Intervju: Sunflower Bean

För bara fyra år sedan var Cumming på gränsen till högre utbildning. Kivlen och Faber avslutade sitt första år när trion fattade beslutet att ägna sig åt Sunflower Bean—bandet som hade tagit dem på spelningar runtom i New York City, inklusive en framgångsrik CMJ-turné 2014—helt och hållet. Istället för att tjäna sina sporrar på campus, tjänade denna rutinerade trio sina meriter på scener över hela världen. Deras debutalbum Human Ceremony, släppt 2016, etablerade Sunflower Bean som ett av New Yorks nyaste omtalade band med en sofistikerad ljudbild som hämtade influenser från psykedelisk rock, punk och shoegaze, vilket bevisade att trion var kloka bortom sina år.

Nu, när Sunflower Bean förbereder sig för släppet av deras andra album, Twentytwo In Blue, som släpps den 23 mars, drar de nytta av den självsäkerhet de har förvärvat under åren sedan de var tonåringar i slutet av sin ungdom och tidigt i 20-årsåldern. Medan alla tre är 22 år gamla, är Twentytwo In Blue produkten av en mer inre granskning av den tumultartade värld som omger dem.

“Jag tror inte att vi har blivit mindre existentiella,” säger Faber, “utan vi har bara blivit bättre på att hantera det och manövrera runt de känslorna. Det är lustigt hur man på vissa sätt mognar helt förbi vissa saker men det handlar om att hantera dessa känslor på ett mer produktivt sätt.”

Resultatet av en sådan produktivitet befäster Sunflower Beans status som soniska kameleonter. Twentytwo In Blue är ett oblygt rock ’n’ roll-album som inte syftar till att återuppfinna eller fixa genren utan istället utmärker sig som en mästarklass i vad rock kan vara. Med låtar som “Twentytwo,” “Burn It,” “Puppet Strings” och “Only For A Moment,” är samlingen en hyllning till Fleetwood Mac, Norman Greenbaum, Three Dog Night, till och med Lana Del Rey och den tidlösa romantiken och kaoset på 70-talet. Cumming bevisar sin förmåga som en transformativ sångerska, skickligt balanserande mellan söt siren och spirande kraft. När Kivlen tar micen (som han gör på lead singeln “I Was a Fool”), är det både sockerigt och edgy, ett rop in i den nyfikna, coola undran. Om Human Ceremony var passande för DIY-utrymmen, är Twentytwo In Blue soundtracket för stadioner och extravaganta turnébussar.

VMP: Tycker du att hela “Wow, de är äldre och mer mogna nu” grejen är kliché? Julia Cumming: Det är just det man tänker på när man är i sina tidiga 20-år, att man tror man vet en del men man vet nästan definitivt ingenting. Att se tillbaka på tre år är alltid så pinsamt, vad man var intresserad av och vad man gillade. När man faktiskt är i världen och gör konst och släpper det, i motsats till att bara tänka på det, måste man vara okej med att fatta beslut och göra en inspelning av vem man är. Att ha den inställningen av Human Ceremony var hur vi var då och Twentytwo In Blue är hur vi är nu.

Det finns något väldigt påtagligt med att vara i sina tidiga 20-år och vad man skapar då. JC: Vi kan alla hålla med om att tonåren är hemska. Men kanske är de inte det för alla, men för de flesta är de mycket existentiella och dramatiska.

Men ni fick det att fungera genom att skapa något. Jacob Faber: Ja, Human Ceremony var en ansamling av allt vi kände i många av de existentiella kriser vi gick igenom.

JC: Det är liksom utåtriktat och inåtriktat. När du är tonåring, på Human Ceremony, behöver du få ut dina känslor och skrika in i avgrunden. Och säga, “Hej, det här är jag och så här mår jag.” Jag känner att på den här skivan ville vi mer att gå inåt och titta djupare på rötterna till varför vi känner som vi gör, våra egna rötter.

Var kom den skiftande inställningen ifrån? JF: Det är en tids- och självförtroendegrej. På ett konstigt sätt tror jag att det tar mer självförtroende och styrka för att titta inåt. Det krävs år av turnéer och övning för att få mer självförtroende och kunna ha den sårbarheten inuti sig.

