De 10 bästa industriella albumen att äga på vinyl

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle uppfann industriell musik. Faktum är att de myntade termen — Industrial Records var deras skivbolag, och frasen "industriell musik för industriella människor" blev deras slogan, som började med 1977 års The Second Annual Report. Även om vad som menades med "industriell" inte var så väl definierat i början. De bildades som COUM Transmissions i Storbritannien i mitten av 70-talet, Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti och Peter "Sleazy" Christopherson antog så småningom namnet Throbbing Gristle och framförde konfrontativa livuppträdanden som innehöll pornografiska eller våldsamma bilder medan de skapade kakofonisk musik, ofta med talad text som komplettering, vilket ledde till mästerverk av skräck som 1978 års "Hamburger Lady."

Deras främsta prestation var 1979 års 20 Jazz Funk Greats, ett album som representerar Throbbing Gristle i deras mest musikaliska — även om det är en relativ term. Albumomslaget visar bandet som ser glada ut vid Beachy Head, en beryktad självmordspunkt i Storbritannien, en slags bete och byte som tjänade till att provocera ovetande lyssnare som bläddrade genom skivaffärernas bin. Men även om detta album är hårt, är det också rytmiskt och ofta tillgängligt i delar, vilket erbjuder deras tolkningar av exotica, dub och minimal synth-punk i stil med Suicide. Det innehåller även "Hot on the Heels of Love", deras mest okomplicerade disco nummer, som lånar frikostigt från Giorgio Moroders trick. Det finns stunder av relativ stillhet, till och med hooks, men varje spår känns osäkert och otryggt, varje ögonblick av melodi existerar för att skapa en falsk känsla av komfort — bara för att bandet snor det bort en sekund senare.

Killing Joke: Killing Joke

Londonbaserade post-punkgruppen Killing Joke transformerade kanske inte helt till industriell metal förrän i början av 90-talet, när de släppte Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. Men grunden till de obevekliga, gnisslande hymnerna ligger i den hårda punkrockstompen av deras självbetitlade debut. Albumet — även om det är helt gjort med en traditionell gitarr, bas och trummor — är fyllt av kalla, metalliska ljud och korrosiva effekter. Synthsubljudet som introducerar "Requiem" är något som liknar en primitiv mall för de bearbetade, sekvenserade ljud som Ministry och Nine Inch Nails senare skulle anta, medan Jaz Colemans desorienterande och distorderade röst i "Wardance" ger låten den typ av bisarra skräck som kan kopplas tillbaka till tidigare industri. Vad gäller industri är Killing Jokes debut mer avgörande för att lägga grunden än för att se ljudet helt förverkligat, men det är en viktig saknad länk.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton är inte bara en viktig figur inom experimentell musik, utan också en mycket produktiv sådan. Hans katalog inkluderar mer än 60 studioalbum samt en lång lista av samarbeten med artister inom industriell musik (Current 93), prototyper av genren (Faust) och de som helt ligger utanför den (Stereolab). Hans mästerverk, Homotopy to Marie, kom relativt tidigt i hans karriär och är en 50-minuters ljudkollage som för samman den performancekonstestetik som Throbbing Gristle förespråkade med en ännu mer absurd, surrealistisk känsla. Knappa få stunder på Homotopy to Marie liknar verkliga melodier, och de stunderna kommer ofta efter att lyssnaren leddes genom skrämmande labyrinter av klangande cymbaler, hittad dialog, knarrande dörrar, skällande hundar och olika andra ljud som är mest störande när lamporna är släckta och allt annat är kusligt tyst. Att så mycket av albumet är tomt rum gör endast ljuden i Stapletons kassettloopar så mycket mer skrämmande. Medan senare industriella artister skulle skapa rytmiska mönster av sådana hårda ljud och effekter, hittade Stapleton sin konstnärlighet i en förvriden symfoni av kaos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Sheffield’s Cabaret Voltaire började mycket som Throbbing Gristle gjorde, genom performancekonstuppvisningar tillsammans med bandinspelningsexperiment. Men bandet — namngivet efter en klubb i Zürich som var centrum för Dadaist-rörelsen i början av 1900-talet — utvecklades genom olika faser av sin karriär, och gjorde ett tidigt intryck med synth-punk-singlar som "Nag Nag Nag" innan de inkorporerade mörkare, hårdare ljud som mer närmar sig den intensiva stil som vi idag känner som "industriell." Deras fjärde album 2x45, släppt efter deras hårdare tidiga skivor och det mer dansvänliga materialet från deras elektroniska kroppsmusik (EBM) period, är Cabaret Voltaires mest kreativt vilda utgåva, där de blandar danspunk, no wave och den elektroniktunga militarismen från tidig industri. Det är ett av deras roligaste album, drivet av rytmerna från höjdpunkter som öppningslåten "Breathe Deep" och "Protection," men det är också bland deras mest konstiga och kusliga inspelningar. De förvridna vokalerna och den kaotiska tätheten i "War of Nerves" känns lite som en funky Godflesh. Det är bland bandets mer tillgängliga album, trots de ibland hårda elementen och, berättigat nog, var det första att hamna på den brittiska albumlistan.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

