Referral code for up to $80 off applied at checkout

De 10 Bästa Vocal Jazz Albumen Att Äga På Vinyl

På April 5, 2018

Jazzentusiaster är ungefär så varierade som de kan bli när det kommer till deras preferenser för jazzstilar, favoritinstrument, Miles Davis-erans rangordningar, och, ja, huruvida vokaljazz är lika bra som instrumentaljazz. Svaret på det sista är ett rungande “Ja!” Hur kan vi prata om jazz utan att tala om de stora jazzsångarna som Billie Holiday och Ella Fitzgerald?

Fokuset på vokaljazz ligger uppenbarligen på sångaren; rösten är instrumentet. Det är därför logiskt att den mesta vokaljazz framställs i en mer traditionell sångform. Ord och texter ger en struktur men detta är inte nödvändigtvis begränsande. Rytmvariation plus innovationerna med scat-sång (ordsynonymer) och vokalese (ord läggs till instrumentaler) innebär att rösten kan gå jämte även de bästa instrumentala solona med improvisation i frasering, rytm och tonhöjd. Därför kan vokaljazzlåtar sträcka sig mellan pop/musikaliska standarder och mer experimentella former. Himlen är gränsen.

De bästa jazzsångarna är de som tar med dig in i låten, med sin tolkning och framträdande bidrar de med tyngd och känsla. De kan groova, sväva och förtvivla. De är lekfulla och varma, tekniska men ändå avslappnade. De är en betydande del av den musikaliska kanon och förtjänar uppmärksamheten hos alla jazzfans. Här är 10.

Get The Record

$349

Billie Holiday: Lady In Satin

Det sista Billie Holiday-albumet som släpptes under hennes livstid, Lady In Satin (1958) fick ett blandat mottagande vid sitt första släpp. Holidays röst hade förändrats och försvagats, åren av alkohol- och drogmissbruk samt misshandelsrelationer hade tagit ut sin rätt på hennes sinne och kropp. Men det finns en frodig ömhet i dessa låtar. Arrangemangen med Ray Ellis och hans orkester är underbara på detta album med låtar hon aldrig hade spelat in tidigare. Albumöppnaren är hjärtslitande med texten: “Jag är en dåre som vill ha dig / Jag är en dåre som vill ha dig / att vilja ha en kärlek som inte kan vara sann / en kärlek som också finns för andra.” Holiday hade alltid förmågan att få lyssnarna att djupt känna låtens känslor. Lyssna på “I Get Along Without You Very Well” och alla som någonsin har längtat efter en före detta kan omedelbart relatera till Holiday när hon sjunger om att gå vidare tills hon påminns om gamla tider. De vemodiga teman kring att älska fel person, förlora i kärlek eller se tillbaka på kärlekar som länge gått gör detta album till ett självklart val för regniga dagar ensamma under en mysig filt.

Frank Sinatra & Antônio Carlos Jobim: Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim

Eftersom han är Frank Sinatra föreställer du dig antagligen Rat Pack-bilden, Vegas och de där klumpiga filmen i sen karriär. Men vanliga lyssnare glömmer att Sinatra också var en artist som brydde sig om låtar, deras ljud och hur han sjöng dem. När bossa nova (en smidig jazz/samba-fusion) blev mode på 60-talet, bandwagonade han inte bara, utan han rekryterade Antônio Carlos Jobim, en pionjär inom genren, till ett äkta samarbete som resulterade i Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim (1967), ett Grammy-nominerat album. På en uppsättning av mestadels Jobim-kompositioner har Sinatra aldrig låtit så mjuk och mild; hans tolkningar och framförande träffar dig i magen med mening och stilla känsla. Den nödvändiga bossa-standarden “The Girl from Ipanema” är avsiktlig och luftig. Orkestern spinner och Jobims gitarr vaggar. Andra favoriter inkluderar hans version av “Corcovado” kallad “Quiet Nights of Quiet Stars” här och “Once I Loved (O Amor em Paz).” Genom delikata strängar och sporadiska Jobim-backing vokaler, är Sinatra på en gång sofistikerad och känslig, avslappnad och öm.

Betty Carter: Betty Carter

Återutgiven på CD under namnet At the Village Vanguard i början av 90-talet, Betty Carter (1970) var Betty Carters första liveutgåva (tack vare att mastern av en tidigare liveset blev stulen). Det har en fördel över den andra uppsättningen (som senare släpptes 1975 som Finally) på grund av hur hon blandar sig med publiken, vilket ger en rå närvaro till hennes karaktäristiska improvisatoriska frasering och scatting, vilket gör att det känns som om du är i publiken. Carter var en kreativ kraft—hon målade mästerverk med ord, böjde och vred på dem efter egen vilja och hon var inte rädd för att höja eller sänka tempot mitt i låten, vilket utmanade musikerna att hänga med eller ge upp. Albumet öppnar med “By The Bend Of The River” och hon sassyar upp det med lyssnarna i sin samskrivna “Ego.” Hon bryter ner bekanta nummer från Rodgers, Hammerstein och Hart och omformar dem till sina egna skapelser, både långsamt brinnande och explosioner. En jazzinnovatör, detta album är ett bra exempel på Carter som flexar och slipar sitt hantverk. Inga vinylutgåvor sedan 1970, så ge dig ut på skivjakt.

