lekfulla "Old Skool" eller den återhållsamma “Chill Mode.” Ändå avviker Rushs album genren genom att introducera och utplåna främmande entiteter, exemplifierat av de kontraintuitiva 303-dekonstrueringarna av "Acid Tek 2" och "No Fuks Given."