Den förlorade historien om Indiens relation till jazz

(bild via Meridian)

1920-talet var en turbulent tid för färgade personer och mer specifikt för svarta i Amerika. Med en ständig kamp för att navigera i en värld där rasism härskade vart de än vände sig, kunde afroamerikaner varken känna sig välkomna eller säkra. Detta årtionde förde också med sig Jazz-eran—en tid av ostentativitet, förbud och nytt kapital. Under denna tid och i senare år skulle ikoniska Jazzmusiker som Louis Armstrong och Duke Ellington turnera världen runt med sina dansbandsledare. De platser de uppträdde på skulle överraska dig; Afghanistan och Indien blev nya hotspots för en östlig Jazz-fan. Tyvärr har inspelningar av Ellingtons framträdande i Afghanistan sedan förstörts av talibanerna, men resterna av dess sväng och kämparanda är fortfarande påtagliga.

Särskilt Indien utvecklade en särskild förkärlek för Jazz, och afroamerikanska turnerande musiker kände sig välkomna i denna scen. För att fly den ständiga förföljelse de mötte i USA, beslutade svarta Jazzmusiker att göra Indien till sitt nya hem, och därmed föddes rötterna för indisk och afroamerikansk musikaliskt samarbete. Det ökända lyxhotellet i Mumbai, Taj Mahal, gick så långt som att anlita den svarta violinisten från Minnesota, Leon Abbey, att bilda ett nio man starkt resident jazzband 1935. Före detta hade Abbey varit en centralgestalt i Jazz-scenen i Paris i sex månader, och han etablerade det första helt svarta bandet som spelade Jazz i Indien. De uppträdde för de elitistiska publikerna i Mumbais opulenta och extravaganta art-deco-balsalar i Taj. Att se ett Jazzband uppträda var en händelse; enorma pelare prydde rummet och en roterande scen säkerställde att Taj Mahal hotell var hem för Mumbais mest exuberanta musiker.

Jazz tog också sig till Indien delvis på grund av kalla kriget. Ryssland och USA exponerade Indien för vad de ansåg vara deras största konst för att vinna deras lojalitet. Medan ryssarna skickade Kirov Ballet (nu känt som Mariinsky Ballet) på en turné över landet, var amerikanerna beslutsamma att göra Jazz till föremålet för Indiens kärlek. Dave Brubeck var en av de första musikerna som valdes av CIA för att turnera, och som ett resultat började han jamma med många lokala musiker. Detta ledde i sin tur till att indier som kanske inte hade expanderat bortom sin traditionella komfortzon experimenterade med en tolkning av ett koncept de redan var bekanta med: improvisation. En av Brubecks favoritjamare var Micky Correa, som fick en framgångsrik karriär som varade över 30 år. De afroamerikanska musikerna som följde på denna kvartpolitisk turné följde också samma spår och deras inflytande kände av i den samtida indiska popkulturen. Jazz nådde också Indien dock genom upptäckter. Som en portugisisk koloni var romersk-katolska Goans särskilt mottagliga för Jazz eftersom de hade ett intresse av västerländsk musik och kultur. Oftast har Goan-katoliker europeiska namn, och det var Goan-musiker som visade sig vara legender i Mumbais Jazz-scen, som Frank Fernand eller Anthony Gonsalves. Gonsalves blev ett hushållsnamn av ren slump, han nämndes i 1977 års komedi Amar Akbar Anthony i låten “My Name Is Anthony Gonsalves.” Detta talar volymer om den påverkan dessa Jazzmusiker hade.

I Indien möttes afroamerikanska jazzmusiker med värme, välkomnande och acceptans; något som var okänt i det de kallade hem. Och ur de många afroamerikanska Jazzmusikerna som bosatte sig i Indien och samarbetade med inhemska musiker växte indisk Jazz fram. Ett annat residentband för Taj Mahal Hotel var en samarbetsinsats mellan svarta, indiska och vita musiker; bandet leddes av Teddy Weatherford på piano och Cricket Smith på kornett, och såg indisk Jazz utveckla sin egen stil bortom mer traditionell amerikansk Jazz. Själva begreppet genren kan vid första anblick tyckas motsägelsefullt, men ger mer mening och förenas smidigt när man bedömer och avkodar dess kompositionella rötter. Klassisk indisk musik är i grunden improvisatorisk, beroende på friformade vokaler, kompletterad av gnistrande sitarer och sprudlande tablas. Jazzartister av indisk etniskt ursprung tog improvisation—ett koncept de var väl insatta i—och tillämpade det på pentatoniska skalor istället för ragas (indiska skalor), spelade på träblås och brass istället för shehnai, och västerländska trummor istället för tabla och dhol. Denna kulturella förening gjorde det möjligt för indiska musiker att diversifiera och utöka sina musikaliska inspirationer, och födde karriärer för några av de mest ikoniska indiska musikerna i historien.

Tyvärr har den indiska Jazz-scenen mestadels blivit bortglömd i Indien trots att den varit en integrerad del av dess aura. Jazzens genomslagskraft visar hur mycket Mumbai var en mångkulturell och verkligen global stad på liknande nivå som New York. Deras likheter ligger i att de är hamnstäder och deras förmåga att vara pragmatiska och ta emot influenser. Faktum är att Jazz är så livsviktigt för den moderna indiska andan att när Indien fick självständighet från Storbritannien den 15 augusti 1947, firade de rikaste av de rika på Taj med inget mindre än Jazzmusik. Även om självständighetsdagen hyllas av den patriotiska bengaliska dikten som blev sång “Vande Mataram” från 1882, symboliserade detta musikaliska partnerskap frihet och kreativitet för både svarta och bruna musiker som undertrycktes av vita människor. Tyvärr har den längst levande indiska Jazzmusikern, Micky Correa, nyligen gått bort, så ingen finns kvar för att berätta förstahandsberättelser från balsalen på Taj Mahal hotel. Vad som är värre är att det inte genomfördes några intervjuer med dessa musiker heller, och vi kan bara förlita oss på deras inflytande fångat i populärkultur för att utforska berättelsen om indisk Jazz.

