‘SPARK’: Whitneys omfattande återintroduktion

Men Ehrlich och Kakacek visste att något måste förändras. SPARK, Whitneys tredje album, markerar en beräknad expansion av bandets palett. Det låter som ett band som har fått ny energi, modigt ger sig ut på nya utforskningar och texturer som fördjupar deras bemästrade kompetenser (som det gospel-inspirerade “BLUE” eller “REAL LOVE,” en skarp explosion av lysande pop). Samtidigt är albumet fortfarande quintessential Whitney, som grublar över svåra teman som hjärtesorg och oron för att bli äldre men paketerar dem i ljusa, oförnekbara melodier. Under ett Zoom-samtal diskuterade Ehrlich och Kakacek skapandet av SPARK, som de anser vara deras mest betydelsefulla uttalande hittills.

Denna intervju har kondenserats och redigerats för tydlighet.

VMP: Ni började spela in det nya albumet i Portland. Berätta om inspelningsprocessen. Varför Portland?

Julien Ehrlich: Jag växte upp i Oregon. Jag tror att den främsta anledningen till att vi flyttade dit [2020] var att en långvarig relation hade tagit slut. Vi hade turnerat i tre månader i sträck och Max och jag bodde båda med våra flickvänner vid den tiden, och det kändes bara rätt att låta den relationen andas. Och dessutom, vi hade inte helt tänkt ut vad vi ville göra med det senaste albumet, men vi visste att vi ville ha så mycket förändring som möjligt.

Vad är skrivprocessen för er? Vad är ursprunget till en låt och hur går ni tillväga för att utveckla den?

Max Kakacek: Det finns ingen direkt formel, uppenbart, vi rör oss ganska naturligt. Vanligtvis kommer en av oss på en ackordprogression eller en grov idé och sedan träffas vi båda i ett rum och arbetar med den. Vanligtvis, vid en punkt där vi är mycket exalterade över något, tappar vi tidsuppfattningen och jobbar in på de tidiga morgontimmarna och blir till slut besatta av att lyssna på något om och om igen. Inte nödvändigtvis funktionellt arbeta på det utan bara njuta av det vi skapat. Det är en uppladdning till en slags obsessiv skrivkvalitet.

Julien: Ja, det börjar suddigt... det är vi som finslipar en känsla som känns som något som ingen annan skulle kunna ha skapat än vi. Vi skärper fokus medan ... det är klockan 4 på morgonen och våra hjärnor är faktiskt lite dimmiga men vad som pågår är mycket mer sofistikerat.

Max: Det var en av fördelarna med att vara i Portland. Vi hyrde ett hus med två av bandmedlemmarna och vi kunde bara spela musik så länge vi ville eftersom vi inte hade några grannar under oss. I Chicago har vi grannar ovanför och under oss.

Ni har nämnt att ni efter Forever Turned Around kände att en förändring var nödvändig. Kan ni hjälpa mig att förstå hur er inställning var efter det albumet och varför ni kände behovet av att ändra kurs denna gång?

Julien: Jag tror att naturen av ett andra album gör att man kan sätta en stor press på sig själv. Det var helt enkelt ett väldigt svårt album för oss att göra. Vi känner oss båda super stolta över det, det är ett väldigt speciellt album för oss. Jag tror bara att det av någon anledning ... det fanns bara en känsla mellan Max och mig, en spänning över möjligheterna av vart vi kunde gå. I kärnan av varje Whitney-låt, tror jag inte att det nödvändigtvis handlar om estetik, jag tror att det handlar om låten — bara den grundläggande ackordprogressionen, plus melodi, plus ord. Så, jag tror att bara förändra paletten av de ljud vi använde var något som verkligen sporrade oss och vi visste att det kunde frambringa bättre låtar ur oss också.

Det finns definitivt en annan palett på det nya albumet, som du sa, men det är fortfarande mycket ett Whitney-album. Kan du berätta mer om beslutet att gå i den riktningen ni gjorde med produktionen och estetik — vad inspirerade det och varför passade det denna uppsättning låtar?

Max: Jag tror att sättet vi började skriva på var ... att låta det gå precis vart det ville på egen hand. Och efter att ha skrivit ett par låtar, upptäckte vi specifika saker vi gjorde och inspirationer från vissa delar av musiken vi alltid älskat som aldrig har praktiserats i vår skrivning, prova nya estetiker och nya ackordstrukturer och låtstrukturer. Sedan blev det så småningom mer fokuserat när vi provade nya saker och upptäckte vad vi gillade med dem och vad vi inte gillade med dem och finslipade det.

