En intervju med Haruomi Hosono, Japans Brian Wilson

Hur känner du inför att din musik släpps utanför Japan? Har du någonsin velat bli framgångsrik utomlands?

Haruomi Hosono: Vi lever i en tid där vi enkelt kan gå tillbaka och återupptäcka musik från förr, och jag personligen njuter av att upptäcka begravda rariteter, på ett arkeologiskt sätt. Med det sagt, det överraskar mig att det finns intresse för mina egna album nu, samtidigt som jag vill säga tack till de människor som vill ge ut dem. Med Yellow Magic Orchestra på 80-talet tänkte vi mer på den utländska marknaden än Japan. Samtidigt kände vi att vi marknadsförde oss själva mot den lilla gruppen av specifika musikälskare som finns i varje land. Det var den typen av ambition vi hade med YMO. Anledningen var att jag fram till dess, med mina soloalbum, arbetade på ett mycket isolerat sätt, gjorde vad jag ville göra. Musiken var inte utåtriktad; den var snarare inåtriktad. Sådan musik når inte så många människor. Jag kände att det skulle ha varit svårt att fortsätta göra musik på det sättet; det är därför jag tog en chansning på teamet som vi kallade YMO.

Vad fick dig att bestämma dig för att spela utomlands nu, efter alla dessa år?

Med dessa föreställningar känns det som om jag bara går med strömmen, som att "Vi får se vad som händer." Tidigare gillade jag inte riktigt att spela live, men sedan ungefär 10 år tillbaka, av någon anledning, har jag spelat live konsekvent och jag började faktiskt njuta av det. Men det finns en konflikt som jag kallar "musikalisk schizofreni" som baby boomers i Japan alltid plågas av – även om min musik förstås i Japan, känns det inte som att det kommer vara fallet med västerländska publik. Så det är svårt att bli för exalterad över att spela utomlands. Med det sagt, när jag spelade för första gången i Taiwan och Hong Kong i januari förra året, blev jag imponerad av hur mycket de förstod vad jag gjorde, mycket mer än jag trodde. Så nu tror jag att jag skulle klara mig bra i Asien. Jag vet inte helt vad jag kan förvänta mig i London, så jag är lite mer orolig än inte. För att vara ärlig, mer än att bara spela utomlands, har jag en önskan att spela på något litet café på en plats som Brooklyn. Snarare än att ropa till en publik av okänd storlek, föredrar jag att göra något lite mer blygsamt och i mindre skala.

Apryl Fool, Happy End, YMO, soloartist, sessionmusiker, låtskrivare, producent – du har antagit många roller som musiker. Vilken tycker du mest om? Av alla projekt du varit involverad i, vilket är ditt favorit?

Jag gillar att vara i inspelningssessioner med folk jag kommer överens med, som hur det är på Muscle Shoals. Att vara i ett band är precis som vilken plan eller vilket projekt som helst, och det medför spända relationer och ansvar. Jag har kunnat hantera den typen av stress tidigare, men jag vill inte ha mer av det nu. Och eftersom jag har insett att jag inte är så skicklig som jag trodde, vill jag inte överanstränga mig och försöka göra något bara för sakens skull. Vilken roll är jag mest lämpad för? Det skulle vara att lyssna på musik. Om jag kan lägga till det, är det inte bara att lyssna på musik, utan också att urskilja alla olika aspekter av musiken.

Du har en otrolig meritlista som låtskrivare, inte bara för dina egna skivor utan också för andra artister. Men nyligen har du sagt att istället för att skriva nya låtar är det viktigare att göra covers på andras låtar för att bevara dem. Varför det?

Det finns lika många underbara låtar från 1900-talets västvärld som det finns stjärnor. Jag är glad att lyssna på dessa låtar varje dag. Självklart har jag inte blivit av med min önskan att själv skriva nya låtar, men det finns så många klassiska låtar där ute i världen redan, jag tycker det är viktigare att sjunga dem för att bevara dem. Folk idag tenderar att glömma sådana saker, så ibland känns det som att musik är en utrotningshotad art. Nuance, groove, akustik — det finns redan många aspekter som har gått förlorade.

Vad tycker du om att andra artister gör covers på dina låtar?

