Referral code for up to $80 off applied at checkout

Patrick Stickles Ger Berättelserna Bakom Sex Titus Andronicus Låtar

På July 2, 2019

Välkommen till “Personlig Spellista,” en återkommande intervjuserie på Vinyl Me, Please, där en artist väljer en låt från varje av sina album att prata om (eller en låt från varje band som de har varit med i). Här är de sex låtar som Titus Andronicus sångare Patrick Stickles valde, från “Albert Camus” till “Tumult Around The World.”

Patrick Stickles har alltid varit en öppen bok. Som frontman för Titus Andronicus har han under de senaste 14 åren gjort täta, litterära och brådskande punklåtar. Från det ständigt föränderliga punkbandets ungdomliga och bullriga debut The Airing of Grievances från 2008, växte Stickles' ambitioner lika snabbt som bandets publik. Uppföljaren, 2010 års The Monitor, var en fantastisk prestation, ett konceptalbum som förenade Civil War-historia och teman med Stickles’ inre turmoil. 2012 års Local Business skar ner de täta narrativa teman i favör för fullödig rock ’n’ roll, men innehåller fortfarande en intensiv och sårbar 12-minuters odyssé i “My Eating Disorder.” The Most Lamentable Tragedy, en 93-minuters rockopera om mental hälsa och neurodiversitet, ett begrepp som Stickles föredrar över utlösande ord som sjukdom och störning, var ytterligare en triumf.

Med den skämtande, 70-talsfärgade A Productive Cough från 2018 och bandets senaste eldfängda album, det nyutgivna Bob Mould-producerade An Obelisk, har Stickles och Titus Andronicus skapat en belönande och självrefererande värld av ambitiös och meningsfull punk. Även om Stickles snabbt ser sig själv som ödmjuk och självkritisk — och skämtar över telefonen att det känns fel att ha släppt sex fullängdsalbum när band som The Velvet Underground bara släppte fyra — så är han reflekterande och ärlig när han dyker ner i sin omfattande diskografi. I en uppriktig intervju som sträckte sig över 80 minuter såg Stickles tillbaka på sin karriär och gav ofiltrerat berättande om en låt från varje studioinsats av sitt band.

“Jag vet inte om någon specifik låt kan sammanfatta mina personliga ambitioner, men var och en av dem är förhoppningsvis en inbjudan till en nyfiken och potentiellt sympatisk person att dyka djupare in i den här världen som jag försökt konstruera de senaste 14 åren,” säger han över telefon. Han fortsätter, “Den typen av fan som jag är av andra artister, jag gillar att ta reda på, processen bakom skapandet av dessa saker och vad som helst av andra sammanhang i artistens liv som ledde till det ögonblicket av skapande. Jag vill att det alternativet ska vara tillgängligt för mina egna lyssnare.” Läs vidare för berättelserna bakom sex av hans bands mest ikoniska låtar.

“Albert Camus,” från The Airing of Grievances (2008)

Det har gått över ett decennium sedan detta album släpptes och du var uppenbarligen på en helt annan plats i ditt liv. Hur ser du tillbaka på de tidiga åren och dessa låtar?

Jag ser tillbaka på det albumet med mycket kärlek och ömhet, och det står verkligen ensamt i Titus Andronicus katalog eftersom det skapades med praktiskt taget inga förväntningar på belöning eller erkännande eller något sådant. När vi gjorde det var vi bara unga gröna universitetsstudenter och det fanns absolut ingen garanti för att skivan någonsin skulle hitta någon publik. Så det föddes verkligen ur kärleken till självuttryck och den goda tiden att spela rock and roll med dina kompisar. Det var fritt från någon form av affärs- eller karriärambitioner. Såvitt jag visste, skulle det vara det enda albumet vi någonsin skulle få chansen att skapa.

