Du har antagligen hört saxofonisten Colin Stetson genom hans samarbete med Bon Iver och Arcade Fire, bland många andra indieband. Han är inte ett namn du skulle koppla ihop med metal, även med New Yorks fruktbara experimentella metalscen. Med Ex Eye har han gjort entré i den världen, och vilken entré det är. Deras självbetitlade debutalbum på Relapse är sommarens jazz-svartmetall-släpp, med fyra stycken som tar oss genom vrede, extas, mystik och drömlik skräck. Den hypnotiska upprepningen av black metal möter den fria jazzens nyfikenhet och vrede; det här albumet passar bättre med de två separata formerna än tidigare jazz-metal fusioner, och utgräver sina egna möjligheter. Även på redan korta 37 minuter går det snabbt som Reign in Blood, vilket gör att det öppna utrymmet känns mer tätt än det ser ut. Ex Eye är metodiska och cerebrala utan att släcka den naturliga elden, en gemensam länk mellan den bästa metal och jazz.
Kvartetten föddes genom samarbetet med Liturgy-trummisen Greg Fox—en av samtidens verkliga makthavare inom metal—på Sorrow, en nydaning av Henryk Góreckis Symfoni nr 3. Oberoende av varandra hörde de av sig om att spela på festivaler tillsammans, och Bon Ivers Eaux Claires-festival samt Roskilde i Köpenhamn visade intresse. Stetson rekryterade gitarristen Toby Summerfield och synthspelaren Shahzad Ismaily för dessa festivaler, och gruppen blev solidifierad. Dessa killar har känt varandra på något sätt—Stetson har känt Summerfield sedan college—och hemligheten bakom Ex Eyes storhet är hur bra de klickar med varandra. Stetson är den klara ledaren, men Foxs kraft gör honom till en ställföreträdande ledare med lika stor tyngd. Även om Summerfield sliter i väg, undergräver han metal genom att placera sig i bakgrunden, låta Stetson och Fox föra fram raseri.
Om du känner honom genom hans mer kommersiella arbete, är du på väg att gå in i en dimension du inte trodde var möjlig. Om du redan är ett fan av skronks och blast? Då kommer du också att hitta något nytt.
Jag pratade med Stetson om hur modern black metal har påverkat honom, hur Ex Eye leker med tidens koncept och ensamhetens kraft.
VMP: Fanns det en avsikt med att gå den komponerade vägen med Ex Eye, i motsats till jazzimprovisation?
Colin Stetson: Min solomusik har nästan helt varit komponerad i flera år; det finns vissa skelettstrukturer där man skulle kunna påstå att det finns "improvisation" som sker när det finns tryck och drag inom strukturer och former, men jag klassificerar inte det på det sättet. Jag anser inte att det att ta solon över former verkligen är improvisation. I en jazzkontext innebär improvisation vanligtvis att man skapar spontant i stunden. När det gäller detta, finns det ingen improvisation. Vi ville närma oss detta som om vi byggde ett repertoar; detta är musikstycken som har en relation till varandra. "The Anvil", det första spåret på skivan, är helt komponerat och det finns inget som kan tolkas som improviserat. Det är en solid fyraminutersform.
Något som "The [Arkose] Disc", det tredje spåret, är så mycket en improvisation som vi satte ihop—den föddes ur en improvisation och blev sedan en kodifierad form. Vi gick tillbaka och lyssnade på inspelningarna, tightade till saker här och där, men lämnade det mer eller mindre som det var. Även om det föddes ur improvisation så när vi spelar det—formen kan sträckas och dras, och det finns ingen förbud mot att göra något utanför formen—vi tenderar att spela till den formen, till den existerande strukturen där, så den kommer alltid att ha formen, känslan, melodin och harmonin. Vi gick inte för en improviserad grupp, vi ville ha något där det fanns en strukturell integritet och karaktär i kompositionerna.
Hur relaterar styckena till varandra?
När man bygger skivan, är bakgrundsarbetet att vi alla är tillsammans i ett rum under dagar, veckor och månader, där vi formar saker och ting inte är helt avskilda utan byggs upp till specifika låtar i vakuum från varandra. Många element från vissa låtar kan blöda in i andra, och det kan finnas ett medvetet försök att ha ett musikstycke, att veta när man skriver det, att vara det första på en skiva, den första delen av en särskild båge, eller kanske är det den näst sista stunden eller klimaxet. Vi skriver verkligen till skivan, vi skriver inte bara till den individuella låten. Det finns mycket av den relationen byggd i kompositionen av alla dessa spår och framförandet av dem när vi spelade in allt.
Ser du detta projekt i samma anda som Last Exit eller John Zorns mer "metal"-projekt som Naked City och Pain Killer, grupper som sammanflätade fri jazz med tyngre element?
Jag vet att det är en jämförelse vi kommer att höra, men det är inte medvetet där vi kommer ifrån. Vi imiterar definitivt inte något annat band som skulle kunna jämföras med oss givet instrumenteringen. Jag känner mer släktskap med Krallice eller Wolves in the Throne Room, tidsenligt talat, än Last Exit, men jag vet alltid att vi kommer att få den jämförelsen på grund av [bandets] delar.
