Årets bästa videospelsmusik 2016

Doom

Doom är fortfarande en av de mest inflytelserika franchise i videospels historien, men det är ingen hemlighet att vi har lämnat några av dess mer uppenbara impulser - motorsåg glory kills, B-rangs man-kraftfantasi, metalcore - i slutet av 90-talet. Men denna omstart, som släpptes mitt under året utan några som helst hoppfulla utsikter om dess potentiella kvalitet, är otrolig. Ljudspåret förstärker din vanliga Nine Inch Nails industriella thwomp till mördande nivåer, och plötsligt känns cirkel-strafing avgörande igen. På något sätt vägrade id Software kategoriskt att uppdatera sina otacksamma tonåringdrömmar och levererade en produkt som är fantastisk och bortom all kritik på bästa sätt.

Brigador

Det är en verklig skam att Brigador släpptes flera decennier för sent för att paketeras i en arkadmaskin. Du spelar en destruktiv mech i en vacker, helt destruktiv 2.5D-miljö och får instruktioner att avfyra raketer och krossa väggar tills varje synaps i din hjärna tänds av glädje. Musiken har, som förväntat, en fantastisk vektoriserad värme - den typ av elektropop med snabb release som tidigare fick generationer att sikta på högre poäng och mer desperat kvartsnapande från valfri vuxen i rummet. Om du gillade Oneohtrix Point Nevers bleknade VHS-pastiche kommer du att älska Brigador.

Oxenfree

Du skulle kunna förlåta om du glömde bort Oxenfree. Den kom till Xbox One och PC i början av året, och som du kommer att se senare på denna lista, 2016 var inte kort om obehaglig synthwave, ennui och övernaturlig paranoia. Men ändå, med sina nerviga tonåringar och gripande sci-fi konspiration, är Oxenfree troligtvis det närmaste videospel har kommit ett genuint Stranger Things-ögonblick. Kompositören scntfc:s sockrade, glatt artificiella loopar passar perfekt på det uråldriga pek-och-klicka-spelet. När det fungerar känns det som att du är under täcket, beväpnad med en ficklampa, hängande kvar i mysteriet för ditt liv.

Firewatch

Firewatch var ett ensamt spel om en ledsen man i Wyomings vildmark, men (tack och lov) packade tillräckligt med kvalitetsförfattande för att lyfta det från någon patetisk Knausgaard-liknande självsökande klagan. Den centrala relationen i berättelsen är mellan din förlorade, barnlösa skild, och en osynlig kvinna på radion som arbetar på den nästa hundra acres. Kompositören Chris Remo pudrar deras interaktioner med precis rätt mängd ambient, rödaktigt folk - i den sortens material som du skulle tro att Aphex Twin eller Stars on the Lid skulle kunna göra om de någonsin satte sig för att göra ett countryalbum. Några ensamma gitarrplukningar skvätt på en tom takt, den sporadiska syntens dova dunder som håller allt på plats - det är exakt vad det borde låta som att vara en mil härifrån.

Thumper

Thumper ansågs vara ett "rytmisk våld"-spel av sina skapare Marc Flury och Brian Gibson. Det kan verka som ett överambitiöst stunder av genre-myntande, men sen minns du att Gibson tillbringade betydande tid med de Providence-baserade bullervägarna Lightning Bolt. Det är i grund och botten Frequency, förutom traumatisk. Du kontrollerar en amorf klump i en abstrakt helveteslandskap, håller koll på en takt för högsta poäng. Men musiken som spelas är detta skrämmande, arg, brus-dans vrål. Det är som om Skrillex hade blodförgiftning, eller om Haxan Cloak bestämt sig för att han inte var tillräckligt djupt. Resultatet är ett fantastiskt videospel men också en av de mest imponerande icke-album musikupplevelserna någonsin.

Hyper Light Drifter

Om The Legend of Zelda blev utrustad och återfylld med skinande, perfekt animerad pixelkonst och en 21:a-århundradets ultra-polish känsla av stil, skulle du få något liknande som Hyper Light Drifter. Det är ett av de små, besatta projekten som främst existerar för vibbar - varje kodrad att oroa sig över upp till Wes Anderson nivåer av detaljrikedom. Musiken återspeglar en svajig, Boards of Canada-liknande flimmer av retrofuturism - de primitiva 16-bits ljudchipsen av Super Nintendo som vridits in i moderna former och trender. Det kan verka föråldrat som hell i några år, men just nu är Hyper Light Drifter en perfekt distillation av allt som är hippt i videospel.

Dark Souls 3

Du har inte levt förrän Yuka Kitamura och Motoi Sakuraba blastat dig med en obeveklig, hjärnsqueezeande skräck-gotisk opera medan du är på dina sista ben i en övergiven kammare djupt under ruinerna av en förfallet stad. Souls-spelen handlar allt om intensitet. Det finns inga handledningar, inga förklaringar och ingen pausknapp. Döden är överallt. När insatserna är så här höga blir doom i kompositionerna oundviklig. Till skillnad från andra spel på denna lista tror jag aldrig att jag skulle lyssna på Dark Souls ljudspår för nöjes skull, men det är för att dessa angrepp är avsedda att konfronteras med hopplösheten av en död gud, och den sipprande paranoia av vad som helst som ligger bortom nästa dörr.

Watch Dogs 2

År 2001 började Grand Theft Auto den vackra traditionen med videospel med licensierade ljudspår. I flera år har många open-world videospel itererat på det konceptet, det mest kända förmodligen är Grand Theft Auto V med sin anpassade spellista från verkliga stjärnor som Flying Lotus, men du måste ge det till Watch Dogs 2, som inte bara fick Hudson Mohawke att skapa den officiella ljudspåret, utan också ger honom sin egen in-universe radiostation. Det är en perfekt marknadsföringsstrategi, och en uppenbar kombination med de Ritalin-poppande skurkarna i berättelsens kärna.

The Banner Saga 2

The Banner Saga 2 ser ut som en Disney-film. Inte i Pirates of the Carribean meningen, eller ens i Moana meningen. Det ser verkligen ut som Snövit eller Pinocchio. Alla karaktärer är handritade av det tre-man teamet på utvecklingsföretaget Stoic, och kvaliteten är fantastisk. Det är lustigt, för så mycket som The Banner Saga 2 framkallar den gyllene eran av barnanimation, är det också en allvarlig berättelse om stora hornuddiga vikingar i en brutal, fientlig värld. Om David Hand hade varit arg på världen på 30-talet, skulle han kanske ha gjort något som detta. Musiken består mestadels av mjuka, bleka horn som lånar tungt från frusna Nordeuropa, men med en lätt Tolkien-touch för att påminna oss om att världen inte är vår egen.

Furi

I Furi kontrollerar du en hämndlysten, futuristisk samuraj som skär genom en liga av övermäktiga bossar på din väg för att befria en fallen planet (eller något liknande.) Det är i grunden ett kärleksbrev till den hyper-violetta cyberpunk anime som skaparna växte upp med - och ljudspåret lånar från synthwave-mästare som The Toxic Avenger, Waveshaper och Lorn för att bygga de perfekta skymningarna, teknik-eroderade dystopier vi alla lite önskar att vi bodde i.