Jag själv kommer att försvinna någon dag, så jag skulle vara tacksam om det finns någon som kan föra det vidare.

Du har nämnt att du aldrig gillat att sjunga förrän nyligen. Varför tog det 50 år att komma till den punkten?

För att jag inte är bra på att sjunga. Men för ungefär 10 år sedan insåg jag att det är roligt att sjunga låtar som jag gillar.

Från ung ålder har du varit fascinerad av amerikansk populärkultur, som countrymusik, västernfilmer, West Coast popmusik. Vad ledde dig in på den vägen? Hade det att göra med ockupationstiden i Japan?

När jag föddes två år efter krigets slut var det i huvudstaden i ett besegrat land — Tokyo. GHQ-högkvarteret var där, och amerikaniseringen stormade genom Japan. Men många fantastiska filmer och musik kom som ett resultat, och när jag var runt 4 lyssnade jag oavbrutet på boogie woogie-musik på 78-varvare. Det fanns mycket militärmusik och rokyoku, men jag valde alltid ut swing eller Disney-musik för mig själv. På mina konserter i Japan muttrar jag alltid om hur GHQ hjärntvättade mig att spela boogie woogie.

Vad var dina första intryck av att komma till Amerika — var det annorlunda än hur du hade tänkt dig det? Vad tycker du om Amerika idag?

Vi spelade in på det berömda Sunset Sound-studion, hade en session med Van Dyke Parks, observerade Little Feat spela in Dixie Chicken – det var en viktig lärdom. Förutom det, köpte vi en massa skivor och åt mycket hash browns på Denny’s. Jag var 22 då. Varför låter amerikanska skivor bra? Är det elektriciteten? Är det magnetfälten? Det var den typen av frågor vi ställde oss varje dag. På den tiden kände sig Amerika så kulturellt långt från Japan, och jag beundrade det starkt. Men inte så mycket nu. Det är samma sak med Japan också. Jag undrar vad som förändrades så mycket...

Du har kallat Van Dyke Parks för “sensei.” Vad har du lärt dig som hans elev? Vilken typ av Amerika upptäckte du genom att lyssna på hans Discover America album?

Vad jag lärde mig av maestro var metoden att lägga på olika färger av ljud en efter en, och skapa musik som en målare. Discover America lärde mig hur musiken i Amerika har blivit starkt förbättrad av dess hybridkultur, som att ta influenser från karibisk eller kreolmusik, till exempel.

Vad är en större musikalisk inspiration för dig: den imaginära världen som ses genom Hollywoodfilmer och exotica som du har älskat sedan din ungdom, eller den verkliga världen som du ser framför ögonen?

Att leva inom samhället är verkligheten för människor – och det samhället kan hämma oss. Men relativt sett har vi lite frihet i vår personliga tid. När jag kör bil, till exempel, skulle jag vilja tro att vi fortfarande har friheten att åka vart vi vill. Men även då kan bilar inte hoppa över tiden. Våra hjärtan, dock, har förmågan att flyga till universums kant. Det är inspirationens värld. Exotica gav mig en känsla av frigörelse från verklighetens ramverk.

Det verkar som att din “Tropiska trilogi” och YMO som helhet var konceptuella i att de utforskade hur Japan såg ut genom Västvärldens ögon. Med andra ord, att vända på orientalismens manus och uttrycka det genom musik från ett japanskt perspektiv. Varför var du intresserad av den typen av subversivt perspektiv?

Förr hade varje lands musik sin egen färg. Men på 80-talet dök musik gjord med synthesizers och programmering upp på stadsnivå och Tokyo var inget undantag. Men informationssamhället har gjort dessa stadsnivå-individualiteter i stort sett meningslösa. Nu är det antingen global musik, eller en mycket personlig musik gjord genom hemmainspelningar. Under YMO-eran, snarare än att se utomlands för inspiration, var det roligare för oss att fräscha upp vårt perspektiv mot vårt eget hem i Tokyo. Det är samma slags spänning som turister känner när de besöker Tsukiji i Tokyo eller går in i en pachinkohall. Så det var annorlunda från orientalism; det var en längtan efter kaos. Jag tror folk tenderar att dras till kaos inom ordningen, eller ordningen inom kaoset.

YMO har beskrivits som ljudet av Tokyo. Hur skulle du beskriva Hosono-ljudet?