Så snart det var klart, var min plan att åka direkt till forskarskolan. Det gör det unikt på så sätt att varje album som kom efter det, från mitt andra album hela vägen fram till idag, de kan inte hjälpa att bli korrupta av affärs- och karriärfrågor. Det finns dessa små farliga idéer som, “Åh min Gud. Tänk om många människor hörde detta och älskade albumet? Vad om jag kunde bli rik på detta?” Jag har inte tillbringat mycket tid med att fantasera om att bli rik, men från det andra albumet och framåt visste vi att det skulle finnas någon form av publik och att det skulle finnas någon form av pengar involverat, vilket är en nödvändighet i vår moderna kapitalistiska samhälle. Men det är inte alltid en användbar ingrediens i den konstnärliga processen. Vad du än tycker om det konstnärliga värdet av ett album, som The Airing of Grievances, är det speciellt för mig eftersom vi verkligen gjorde det av det man skulle kalla de rätta skälen.

Utav alla låtar på LP:n, varför valde du “Albert Camus?”

Jo, den låten var i princip den första riktiga låt som jag någonsin skrev. Jag skrev den när jag var 18 och jag spelade den låten med mitt högstadieband. Det här är ett par år innan Titus Andronicus startade och i princip handlar låten bara om mig och mina högstadievänner. Och jag avskyr det när band sjunger om högstadiet. Det är en av de mest irriterande sakerna för mig. Men jag ger mig själv ett litet förlåtelse för denna, för jag var faktiskt i högstadiet när jag skrev den. Du hör som någon medelålders man med gitarr sjunga om hur det var i högstadiet och det är ganska äckligt för mig. Men ändå, tillbaka i högstadiet, jag och mina kompisar, vi älskade att få problem, små vandaliseringsaktiviteter, bli fulla och springa runt. Bara sådant som barn gillar att göra.

Vid tiden då jag skrev denna låt, började jag få en känsla av att anledningen till att högstadiebarn som vi, tyckte om att bråka eller göra denna typ av lite skojfrisk rebellion liksom i förorterna i New Jersey hade mycket att göra med att unga människor började inse att de egentligen inte existerar i den riktiga världen. Förstår du vad jag menar? De lever mer i en slags efterapning av världen som våra föräldrar skapade för oss. Jag antar att man når en viss ålder och i sin ungdom, börjar man märka ett gnagande tomrum i centrum av den falska världen. Du börjar känna igen det och du avvisar — ja, det gjorde jag i alla fall — dessa kategoriska imperativ och dessa idéer om en högre moralitet som överlämnas från tidigare generationer.

Den här världen är designad för att du bara ska sömngå genom utan att ifrågasätta den eller tänka kritiskt på den. Som det blev så fick vi även den berömda Albert Camus-boken i skolan, The Stranger. Huvudkaraktären i den boken har en grundläggande existens och han känner igen tomheten i centrum av sin värld och sitt liv. Så han väljer att slå tillbaka mot absurditeten genom att begå ett mord. Jag och mina kompisar har aldrig mördat någon, uppenbarligen. Och det är ju ganska knäppt, tycker jag, för någon tonåring att läsa dessa existentiella romaner och vara som, "Åh herregud, jag har totalt haft fel om en värld som vid det här laget." Men, någon version av det hände faktiskt för mig.

“To Old Friends And New,” från The Monitor (2010)

**Livet förändrades definitivt för dig mellan dessa album. Jag tänker hela tiden på hur du sa tidigare i vår diskussion att du skulle åka till forskarskolan efter The Airing of Grievances. Hur kände du kring detta övergångstillstånd innan The Monitor kom ut? **

Jo, forskarskolan gick ju helt ut genom fönstret, uppenbarligen. Så snart jag hade den minsta idén om att jag kunde slippa gå till forskarskolan, såg jag till att jag kunde få det att hända. Vi åkte ut på turné efter det första albumet och gjorde runt 200 shower. Vi begav oss på detta vilda globala äventyr och det var alltför romantiskt och spännande för unga killar som oss. Vi trodde ursprungligen att vi skulle försvinna rätt in i glömska, och kanske vårt första album bara skulle vara ett litet souvenir för våra högstadievänner. Nu har vi som typ 10 gånger den budgeten och folk känner faktiskt till vem vi är och detta kommer att släppas på ett stort skivbolag. Vi ville verkligen satsa och gå för det. Så i den meningen var det en mer oskyldig tid än nu, men det fanns en annan uppsättning förväntningar inför skapandet av det albumet. Men världen kändes fortfarande ganska öppen.