Jon Hendricks: A Good Git-Together

Jon Hendricks gjorde först namn som en tredjedel av den enormt inflytelserika vokalgruppen Lambert, Hendricks and Ross, kända för att popularisera vocalese där ord sjungs till välkända instrumentala stycken, även till tidigare improviserade solon. En skicklig scat-sångare och låtskrivare, Hendricks skulle ofta använda ord för att berätta kloka historier eller bara verbalt beskriva hur solot kändes, som en scattande Shel Silverstein om du så vill. På sitt första solostudioalbum, A Good Git-Together (1959), samarbetar Hendricks med Pony Poindexter (altsax), Wes och Monk Montgomery (gitarr och bas), en ursprungligen oackrediterad Cannonball och Nat Adderley (altsax och kornett), bland andra. Resultatet är som en stor fest med några låtar skrivna av Hendricks som titelspåret om gruppen av musiker som spelar tillsammans, högtflygande scat-fylld “Minor Catastrophe”, och överraskande raka vokala versioner av standards “Social Call” och “Out of the Past.” Med vocalese och scat genomgående, plus fantastiska Montgomery- och Poindexter-solon, är A Good Git-Together värt att spåra upp.

Sarah Vaughan and Her Trio: At Mister Kelly’s

Sarah Vaughan hade en av de där rösterna som man bara vill höra hela dagen. Hon kunde gå djupt till kvinnliga barytonnivåer och högt upp till sopran. Vaughan stöds av en trio (Jimmy Jones, piano, Richard Davis, bas, Roy Haynes, trummor) på detta intima live-set från 1957 At Mister Kelly’s, inspelat på en jazzklubb i Chicago. Hon glöder på medeltempolåtar och ballader. Hon skrattar med publiken när musikerna jobbar ut nyckeln på “Willow Weep For Me” och sedan improviserar hon linjer mot slutet efter att någon välter något. Men alla är så avslappnade att det spelar ingen roll och de fortsätter. Det blir snappy på “Just One of Those Things,” lekfullt på “Honeysuckle Rose,” och hjärteslitande på “Just A Gigolo.” Min personliga favorit är avslutningsnumret “How High The Moon” där de faktiska texterna går ut genom fönstret med linjer som “Ella Fitzgerald sjunger den här låtenen riktigt, riktigt galet… så jag ska försöka sjunga den på det sättet för er.” Det är exakt så som en sen kväll på en liten jazzklubb ska låta.

Jimmy Scott: The Source

Jimmy Scott sjöng i en hög tenor/altorange (på grund av Kallmanns syndrom som förhindrade hans röst att mogna) som urholkade varje uns av sorg och längtan ur varje stavelse. Han började sin karriär med Lionel Hamptons band på 40-talet innan han tyvärr skrev kontrakt med Herman Lubinsky, som orättvist höll honom till ett livstidskontrakt vilket resulterade i att två album för andra skivbolag drogs tillbaka (Falling In Love Is Wonderful (1963) och The Source 1970). En nedslagen Scott drog så småningom sig tillbaka från musikbranschen helt innan han fick en revival i sen karriär på 90-talet (Fire Walk With Me soundtrack, någon?). Återutgiven på vinyl 2015, The Source är på den torch-song-sidan av jazz, med långsamma abstrakta orkestersträngar, gjorda ännu långsammare av Scott, som gillade att hålla fast vid toner som om hans liv var beroende av det—hans fängslande röst tränger in i din själ. Det har spine-tingling versioner av “On Broadway,” “Unchained Melody” och “Sometimes I Feel Like A Motherless Child” som bara kommer att krossa ditt hjärta. Ackompanjerad av musiker som Ron Carter (bas) och Junior Mance (piano), The Source är ett underskattat mästerverk.

Mark Murphy: Midnight Mood

Om du stänger ögonen och föreställer dig hur en hip manlig jazzsångare ska låta, skulle ditt sinne i slutändan höra Mark Murphy. Mannen utstrålade coolhet och hade talentet att backa upp det. En produktiv artist började han sin karriär i slutet av 50-talet, spelade in album i USA och Europa in i 2000-talet som täckte popstandarder, swing, blues, bop, vocalese och poetisk jazz. Murphy spelade in Midnight Mood (1968) i slutet av 67 i Tyskland med en oktett ur ett av de stora internationella jazzbanden, Kenny Clarke/Francy Boland Big Band. Öppnande acapella på Duke Ellington/Ben Webster-låten “Jump for Joy,” har Murphy förtroendet att förklara sig värd att lyssna på utan ackompanjemang men sedan hoppar bandet in och han blir scat galen. Albumet utvecklas från tidig kvällslätthet till mörkare sen-nattgrubblerier som Murphys original “Hopeless” och hans djupt känslosamma tolkning av “I Get Along Without You Very Well.” Midnight Mood är ett övergångsalbum för Murphy då han rör sig bortom sina traditionella crooner-början in i mer rytmisk variation, och etablerar en stil som är helt hans egen.