JC: Jag tror att det är lätt att gömma sig bakom en skärm och det gör det inte mindre roligt och inte mindre användbart och det gör det inte fel när man gör det. När du börjar dra undan den gardinen, måste du se vem du verkligen är. Det är som att använda smink. Vid en viss punkt behöver du se vad som finns under och vad som informerar dig. Vi visste hur man jammar och vi visste hur man gör en show, men kan vi skapa de låtar och den konst som vi verkligen vill ha? En befriande del av att göra den här skivan var att se på låtskrivandet på ett annat sätt i relation till vem vi är.

Lyriskt sett kommer det fram i skivan. En rad som “Jag går inte tyst in i natten som kallar mig även när jag är ensam” är en super stärkande text. JC: Det informerar dig eftersom det tvingar dig att titta på det. Ett ord som kommer till tankarna: motståndskraft. Mycket av det lyriska innehållet och vad vi försöker förmedla är en viss nivå av styrka som vi behöver höra och som vi också vill uttrycka till lyssnaren. Även om det är en sorglig och konstig tid just nu, så är det vad man vill: styrka.

Det är svårt att inte beröra den konstiga politiska tiden vi lever i. Är det ens möjligt att inte ta upp politiken i konsten? JC: Om du inte gör konst i ett vakuum…

JF: Det är oundvikligt.

JC: Hur du interagerar med världen kommer att informera vem du är. Det faktum att det är en tumultartad, konstig tid har definitivt informerat skivan. Vi är återhållsamma med att säga att det är en politisk skiva. Det är en skiva skapad under specifika omständigheter och vår reaktion på det är personlig.

JF: Den sista turnén vi gjorde på Human Ceremony var hösten 2016, vilket var precis runt valet. Vi hade varit i Storbritannien och Europa innan det och sedan åkt runt i USA och sett de fysiska Trump-skyltarna var ganska chockerande och alarmerande. När vi kom hem i början av 2017 och började skriva den här skivan, var det mycket närstående för oss. Det väger tungt.

Vad har albumets titel för betydelse? Nick Kivlen: När du gör en skiva och har alla dessa låtar och du måste ge dem en definierande titel och kalla dem något när de är sina egna saker, är det svårt att välja en titel som sammanfattar dem alla. Vi funderade på vad den övergripande stämningen hos låtarna var och vad låtarna verkligen betyder för oss. Twentytwo In Blue var ett ganska abstrakt men konkret namn att ge till alla låtar gemensamt eftersom det är något de alla delar tillsammans. Det är den ålder vi var när vi skrev dem och gjorde skivan och stämningen som vi tyckte genomsyrade albumet.

JC: Vi hade samlat mycket blå imagery under en lång tid. När vi försökte tänka på namnet till det här albumet kom vi till Twentytwo In Blue och vi tänkte, “Är blått för sorgligt? Kommer det få folk att tro att detta är något som det inte är?”

NK: Jag tror att färger kan förmedla många olika saker. Det är en klassiskt melankolisk färg, men den kan representera en stor blå öppen himmel, eller ett stort blått hav eller en hoppfullhet. Jag tror att det sammanfattar skivan: Vi som är 22 känner oss blå.

Hur viktiga är estetik? JC: Vi pratade nyligen med någon om detta och de sa “Vad sägs om synestesi?” Jag skulle inte klassificera oss i den meningen, men ett album är ett riktigt roligt och verkligt konstverk. Det har några element som upprepas om och om igen. När du ser dig själv som musiker, är du performern, du är en låtskrivare. Du är musikalisk, du skriver poesi men poesin sätts i låtar. Att samla dessa tankar och idéer är en del av sättet att hålla sig själv som konstnär just nu och antagligen alltid, att kurera vem du är. Jag tror att det finns många små sätt, som att jag tittar på foton av Cher och alla dessa kvinnor som är stärkande och inspirerande och betyder mycket för mig och hur jag kan göra min egen stil på ett sätt som är glamoröst och roligt och coolt och annorlunda men fortfarande berör människor som jag älskar. Det är så: att bara kurera vem du är.

Vad pågick i det större perspektivet av era liv när ni skrev den här albumet? NK: Den milstolpe jag tänkte på var när vi först samlades för att spela i december 2016 efter att ha avslutat vår turné och vi hade några veckor ledigt från bandet. Vi började spela och skriva och det var som att en kran öppnades. Vi hade så många olika idéer och olika låtar. Det hade gått så lång tid sedan vi kunde spela bara vi tre i vårt övningsutrymme utan att turnera eller göra något annat än att försöka skapa låtar. Det var då vi alla blev riktigt exalterade och gick in i hyperdrive för att jobba på skivan.