Vad har Krallice påverkat dig?
Det är mycket felfri musik som har skapats till en grad som visar—jag har alltid funnit att de är denna kristallina perfektion, men också en katartisk känslosamhet som finns över raseri som är närvarande i så mycket bra post-black metal. Och ett visst skönhetsaspekt som också är en av nyckelstyrkorna hos Liturgy. Hunter [Hunt-Hendrix, Liturgy gitarrist och sångare] kunde ta karaktärerna hos de vokala stilarna som har varit en så integrerad del av black metal och vända det till något fullt av längtan och en typ av skönhet, för att använda ett bättre uttryck, som jag svarar ganska djupt på. Inte bara att titta in i det mörka, protestera över mycket av den musiken, utan att ta det och kombinera det med saker som är ganska universella för den mänskliga upplevelsen—sorg och förlust och ensamhetens kvalitet. Dessa saker lever i de flesta metalband jag verkligen älskar idag.
Var Wolves och Liturgy din introduktion till black metal?
Specifikt till black metal, kom jag in i det på ett modernt sätt och grävde tillbaka lite. Jag växte upp med mer traditionella saker som alla gillar när de är 12 eller 13, mycket Slayer och Maiden och Metallica. Gradvis blomstrade det ut till Meshuggah och Dillinger Escape Plan. Jag tror inte att jag hade så mycket av en modern syn på black metal eftersom jag aldrig fick smak för den, det kan ha varit av olika skäl—närhet till musiken, och för att jag spenderade mer tid på andra saker i början av 2000-talet. Det som väckte en ny passion i mig för formen var Liturgy’s Aesthethica, och så blossade det ut i att jag gick tillbaka in i allt och fick en mer omfattande förståelse för varifrånden där saker hade kommit ifrån och vart de var på väg.
Vad har black metal resonerat med dig?
Det är en kombination av två saker: att hantera en densitet av information som jag har varit mycket fascinerad av och dedikerad till att utforska i min egen solomusik. På toppen av det finns det ett element av längtan och ensamhet som i stort sett ligger i hjärtat av allt. Om jag fick koka ner mig till en slags känsla, skulle det antagligen vara den, om jag skulle behöva placera mig. Det ligger i kärnan av alla undringar om den mänskliga upplevelsen och det mänskliga tillståndet. Oavsett var du börjar, kommer du att återvända till faktumet att vi alla oberoende är en kaotisk tänkande hjärna innanför ett skall som är separerat från alla och allt annat. När man utforskar det är det ganska djupgående, men också en skrämmande tanke att veta att man aldrig kommer att bli känd. Det är där mycket av detta kretsar för mig.
Hur hanterar Ex Eye specifikt ensamhet?
Det vi gör är att utforska en slags maximalism i att hantera minimalismens egenskaper—[en] liten skiftning över en lång tidsperiod, men vi gör det med avsikt att översaturera varje ögonblick med stora mängder information, melodiskt, harmoniskt och rytmiskt. Det vi försöker åstadkomma är att bryta upp eller borta in perceptioner av tidens gång, och när man lyckas med det, så när tiden har saktat ner eller blivit dragen i någon parallell, kan man börja spela på känsligheten av saken. Jag har varit besatt av detta tidsbegrepp, det finns något med att komma in i någon annans upplevelse och manipulera den aspekt. När det är genomfört finns det nu en separation och total isolerad erfarenhet för lyssnaren. Det vi försöker åstadkomma är att skapa dessa reaktioner, göra det med en överväldigande strategi och tid-spel, och förhoppningsvis blir slutresultatet att folk samtidigt dras in i sin egen lilla värld och kan självuppfatta sig på ett sätt de inte gjort tidigare och i och med det, som i en meditation, inse den motsättningen, vilket är att allt är sammanlänkat och det slutgiltiga illusionära aspektet av medvetandet i allmänhet. Så att nå djupare, mer fundamentala aspekter av tillståndet, men genom en informationsoverload. Det är den längsta versionen av detta jag har gett (skrattar).
Hur jämför du detta arbete med ditt arbete i mer populära grupper som Bon Iver och Arcade Fire?
Jag har aldrig tänkt på det i jämförande termer. Detta föddes verkligen ur en önskan att göra specifikt det här. För min roll i denna grupp ville jag ha en grupp där jag skulle utmanas och presenteras fysiskt och musikaliskt som något jag gör på egen hand. Det är säkert inte fallet i många av dessa andra grupper, där det ansvaret för ljudet inte är nödvändigt, eftersom man verkligen bara arbetar för de specifika låtarna och dessa låtar behöver inte mig att spela på den nivå av mina förmågor vid varje ögonblick. Detta var avsiktligt en mycket mer krävande, katartisk, heltäckande upplevelse för mig själv och de andra grabbarna också. Det finns mycket som pågår i varje ögonblick som passerar i musiken.
Andy O’Connor heads SPIN’s monthly metal column, Blast Rites, and also has bylines in Pitchfork, Vice, Decibel, Texas Monthly and Bandcamp Daily, among others. He lives in Austin, Texas.
Exklusiv 15% rabatt för lärare, studenter, militärmedlemmar, vårdpersonal & första responders - Bli verifierad!