Dinah Washington: Dinah Jams

Sannolikt mer känd nu för sina mjuka pop/jazzstandarder, som på sin klassiska What A Diff’rence A Day Makes! (1959), var Dinah Washington bekväm med jump, blues, R&B, pop och jazz; hennes bluesiga sång passade alla stilar hon ville. Mjuk jazz är bra och väl, men om du vill se Washington ta fram hettan, är Dinah Jams (1955) albumet för dig. Inspelat sommaren -54, ser Dinah Jams Washington uppträda inför en live-studio publik i Los Angeles med en fantastisk grupp musiker inklusive Clifford Brown (trumpet), Clark Terry (trumpet) och Max Roach (trummor), bland andra. Det är i grunden en löst organiserad jam-session av ett album som öppnar med en nästan 10-minutersversion av “Lover Come Back To Me” och sedan rör sig genom en flammande medley av “Alone Together,” “Summertime,” och “Come Rain or Come Shine.” Albumets höjdpunkt måste vara avslutningen, “You Go To My Head,” som öppnar som en traditionell ballad men tempoet ökar sedan till en utökad instrumentaldel innan Washington kommer tillbaka för att sjunga slutet. Ren eld.

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman

Det är svårt att föreställa sig John Coltrane som en stödjande ackompanjatör till en sångare och det beror på att det egentligen bara finns ett album där han samarbetade med en, John Coltrane and Johnny Hartman (1963). Coltrane kom från dåliga recensioner för sina experimenterande i modal och fri jazz och det föreslogs att han skulle spela in med en sångare. Johnny Hartman var en underskattad balladsångare som hade sjungit i Earl Hines’ och Dizzy Gillespies band, och sjöng som om hans röst var gjord av rikt, djupt smör men bröt aldrig riktigt igenom i mainstream som soloartist. Hartmans mjuka baryton, en dämpad bas (Jimmy Garrison), lätt borstade trummor (Elvin Jones), känsligt piano (McCoy Tyner) och återhållsam tenor sax från Coltrane tar oss på en resa genom kärlekens första gnista och hängivenhet (“They Say It’s Wonderful” och “My One and Only Love”) genom desillusionering (“Lush Life”) och slutlig nostalgi (“Autumn Serenade”). En förening av två mästare, Coltrane är fantastisk i sin förmåga att uttrycka samma längtande känslor med sin saxofon som Hartman lätt kan med texter.

Anita O’Day: Anita Sings the Most

När någon frågar om djärva jazzsångare, tänker jag bara på Anita O’Day. Stort personlighet och scatsensation, O’Day omdefinierade bilden av vad en kvinnlig jazzsångare borde vara. Under storbands-eran bröt hon mot trenden av aftonklänningar och bar jackor och kjolar. Hon dansade, improviserade och utmanade musiker att hänga med istället för att bara stå stilla och hålla sig till melodin. Hennes ovilja att konforma och hennes beroenden innebar att hon inte bröt igenom som popstjärna men jazzvärlden omfamnade henne på 50- och 60-talet. Anita Sings the Most (även känd som Anita Sings for Oscar) är ett tidigt Verve-album som släpptes 1957 och är en av hennes bästa. Backad av Oscar Peterson Quartet, svänger O’Days sotiga sångar mellan snabba låtar och expertballader. Peterson på piano är en virvel på öppnaren “‘S Wonderful / They Can't Take That Away From Me” och särskilt på “Them There Eyes” men O’Day klarar sig lätt med sin lätta scat-stil. O’Day kanske lärde sig att hävda sig i storbandet men hennes frasering lyser verkligen när den backas upp av små jazzkomp.

Dela denna artikel email icon
Profile Picture of Marcella Hemmeter
Marcella Hemmeter

Marcella Hemmeter är frilansskribent och adjungerad professor som bor i Maryland och kommer från Kalifornien. När hon inte är upptagen med deadlines klagar hon ofta på bristen på tamalerias i närheten.

Get The Record

$349

Gå med i klubben!

Gå med nu, från 44 $
Varukorg

Din kundvagn är för närvarande tom.

Fortsätt bläddra
Liknande poster
Andra kunder köpte

Fri frakt för medlemmar Icon Fri frakt för medlemmar
Säker och trygg kassa Icon Säker och trygg kassa
Internationell frakt Icon Internationell frakt
Kvalitetsgaranti Icon Kvalitetsgaranti