Du kan definitivt höra den öppenheten på LP:n. Det är ett så samarbetsvilligt album. Denna låt specifikt är en duett med Wye Oak’s Jenn Wasner.

Jenn Wasner är en fantastisk artist, det är det absolut! Vi brukade träffa Wye Oak ofta på den tiden. Vi började i princip samtidigt när vi var unga och kämpande. En speciell kväll spelade vi en show i Greenville, North Carolina, och Wye Oak var med på programmet. Vi skapade en vänskap och utvecklade den vänskapen. Vi startade vid samma tid och vi var på liknande platser i våra karriärer. Hon är ett exempel på en av de mästerliga artister som hjälpte mig med detta album. Ett av mina favorit sätt att göra ett album är att se runt på det breda nätverket av artister som jag känner och har haft turen att arbeta med. Jag vill låta mig vara mottagare av deras talang.

För denna låt skickade jag henne demo-versionen av den och sedan lärde hon sig texten till sin del, men jag behövde inte riktigt coacha henne eller ge henne mycket vägledning alls. Jag ville att hon skulle göra det Jenn Wasner-grejen. Hon sjöng sin vers vackert och jag var bara glad som en mussla över det. Och sedan, det finns en liten bryggdel, där hon kom på en underbar harmoni som lyfte hela saken till en ännu djupare nivå. Jag sa förstås inte åt henne att göra det. Hon är bara en av de där artisterna. Hon öppnade munnen och det var som om hon hade någon slags direktkontakt med Gud, förstår du vad jag menar? Det var bara en välsignelse. Jag är så tacksam för alla människor på det albumet.

Vad minns du från skrivandet av denna låt?

Denna är faktiskt den äldsta låten på albumet. Jag skrev den låten innan vi gjorde vårt första album. Det finns en version av den på CD-R som vi släppte 2005. Den passade inte på vårt första album, men jag är glad att det blev så för eftersom jag tycker den passar bättre med teman i det andra albumet. Som helhet, The Monitor, är ganska anklagande i tonen genomgående. Denna berättare, eller jag, pekar ofta finger på andra och dessa externa krafter. Men det är helt okej och vi älskar punklåtar med den punchlinjen, men i det bredare sammanhanget av albumet måste du ha en korrigering för det. Jag ville ha något som var lite mer medkännande och empatiskt. Även om många av texterna klagar finns det en viss självreflektion i att erkänna mina egna brister. Det är enkelt att bli arg på någon annan, men om du har tillbringat hela ditt liv med att bli nervös, är det ett ganska ensamt liv. Det är därför texten lyder: "Det är okej så som du lever." Jag hämtade det från en gammal låttitel från The Velvet Underground. Låten illustrerar för mig något som jag tycker är i kärnan av Lou Reed. Även om han är känd för att vara lite av en skitstövel, finns det verkligen stunder i hans konst där han var den mest medkännande personen och försökte erbjuda empati och förståelse till olika marginaliserade grupper. Jag försöker inte jämföra mig själv med Lou Reed, men han satte ribban för mig på många sätt.

“My Eating Disorder,” från Local Business (2012)

Din musik har alltid handlat om mental hälsa och neurodiversitet. Hur var det att skriva om din relation till mat?