JC: Den första låt vi jobbade med i någon inkarnation var “Burn It.” Det är alltid de första stegen där man försöker ett nytt ljud och utmanar en annan del av sig själv där man växer mest är det mest spännande. För mig att prova olika vokalstilar på den här skivan och Jacob som provar olika trummstilar.

Albumet låter som en collage av olika stilar. JC: Det är en recension vi har fått: det låter som olika band låt för låt. Något med Sunflower Bean som kanske är olika från andra band är att det inte bara är en låtskrivare. Även när vi har en idé, är våra bandmedlemmar våra betrodda människor när vi arbetar tillsammans för att skapa något som är bättre än hur det började. Var och en av oss har våra egna influenser som går in i vad vi vill göra. Det man får är något som är ganska dynamiskt eftersom det täcker många olika stilar. Förhoppningsvis, med Jacob Portrait från UMO som producerade tillsammans med Matt Molnar, tror jag att alla låtar känns som att de är i samma värld. Det är det viktigaste. Om de var i olika världar skulle det bli lite hektiskt.

Det känns som att det definitivt kommer från en viss tid och plats. JC: Något som vi har pratat om är att vi vill se varje låt igenom till vad en låt bör vara. Du har en låt som “Twentytwo” eller “Any Way You Like” där du skriver den som, “Jag tror att det behöver violiner! Jag tror att det behöver vara Phil Spector-lush.” Det betyder inte att varje låt på skivan kommer att ha stråkar men för att låta dem alla andas och vara den bästa versionen av sig själva, kommer de att komma ut något annorlunda än varandra.

Vad är er självredigeringsprocess? JC: Det beror helt på låten. Vi tar med oss det vi jobbar på i olika nivåer av färdigställande. Ibland är det ett riff, ibland är det ord.

NK: Det känns som att uppfostra ett barn. Vi alla kommer nära denna idé av vad det än är och vi måste uppfostra det.

JC: Du måste naturligt och respektfullt lita på människorna du arbetar med för att kunna öppna din konst för dem. Jag tror att vi har tur som litar på varandra så mycket och har arbetat tillsammans verkligen nära under en tid. Jag vet när Jacob har en idé för trummorna som är annorlunda än min och Nicks och vi borde lita på dem och prova allt för att få till det mest speciella resultatet.

Nk: Ibland måste du dock gå vidare och sätta stopp för något. Vi är färdiga med att leka med det, låt det gå. Jag tror att det också är viktigt.

Då kommer det till en punkt där du undrar vad du ens försökte göra från början. JC: Det är lätt att bli paralyserad av din ambition eller vad du tror att du kan göra. Det är så mycket annorlunda än att faktiskt få ut de saker du älskar för att bli hörda och älskade eller hatade. Jag tror att musik är verkligen kommunikativ. När du skapar den har du en impuls att säga något eller göra något och dessutom en impuls att dela det med människor. Att lita på dig själv tillräckligt för att veta var slutet är och acceptera det.

Ibland blir vi för ambitiösa och det slutar med att det blir paralyserande. JC: Jag älskar ambition och jag tror att vi alla är superambitiösa och det är en fantastisk sak att vara, men det är en av de sakerna som gör rock så coolt. En av de mest befriande sakerna med punk är att du inte behövde vara tekniskt den bästa för att börja. Det är något vi försöker berätta för barn varje gång de kommer fram till oss och pratar med oss på konserter om att de vill starta ett band: Gå starta det. Plocka upp en gitarr, plocka upp en bas, hitta dina vänner och börja. Det är befriande och allt annat kommer falla på plats.

Det är den push som folk behöver höra från någon som faktiskt gör det. JF: Det låter enkelt men jag tror att förrän du hör det eller någon visar dig att det faktiskt är möjligt, kan det verkligen kännas omöjligt. Jag har haft en rock ’n’ roll-bagge i mig sedan jag var barn och ville djupt ner göra detta och trodde överhuvudtaget inte att det var möjligt. Det är viktigt att hitta människor som du kan relatera till, gillar samma musik och kan utforska och hitta dessa saker.

JC: Det finns en skillnad mellan att lära sig om [musik] i ett klassrum, även det bäst informerade klassrummet, och faktiskt göra det.