Einstürzende Neubautens namn översätts till "kollapsande nya byggnader" vilket i grunden sammanfattar den tyska bandets etik. De tog idén om industri till sin bokstavliga extrem, skapade ljud från metallbitar och hårdvara, de hårda ljud som de producerade var ofta mer i linje med musique concrete än verkligt låtskrivande. Halber Mensch (översättning: halv man) representerade ett genombrott för bandet i och med att deras kompositioner blev mycket mer musikaliska, mer mänskliga till och med, även om de fortfarande var ganska skrämmande. Albumets titelspår är till exempel ett körverk, men det är något av mardrömmarnas material — en septett av röster som sjunger som om de är involverade i en kultritual. "Yü-Gung," hur vass den än må vara, drivs fortfarande av en stadig 4/4-takt och Blixa Bargelds rytmiska vokala skällningar. Det finns till och med en egendomlig skönhet i höjdpunkterna "Seele Brennt" och "Sensucht." Under de kommande åren skulle gruppen omfamna mer konventionella melodier, deras videor skulle även dyka upp en eller två gånger på MTV:s 120 Minutes, men inget album så flytande förenade kakofonin av deras skrotmetallsinstrumentering med ärliga låtar som detta.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell har samlat nästan lika många alias som han har inspelningar genom åren — You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus och Clint Ruin för att nämna några. Men utvecklingen av hans många namn talar för den ständiga kreativiteten från den australiensiska musikaliska galenskapen. Nail, hans fjärde studioalbum som Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, för dem som håller reda på), är på en gång hans mest tillgängliga och mest gränslöst kreativa musikuppsättning. En sammanslagning av industriella klangiga, metalliska percussiva ljud med blues, jazz, post-punk och till och med showmelodier, känns albumet ibland som Raymond Scotts cartoonskålar framförda av onda robotar.

Thirlwells referenser är många och mångsidiga, och lånar från Shakespeare på punk-blues stompen "Throne of Agony," medan "Enter the Exterminator" inkorporerar element från Griegs "In the Hall of the Mountain King" och "DI-1-9026" nickar till Timothy Leary. När albumet når sista låten "Anything (Viva!)" skriker Thirlwell: "Jag kan göra vilken jävla sak jag vill!" Visst.