Wow, tack för att du säger “neurodiversitet” istället för mental sjukdom. Jag försöker verkligen få människor att ställa sig bakom detta. Tja, skrivandet, det var inte så svårt. Vad som var mycket svårare än att skriva det var att bära idéerna och låten inom mig hela mitt liv som denna nästan skamliga hemlighet. Det är skrämmande att avslöja intima delar av dig själv som du inte är säker på att andra kommer att förstå. Men, denna låt exemplifierar för mig en av de viktiga sakerna med min karriär, vilket är min publik. Jag menar inte i bemärkelsen av större berömmelse eller beundran eller något. Det här är troligtvis träffande för många artister, där min konst är en stor del av sättet jag bearbetar mina känslor för vad det är att vara vid liv i min kropp. Jag försöker berätta för publiken något och jag försöker också berätta för mig själv vissa saker. Mitt verkliga syfte som konstnär tror jag är att vara en validerare på samma sätt som Lou Reed försökte göra. Att externalisera mina känslor på ett sätt som jag förhoppningsvis kan locka personer in i min konst som känner på samma sätt om livet eller har haft liknande upplevelser så att vi båda kan känna oss lite mindre ensamma och alienerade. Om jag ser dem bli validerade, så blir jag också validerad i återvändo.

Överraskade svaret på denna låt dig? Hittade du att dina fans delade liknande erfarenheter?

Ja! Du kan aldrig vara säker, men jag känner att detta är låten där jag kopplade med min favorithörna av Titus Andronicus-publiken. Jag tror att den här låten är en del av skapelsen av det lilla samhället, oavsett om det är människor med matproblem eller människor som upplever kroppsdysmorfia eller kontrollproblem. Dessa människor är typiskt inte de berusade macho-grabbarnas som skulle kunna ignorera texterna tillräckligt väl för att slå sin vän i ansiktet på en Titus Andronicus-show. Ibland kan den litterära agendan i låtarna missas för att inspirera till blandad kampsport på dansgolvet. Dessa är mer blyga människor som jag kan relatera till på ett mycket djupare sätt. Den här låten visade mig en del av min publik som jag inte visste att jag hade.

Jag gillar låten “My Eating Disorder” eftersom jag inte tror att vilken gammal festband som helst skulle ha haft en låt som denna när det gäller textinnehållet. Det finns ingen tvetydighet om vad låten handlar om. När du hör en titel som den, kan låten bara handla om en sak. Ordet “min” i titeln är också viktigt. Det är jag som försöker ta ägarskap och deklarera agentur över mitt specifika matproblem. Det är mitt. Det tillhör ingen annan och ingen annan har verkligen rätt till en åsikt eftersom de inte är den som går igenom det.

“Dimed Out,” från The Most Lamentable Tragedy (2015)

Jag minns när detta album kom ut, då du noggrant annoterade låttexterna på Genius. Där många låtskrivare inte vill att mysteriet bakom musiken ska avslöjas, verkar det som att du älskar att ha folk involverade i din process.

Det var en mycket noggrann beslutsprocess för att skapa rockoperan. Det fanns bara så många miljoner beslut och alla beslut som togs, fanns det anledningar till att de togs. Jag visste vad de var eftersom jag i de flesta fall tog besluten. Ovannämnda beslut föddes ur att jag delade dessa saker. Men Genius-grejen var också ett sätt att försöka skydda mig mot en eventuell uppfattning att Titus Andronicus musik inte riktigt handlar om något. Jag börjar låta som en skitstövel, men jag har denna rädsla att folk bara kommer att säga vad som helst om detta och inte anta avsiktlighet från låtens sida. För många människor kan jag lika gärna säga nonsens. Jag antar att det är okej, men det finns mer i det än så. Jag vill aldrig bli anklagad för att bara säga det första som dyker upp i huvudet eller för att ge efter för otydliga känslor.

För denna låt ger det mer mening i kontexten av albumet. I berättelsen på LP:n ger det mening i kontext, men som ett fristående stycke verkar det som om det är en rakt på sak festlåt om att leva med dina förstärkare inställda på 10. Eftersom detta var huvudsingeln, var du orolig för att folk skulle misstolka vad du försökte säga?