Men också, det fanns en stund av förundran kring det med en låt som “TWIRL,” till exempel. Demot vi tog till studion var väldigt organiskt, akustiskt, nästan som en nick till Neil Young eller en klassisk folkmusikförfattare. Och sedan, när vi arbetade med [producenterna] John [Congleton] och Brad [Cook], snubblade vi över en annan textur för det när alla i studion lyssnade tillbaka på det i slutet av dagen, och alla var så här, “Hur gjorde vi det här?” Den typen av stunder var vad vi jagade och många gånger kom de från att gå utanför vår bekvämlighetszon.

Ni nämnde Brad och John. Vilket perspektiv bidrog de med och hur var den kollaborativa processen?

Julien: Jag vet inte vad det är med oss men de senaste två gångerna vi har gjort album har vi parat ihop två producenter som aldrig har träffats förut, vilket är en stor risk. Jag skulle säga att första gången vi gjorde det, fanns det en massa omständigheter som gjorde det riktigt svårt, men deras personligheter kolliderade lite. Men Congleton och Brad kompletterar faktiskt varandra perfekt på så många sätt. Congleton är så strukturerad, ner till timmarna han arbetar i studion. Han är bokstavligen ... det är som att klockan slår, vad som helst tid det var, 7, och han är så här “Okej, jag behöver gå hem” (skratt). Och Brad skulle bara stanna kvar och umgås. Brad är mer som en terapeut, mer av en emotionell stödtyp, Rick Rubin-typ av producent. Och Congleton är bara som en riktig datornörd.

Vad kan ni berätta om den första singeln, “REAL LOVE”?

Max: Det var kanske den sista låten vi färdigställde innan vi gick in i studion. Vi skulle ha kunnat vara mentalt, typ, “Albumet är klart, vi kommer att ta dessa 12, kanske 13 [låtar] till studion och spela in det” ... Julian och jag bodde i Chicago i en ganska nedsliten andrahandsuthyrning. Vi hade just kommit tillbaka från Portland och vi hade skrivit på ett hyresavtal utan att se lägenheten och den var lite, för att säga det mildt, bristande. Vi hade precis sängar och en grov studiolayout. Av någon anledning, en slumpmässig natt hade vi ackordidén och en grov melodi från ett demo från Portland och vi öppnade upp det igen och renoverade det, och innan vi visste ordet av det, kände det sig som det mest spännande vi hade gjort på länge.

Jag skulle vilja höra om “BLUE” också. Den har en ljus disposition men några av texterna har också en viss mörker, ni pratar om paranoia.

Julien: Max hade åkt hem för jul och jag skrev ackorden och av någon anledning fick det mig att tänka på “Deck the Halls”-typ av julgrejer, men jag tror att det berodde på att det var estetiken omkring mig. Jag tänkte inte riktigt på att det var gospel-aktigt förrän jag skickade det till Max och han lade trummor på det. Så fort Max kom tillbaka från julen, färdigställde vi det på en vecka. Det är verkligen speciellt. Låtar kan komma till på vilket sätt de vill, men det fanns den specifika typen av energi mellan oss och kemi medan vi gjorde den låten där det bara kändes som, “Damn, detta känns så speciellt.” Vi skickade det till skivbolaget och alla vi jobbar med omedelbart och de var bara så här, “Ooooh!”

Jag tror att de mörkare elementen i texterna kom för att vi visste att vi behövde gå till E-moll för gitarsoloavsnittet och “paranoia” låter på något sätt catchy där. Kärlek och paranoia är definitivt kopplade på många sätt.

Det är vanligt i ert arbete generellt, men absolut på detta album, att ni ramar in teman som är lite mörkare inom dessa låtar som är lycksaliga, lättsamma, mer uppåt — vilket är en tuff balans att slå men gör dessa låtar mer tematiskt intressanta. Är det något ni är medvetna om och tänker på?

Max: Jag tror att det är så vi naturligt lutar oss. Målet med hela vår skrivprocess är att det ska finnas djup i den, och många gånger är sättet vi kan uppnå det genom att kombinera två olika känslor med sonik och lyriskt innehåll.

Julien: Vi sätter inte in något i en låt som vi inte helt relaterar till. Så, det finns uppenbarligen någon mörker på gång (skratt). Sannolikt hos alla just nu.

Ni upplevde en förlust under skapandet av detta album. Max, er farfar gick bort, och JR White från Girls gick också bort, som har varit en mentor för er. Kan ni prata om den upplevelsen?