Att arbeta med ett band eller som producent är liknande att arbeta som ett designteam. Men musiken jag gör för mig själv är mer som arbetet av en målare eller skulptör. Genom att använda instrument som en palett, skulle jag lägga på ljudlager eller skrapa bort dem. Så det är bara min egen personliga musik.

Du har nämnt att du är attraherad av en blandning av olika kulturer, som i New Orleans-musik. I den meningen, vad tycker du om japansk kultur, som inte verkar vara lika mångfaldig jämfört med några av de stora amerikanska städerna?

På 1950-talet gjordes intressant musik över hela världen, inklusive Japan. Det var en era när all den stora musiken [stilar] påverkade varandra. I Japan fanns det en stark mamboinfluens, som till och med skapade en ny rytm kallad “Dodompa.” New Orleans-musiker influerades av låtar som Ray Charles' “What I’d Say,” och inkorporerade nya ljud i sina hemmagjorda stilar. Där musiken föds är alltid omedvetet, nöjeslystet, rent och enkelt, och det finns aldrig några svårigheter.

Du har alltid haft ett intresse för senaste teknologier och inkorporerat dem i din musik. Är det fortfarande så nu? Vad tycker du om de senaste synthesizers och mjukvaruinstrument?

Tyvärr har jag blivit desillusionerad. I början av 2000-talet var datorer fortfarande flexibla, och det fanns många intressanta plugins. Nu är systemen så tätt kontrollerade att de verktyg jag använt börjar dö tillsammans med varje OS-uppdatering. Nu har vi ljudfiler av hög kvalitet, och du kan till och med skapa verkligt ljudande orkestrar med dem. CG har sett samma typ av evolution. Men verktyget jag vill ha nu är den tidiga Emulatorn. Jag använde den för att göra albumet Philharmony, vilket skulle vara omöjligt att göra nu. Jag gillade de lågupplösta ljuden som låg i de stora disketterna, men jag har inte utrustningen för att avkoda det längre. Jag har inte energin i mig att återuppliva det. Men jag är säker på att det finns ljudfiler som det. Jag ska leta efter dem. För övrigt har jag använt gamla RCA-mikrofoner för de senaste inspelningarna. Men det är mixat på 96khz. Ingången är från 40-talet, och utgången är den senaste – så är det.

Av alla instrument du har använt för att göra musik, vilket är din favorit?

En akustisk gitarr och en spansk gitarr som jag har använt mycket nyligen. Den förra är en Gibson "Nick Lucas"-modell från 1930-talet. Den senare blev specialtillverkad av en fantastisk gitarrmakare i Tokyo, med en hals som passar mina händer och en liknande design som den berömda Arcangel-gitarren som jag älskar. Den har ett vackert ljud. Åh, och jag får inte glömma detta – jag är främst en bassist. Jag värderar högt min Fender Jazz Bass från 1964.

Hur känner du inför att se tillbaka på ditt förflutna?

Det förflutna hinner alltid ikapp dig. Men det är inte bra att ha för mycket intresse för sig själv. Det bör lämnas ifred.

Du har nämnt att komma på bandnamn är en hobby för dig. Vad är namnet på ditt nästa band? Har du några bra bandnamn som du aldrig använt?

Jag har tröttnat på det. Jag börjar tröttna på det mesta. Men jag tar alltid anteckningar om ord som kan bli bra låttitlar. Och det skulle kunna vara bra att bilda ett band. Med mitt namn dolt. Kommer jag att tröttna även på det?

Vad är ditt nästa projekt?

Argh, jag är inte bra med idén om projekt. Jag har aldrig kunnat planera mitt liv. Det finns mer av det förflutna nu än framtiden, så jag kan inte tänka för mycket framåt. Om jag kan dölja mitt namn från det, skulle jag leka med en teknogrupp. Men jag kommer förmodligen inte göra det. Vem vet? Jag är inte riktigt säker.

Förutom musik, vad exciterar dig just nu?

Teoretisk fysik, som kvantteori och supersträngteori, som ifrågasätter hur mycket människor kan veta om världen. Med andra ord känner jag "Världens slut" varje dag. Som du vet, här i Tokyo, sker jordbävningar ofta.