Efter allt det jag just sade, skulle man tro att jag skulle vara lite mer orolig. Jag vet inte om det. Nu ser jag ganska dum ut för jag tänkte faktiskt inte på det. Du har helt rätt att det har en annan betydelse i kontext. Det här är något som jag blir mer och mer intresserad av ju fler år som går. Detta var det första albumet där jag använde en berättare som inte är mig själv. Detta är också vad jag gör på det nya albumet som kommer ut. Jag gillar att göra det eftersom det förhoppningsvis gör det tydligare att inte varje låt som jag skriver är min personliga vägledning för hur man ska leva effektivt och lyckligt. Mina berättare är väldigt bristfälliga och opålitliga personer. Jag gillar det eftersom i kontext och över en skiva, särskilt en 93-minuters rockopera, skapar det möjligheten för berättaren att faktiskt lära sig något och växa lite.

“Dimed Out” var mitt försök att skriva en låt om de verkligen roliga delarna av att ha ett maniskt episode, som är, hålla sig uppe hela nätterna, göra en massa droger, rocka superhårt hela tiden, och spendera pengar som du inte har. Har jag nämnt droger? Det finns stunder som dessa där du tror att detta är allt livet handlar om, låt oss bara pressa ur det tills det är helt uttorkat men det kommer aldrig att bli uttorkat. Det är en rolig och upphetsande upplevelse och rikt material för en triumferande rockskiva. Jag har lärt mig att det inte är ett effektivt eller klokt sätt att leva. I det här albumet måste berättaren lära sig det på svårt sätt. Detta är också en korrigering som vad vi pratade om tidigare med The Monitor: Om jag skriver en låt om hur roligt det är att göra droger så måste jag också ha låtar om priset du måste betala när du lever det livsstilen. Du kan inte ha euforin utan baksmällan, även om det har funnits många gånger i mitt liv när jag har bedömt mig själv att tro motsatsen.

“Above The Bodega (Local Business),” från A Productive Cough (2018)

Denna låt fångar verkligen kärnan i spänningen mellan hur människor agerar privat och hur de gör det i offentliga sammanhang och under observation. Det är något jag tänker på hela tiden.

Jag gillar hur du använde frasen observerad. Den “observerade jaget” kommer från Jean-Paul Sartre.

Var det vad du tänkte på när du skrev detta?

Absolut. Det var här jag lärde mig om det observerade jaget kontra det oobserverade jaget och hur groteskt det observerade jaget kan vara när vi ser oss själva genom ögonen på en annan person. Usch.

Prata med mig om inspelningprocessen kring detta album och hur du kände för ett år eller två sedan.

Mannen, hur kände jag mig då? Du sa att det finns hela element av skam, frustration, ångest, och en oförmåga att dölja vissa saker som betyder mer att hålla dolda. Men ibland kommer våra specifika dagliga temporära behov att hindra den typen av anonymitet. I New York City, där jag bor, bor jag i denna byggnad och första våningen i byggnaden upptas av ett detaljhandelsutrymme och det är den titulerade bodega. Följaktligen har jag haft, och jag har nu en mycket intim relation med människorna som arbetar där. Jag ser dem bokstavligen varje dag och du kan inte eliminera en del av distansen som ibland gör konsumtionen av vissa saker mer bekväm för den som konsumerar.

Vid denna tid och i rock-operan också men särskilt för denna låt, hade jag blivit intresserad av att vilja skriva vad du skulle kunna kalla en grundläggande låt. En låt som definierar dess ämnesområde och en låt som kommer att bli den ultimata låten för en viss känsla. Låtar som denna skulle inkludera “The Boys Are Back in Town” av Thin Lizzy, som är kanske det bästa exemplet. Det kommer aldrig att finnas en bättre låt om spänningen [och] hur det känns när vänner som du inte har sett på länge kommer tillbaka. Det kommer alltid att tillhöra Thin Lizzy. Min rumskompis Ryley [Walker] gick ut för att göra några shower i ett par dagar och mitt favoritjoke är att jag spelar den låten när han kommer tillbaka och går genom dörren. Redan från den öppnande akorden vet du exakt vad som är på gång. Ett annat exempel skulle vara “Glory Days” av Bruce Springsteen eller om du vill bli mer esoterisk, temalåten från Ghostbusters. Jag ville ha några låtar som detta på mitt CV och jag valde att göra detta med denna speciella jag hade med mina bodega-vänner.