Max: Vi kände båda JR lite. Jag kände honom nog lite närmare. Han var personen som hittade Smith Westerns på Myspace och mejlade oss, och i stort sett startade min turnékarriär. Den första turnén jag var på var för att han nådde ut till oss. Jag slutade med att bo med honom och Chris [Owens] ett tag i San Francisco 2010, 2011. Så, vi var verkligen nära under de åren. Han var samma ålder som jag är nu när vi träffades. Han var 31 när vi träffades och jag tror att han gick bort när han var 40. Alla som känner JR... han hade några demoner som han kämpade med och att hålla en personlig relation var tuff av vissa skäl. Men en av de första personerna som trodde på vad jag gjorde inom musiken var han i stor utsträckning. Det var ett verkligt slag när han gick bort.

Jag tror att vi var mitt i [skrivandet] eller hade just skrivit “TERMINAL.” Det var en av de där stunderna där en låt som ni skriver inte nödvändigtvis handlar om ett specifikt syfte när ni skriver den, och så inser ni att den talar till en upplevelse ni kanske har efteråt, liknande hur någon som lyssnar på musiken skulle relatera till det och relatera låten till sitt eget liv. Så fungerade “TERMINAL” för mig, med den här låten om förlust, en låt generellt som är ganska, inte “grizzly,” men den har ett väldigt intensivt ljud och är väldigt sorglig. Jag hoppas att jag relaterade till vår egen musik på det sättet att jag hoppas att andra kan om de upplever samma sak.

Tematiskt, en annan sak jag märkte om denna platta är att i flera låtar, pratar ni om att åldras — hur det känns, hur det förändrar er. Är detta något ni har funderat på?

Julien: Jag fyllde 30 precis efter att vi avslutade den. Kanske känslan av att det allra sista av mina 20-talet var bara, typ, stulna, och spenderade inomhus... men det har alltid varit på våra sinnen. Speciellt med en låt som “MEMORY,” var det verkligen enkelt att omfamna av någon anledning och jag tror vi skrev om det ganska träffande i den låten. Men jag tror att den låten talar mer om, vad om vi går ner som ett helt okänt band om 20 år? Och detta kommer att vara en artefakt som formulerar det på ett vackert sätt.

När ni gör ett album, ser ni det som viktigt att ha dessa tematiska kopplingar från låt till låt?

Julien: Jag tror att det är vad vi blev bättre på med detta album. Light Upon the Lake var nästan helt uppbrott. FTA var helt paranoia. Med detta album, när vi satte ihop låtlistan såg jag, “Wow, detta är verkligen den mest varierade uppsättningen av låtar, känslomässigt, som vi gjort.” Varje låt kommer från sitt perspektiv på ett helt berättigat sätt, på ett genomtänkt sätt. Det är på våra tankar, om vi skriver två raka hjärtesorgslåtar, måste vi träffa en annan känsla. Det kändes som en bra snöballeffekt med detta album, eftersom vi genomförde det bra varje gång, enligt min åsikt.

Ni har mycket föreställningar framför er för att stödja det nya albumet. Vad kan fansen förvänta sig av den nya turnén och vad är era känslor kring att börja återvända till normalitet på det området?

Max: Vi är bara väldigt exalterade över att komma ut på vägen igen. Vi är två månader bort och det är en nedräkning. Det kommer bli riktigt roligt att framföra dessa nya låtar live och utforska det dynamiska spektrumet av vad de har att erbjuda i en liveinställning och kombinera dem med vår äldre katalog. Vi har mycket mer möjlighet att skapa en varierad spellista som tar er på en resa.

Julien: Att sätta “Golden Days” mellan “BACK THEN” och “SELF” eller något. Jag tror att det finns en möjlighet för stoner-folket i publiken att vara som, “Whoa!” (skratt) För att få deras sinnen sprängda och deras hår att blåsa tillbaka.

Max: Vi är alla verkligen exalterade och den processen börjar bokstavligen just nu när vi pratar, vi börjar komma in där med bandet och sortera allt detta.

Vi har pratat om de första singlarna, men finns det några låtar fansen ännu inte har hört som är särskilt speciella för er, eller som ni känner symboliserar vad ni försöker åstadkomma med denna platta?

Max: Det är svårt att välja en men, för mig just nu, är “COUNTY LINES” ett bra exempel. Det finns en stor stråksektion på den som låter som ett orkester, men det är också i kombination med ljud som definitivt är syntetiserade samtidigt, med en sub-bas, och det finns ett instrument där som heter EVI, som är ett elektriskt ventilinstrument; i grunden spelar vår trumpetspelare en synth på samma sätt som man skulle spela en trumpet. Jag tror att det visar bredden av albumet.

Har du en annan?

Julien: De nästa låtarna vi släpper är “MEMORY” och “COUNTY LINES.” Jag känner att en låt som “SELF,” för den rätta personen, bara kommer att vara som, “Vad i helvete?” (skratt) Jag vet inte, jag känner mig bara verkligen stolt över den låten. Och om jag hörde ett annat band släppa den låten, skulle jag verkligen bli imponerad.