Bollywoodproducenter och musikdirektörer började få nys om Jazz-trenden bland Indiens elit, och behövde något, eller mer specifikt, någon, för att modernisera deras snart föråldrade ljud. Denna någon var en man som kanske är synonym med indisk Jazz, Antonio Xavier Vaz, bättre känd som Chic Chocolate. Kanske den mest kända Jazzmusikern du aldrig hört talas om, Chic var en multiinstrumentalist från Goa som lyckades nå framgång genom att spela trumpet på många Bollywood-ljudspår. Chic var starkt inspirerad av Louis Armstrong och kallades ofta för “Louis Armstrong i Bombay,” och gick så långt som att bära sin signaturhandduk och sjunga i den gutturala och hesande stilen.

Han började sin karriär i Mumbai och ledde ett elva man starkt band på Taj Mahal Hotel. Hans arbete var produktivt, hans inflytande är evigt, och naturen av hans komposition och framförande bildade grunden för detta kultursamarbete som indisk Jazz främjade. Att se Chic Chocolate uppträda var mer än bara en genomsnittlig konsert; han såg till att hans publik fick en upplevelse de aldrig skulle glömma. Han hade en högljudd och charmerande personlighet som förtrollade både främlingar och stamgäster; han kunde hantera en publik med sin kvicka personlighet, och hans kärlek till att uppträda var påtaglig. Han utvecklade till och med en så stark relation med sina stamgäster att han spelade deras favoritlåtar så snart de klev in i rummet. Denna livfullhet är definitivt påtaglig i hans musik; när man lyssnar på gamla inspelningar av hans soloverk blir man fängslad av hans trumpetspel. Hans trumpet hade den här gruffigheten och råheten, särskilt på låten “Contessa”; den hade nästan en livfull personlighet av sitt eget och krävde allas uppmärksamhet. Chic hade spelat trumpet sedan han var 25 och lyckades uppnå en oöverträffad nivå av virtuositet. Även om han främst var känd som trumpetare, innebar hans skicklighet att han även spelade saxofon, violin och flera rytminstrument, och blev arrangör och dirigent.

Jazzens påverkan var så ljuvlig att den slog sig in i Bollywood, och Chic Chocolate har krediterats med att ha introducerat västerländsk musik för indiska musikdirektörer. C. Ramchandra, en produktiv Bollywoodkompositör, var särskilt påverkat av Jazz och sökte inkorporera detta i sitt arbete. Ramchandra arbetade mycket nära Chic för att förfina en stil och hylla Jazz på ett mycket indiskt sätt. Trots sin genomslagskraft bland eliten och i lyxhotell, möjliggjorde Jazzens sammanflätning med Bollywood—i princip Indiens svar på popmusik—att den blev tillgänglig för alla oavsett klass eller kast. Bollywood-filmen Albela som kom ut 1951 var en mjuk introduktion till Chic Chocolate. I huvudsak är soundtracken mycket söt, mjuk och nutida, men Chic Chocolates trumpet som sväva genom dessa i övrigt mycket indiska låtar fungerade som en portal till Jazz. En sådan låt är “Eena Meena Deeka” från filmen 1957 Aasha som blev så berömd att den har medverkats i internationella reklamfilmer. Denna låt såg Ramchandra förmå sig att tolka Jazz på ett distinkt indiskt sätt samtidigt som den fortfarande lät traditionellt som afroamerikansk Jazz. Texten “maka naka” är Konkani för “Jag vill inte,” och vi såg en fusion av Goan, portugisiska och afroamerikanska influenser hoptryckta i en unik ljudupplevelse. I slutändan var det en rolig, nonsens-låt som sammanfattade Chics levande anda och som varje annan låt han krediteras för, demonstrerar perfekt hans musikaliska och geografiska genreöverskridande pragmatik. Bollywood-musik har länge haft en historia av att ta från trender och inkorporera det med traditionella indiska element, mest påtagligt med Bappi Lahiris tolkning av disco.

Tyvärr, under 60-talet—decennium som präglades av Jazzens popularitet—hade genrens lockelse börjat avta. När kompositörerna Laxmikant-Pyarelal hade börjat göra vågor i Bollywood med sin återvinning av psykedelisk musik från väst och tyngre, elektroniska instrument och Rock n Roll började ta prioritet, var Jazz inte längre cool efter en något 40-årig herravälde som sträckte sig över två generationer. Vikten av indisk Jazz ligger dock inte bara i dess slutprodukt, utan i den rasliga solidaritet och samarbeten som föddes utav två diskriminerade grupper av människor av färg av vita människor; Indien av kolonialism, och afroamerikaner av slaveri, som gav sina länder; deras musik till varandra och skapade något så ofantligt unikt. Vad som kan tyckas vara en nästan ofattbar krock av kulturer för dem som är obekanta, är egentligen en insiktsfull utforskning av hur musikens formbarhet skapar skönhet och egenartad talang.