“Tumult Around The World,” från An Obelisk

Bekymren på An Obelisk känns särskilt utåtriktade jämfört med de inåtriktade bekymren i din katalog. Jag vill inte säga att det är ditt politiska album eftersom det är så kliché, men du brottas med mer externa frågor här.

Jag skulle säga att det är korrekt. Jag ger verkligen etablissemanget en tuff tid på detta. Det är avsiktligt men det är också en av de sakerna där jag måste inse att om jag ska vara så hård mot externa krafter, måste jag också vara lika osparande mot de interna krafter som dikterar mitt liv. Om du tittar på låtlistan, är det i princip en för en när det gäller var en låt där jag ger etablissemanget en tuff tid [i] följs av en låt där berättaren måste erkänna sina egna fel.

Detta är en unik del av din katalog eftersom du arbetade med en ny producent i Bob Mould. Hur var det? Jag bor också ner för gatan från Electrical Audio. Hur var din tid i Chicago?

Det var otroligt. Jag kan inte riktigt prata mycket om Chicago, som jag har varit där dussintals gånger, men vid detta speciella tillfälle lämnade jag sällan byggnaden. Jag lämnade verkligen inte. De andra killarna var mer ivriga att få frisk luft, så jag lät dem hämta mina cigaretter. Det talar nog [till] den fantastiska skönheten från Electrical Audio, som är en ganska fantastisk studio. Jag har inte varit på varje studio i världen, men det är nog den finaste jag har satt min fot i. Det är också ganska anmärkningsvärt att det inte är så fint eftersom en massa hits skapades där. Det har inte gjorts. Men det är ett skinande och påtagligt monument till de goda saker som du kan ha i livet om du beter dig med en gnutta integritet, liksom Albini har.

Utav hela låtlistan, varför just denna?

Utifrån vad vi pratade om med den förra låten, är det ytterligare ett av mina försök att skriva en låt som är grundläggande. Jag menar, den är inte lika grundläggande som den andra för den här låten handlar i grunden om att vara alla i detta tillsammans som människor med oro och ångest såväl som hopp och begär och sådana saker. Det finns uppenbarligen miljoner låtar om det så jag kunde knappt skriva den definitiva låten om det ämnet. Men jag ville skriva något som liknar en “We Are The World”-typ låt. När vi först debuterade den live skämtade vi på scenen att det var en cover av denna obskyra punk-supergrupp från 80-talet som ingen i publiken hade hört talas om eftersom vi hittade på det. Men många gick på det. Det är en lång, dum historia, men för den specifika låten kom en andra vågens brittisk punkband med en välgörenhetssingel i stil med "We Are The World" för att öka medvetenheten om världens lidande. Det är ett av mina försök att skriva en klassiker, bestående grundläggande låt. Huruvida jag lyckades eller inte, detta är mitt försök och det tvingar mig att faktiskt se på min egen navel lite mindre och öppna upp mitt universum lite mer.

Dela denna artikel email icon
Profile Picture of Josh Terry
Josh Terry

Chicago-based music journalist Josh Terry has been covered music and culture for a number of publications since 2012. His writing has been featured in Noisey, Rolling Stone, Complex, Vice, Chicago Magazine, The A.V. Club and others. At Vinyl Me, Please, he interviews artists for his monthly Personal Playlist series.

Gå med i klubben!

Gå med nu, från 44 $
Varukorg

Din kundvagn är för närvarande tom.

Fortsätt bläddra
Liknande poster
Andra kunder köpte

Fri frakt för medlemmar Icon Fri frakt för medlemmar
Säker och trygg kassa Icon Säker och trygg kassa
Internationell frakt Icon Internationell frakt
Kvalitetsgaranti Icon Kvalitetsgaranti