Coil: Horse Rotorvator

Omslagskonsten till Coils Horse Rotorvator, en enkel men kuslig bild av en tom gazebo med sina skuggor som sträcker sig över ett tomt fält, är präglad med en kort berättelse om en "omfattande jordförflyttningsanordning" tillverkad av underkäkarna på de fyra ryttarna av apokalypsen. Det är en god indikation på vilken slags hotande skräck som väntar lyssnaren på albumet. Där en artist som Nurse With Wound är skrämmande på grund av den fullständiga oförståeligaheten av vad som händer, skapar Coil en liknande typ av skräck från något mycket mer tillgängligt, till och med vackert. John Balance, Stephen Thrower och den tidigare medlemmen i Throbbing Gristle, Peter Christopherson hittar skönhet i depraving och vice versa, vilket visar en spöklika öm sida på balladen "Ostia (The Death of Pasolini)," en proto-neofolk klagan om den brutala mordet på filmregissören Pier Paolo Pasolini 1975. Det finns också den straffande marschstompen av EBM på "Penetralia" och blodkurvande atonalitet i "Blood From the Air." En bekant röst för nyvågelyssnare dyker också upp på dödsbluesen "Slur," nämligen Soft Cells Marc Almond, krediterad under namnet Raoul Revere. Faktiskt hade Coil bara två år tidigare gjort sin egen tolkning av "Tainted Love," som Soft Cell gjorde berömd, med Almond som dök upp i videon symboliserande Dödsängeln.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Ministrys tidiga år spenderades med att kasta nästan allt på väggen och se vad som fastnade (synth-pop, ny romantik, goth rock), och de senaste två decennierna har sett dem slå sig ner i politisk, skämt-tung industriell metal. Men i mitten av 80-talet, Al Jourgensen och gänget hittade sin stil, och skapade i huvudsak mallen för industriell rock. Där industriellt historiskt har haft en fot på konstscenen och den andra på dansgolvet, har Ministry ofta föredragit det senare, deras samplingstunga ljud skapade en kollision av elektroniska beats och hårdrocksgitarrer.

The Land of Rape and Honey är inte deras mest strömlinjeformade album, men det är lätt deras bästa, en kreativ explosion av mörkt atmosfärisk hot och ren volym. Med "Stigmata" skapade de en klubban för att rivalisera med deras tidigare, kitschiga singel "Every Day Is Halloween," medan "The Missing" hittade dem som trycker längre in i metallestetiken och "Golden Dawn" framkallade en apokalyptisk, filmisk atmosfär som väcker bilder av fallande byggnader och rökplymer. Även om Ministry är långt ifrån det mest seriösa bandet i industriens historia, var de de första som bemästrade det som en storskalig, mainstream-vänlig produktion.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick var endast 19 år gammal när han gjorde sin banbrytande industri-metaldebut med Godflesh, 1989:s Streetcleaner. Det är ett anmärkningsvärt faktum med tanke på att det inte låter som arbetet av knappt en vuxen — det är den typ av ljud man skulle förvänta sig att höra från malevolenta, odödliga varelser som lever under jordens yta. Där rötterna av industriell metal främst kom från artister som utvecklades från industriens tidiga, post-punk rötter — som Killing Joke eller Ministry — var Godflesh's personal något etablerade mer i metal själv, Broadrick hade kort spelat i Napalm Death innan han saktade ned takten och rekryterade en trummaskin. Streetcleaner, som en följd, är inte någonstans i närheten av ett dansalbum — det är en hård serie av tonflyttade primitiva skrik, malande gitarriff och Roland-bass-dunkar. Det är ljudet av en särskilt sadistisk dystopi.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

För den stora majoriteten av banbrytande industriella akter var mainstreamacceptans inte mycket av en faktor, och i fallet med Throbbing Gristle var crossoverframgång en idé som helt gick emot deras provokativa sensibiliteter. Ändå för Trent Reznor, en artist som faktiskt samarbetade med medlemmarna av Throbbing Gristle, var pop och industri inte motsatser. Rolling Stone beskrev Nine Inch Nails debut Pretty Hate Machine som “det första singer/songwriter industriella albumet,” och med sin uppföljare från 1994, The Downward Spiral, använde Reznor den tidiga planen för att bygga ett sammanhängande, konceptuellt art-rock-album med industriella verktyg för att skapa dess breda ljud.

Vid sin release var The Downward Spiral ett utan motstycke genombrott för industriell musik, som visade både de maniska extremiteterna av sample-baserad industriell metal ("March of the Pigs") såväl som dess mest introspektiva och förödande ballader ("Hurt"). Ibland liknar albumet till och med en robotenhet som staplar genom gnistor, som på den ursinniga "Reptile." Det är ett mästerverk av produktion, ett som gjorde idén om industriell musik universellt erkänd, tack vare en stor del till den galopperande hiten sexlåten, "Closer." Faktumet att Maxwell tolkade låten på MTV:s Unplugged bara några år senare markerade ett något surrealistiskt ögonblick där linjen mellan en gång bullrig undergroundkultur och topp 40 slutligen suddades ut.