VMP kontaktade den rastlösa artisten när hon delar med sig av influenserna bakom sitt originalsoundtrack för det nya open-world äventyret, Sable, och hur upplevelsen var en trevlig avvikelse från att skriva för sitt huvudjobb som Japanese Breakfast.
Videospel är en av vår kulturs mest förbisedda källor till musikaliska rikedomar. Ljudspår från klassiska titlar som Chrono Trigger borde vara lika kanoniska för 90-talet som decenniets traditionellt hyllade klassiker, medan mer samtida verk som Toby Foxs osannolikt framgångsrika UNDERTALE Soundtrack och Lena Raines slående atmosfärer för Celeste står sig bland de bästa albumen 2015 och 2018, respektive. Långt ifrån de pip och blip som har stannat kvar för att definiera den populära uppfattningen om spelmusik de senaste 35 åren – men låt oss vara tydliga, dessa pip och blip är ofta mästerliga – moderna spel sträcker sig över genrer och stilar, från big band och ragtime, till hard rock, till allt som är inpackat i Persona 5 ljudspår.
De tekniska begränsningarna hos tidiga spelapparater innebar att de ursprungliga innovatörerna inom området, som Nintendos Koji Kondo, var tvungna att använda listiga musikteoretiska taktiker för att överskrida det begränsade omfånget av vintage-ljudchips. Men under åren sedan hans arbete med Punch-Out!! och The Legend of Zelda, har Kondo och hans många nya kollegor fått betydligt större medel för att förverkliga sina visioner. Jämför den banbrytande “Overworld Theme från Super Mario Bros. med några av Kondo’s verk från Super Mario Galaxy 2. Under tiden har låtar som en gång var begränsade av pulskodmodulering kommit att omgestaltas av fullfjädrade orkestrar. Att komponera för spel kräver inte längre arbete med en begränsad palett, och resultatet har varit en explosion av musiker som skapar ljud som är lika revolutionerande och immersiva som de spel de kopplas till.
Även om videospelsindustrin nu är mer lönsam än sport och film tillsammans, fortsätter mainstream medier ofta att behandla det som ett nischintresse. Ändå kastar gaming en lång skugga över populärkulturen idag – och musik i synnerhet. Chiptune har funnit sin väg in i allt från Yellow Magic Orchestras revolutionerande elektroniska musik till Postal Service’s kultklassiker som blev ett Platinums-album till hitsinglar från topplistejagande som Kesha och 50 Cent.
Nyligen har en mångsidig grupp framstående artister från denna generation erkänt påverkan av mediets kompositörer på deras arbete, från Porter Robinson till Danny L Harle till TOKiMONSTA. Japanese Breakfasts Michelle Zauner har särskilt varit en av indie-musikens mest synliga talespersoner för spelens uppskattning, regelbundet delat med fans vad hon spelar och till och med släppt ett spel av sin egen tillbaka 2017, med 8-bitars arrangemang av låtar från hennes andra album Soft Sounds from Another Planet.
Det spelet, den perfekt titulerade Japanese BreakQuest, är vad som fångade uppmärksamheten hos Shedworks, den lilla men mäktiga utvecklingsduon Gregorios Kythreotis och Daniel Fineberg, som kontaktade Zauner via Twitter DM med ett förslag att komponera en original ljudspår för deras coming-of-age open-world äventyr Sable. Även om det tyvärr har funnits få exempel på oberoende musiker som arbetar med videospelsstudior, beskrev Zauner möjligheten i ett samtal med VMP innan spelets release som “en gyllene biljett.”
“Många musiker frågar mig alltid hur jag fick det här jobbet,” reflekterade hon. “Och väl, jag hade bara riktigt tur.”
Zauner började ivrigt arbeta med ljudspåret i slutet av 2017, och hon slutade inte arbeta med det förrän omkring en vecka innan vi pratade, eftersom spelets ursprungliga tvååriga utvecklingstid sträckte ut sig över två förseningar till månadens slutliga releasedatum. Under den tiden komponerade och itererade Zauner kontinuerligt. Hon utvecklade först material baserat på textfiler för olika miljöer i spelet, innan hon någonsin såg dem visuellt framställda.
“Jag skrev mycket musik genom att fråga, ‘Hur tror jag att ‘Glow Worm Cave’ ser ut utifrån dess beskrivning?’” hon minns. “Ibland fungerade det jag kom på, och ibland inte. Om det inte matchade avbildningen, skulle jag komma på något annat, och den tidigare musiken skulle gå någon annanstans i spelet.”
Att vara ett litet team som arbetar samtidigt – den enda andra primära samarbetaren var Meg Jayanth, som kom direkt från den hyllade noveleska äventyret 80 Days – hjälpte ofta Zauners arbete att informera de utrymmen som Kythreotis och Fineberg tecknade. Medan hon skulle skriva musik för delar av världen innan de var spelbara, skulle atmosfären hon conjurerade påverka hur utvecklarna förverkligade de tidiga idéerna. Som Zauner förklarade, “Jag känner att vi verkligen arbetade steg för steg med varandra.”
Den världen de byggde tillsammans blev ett av 2021 års mest efterlängtade indie-spel (precis som det var ett av 2020:s och 2019:s före). I Sable, som äntligen släpps idag, spelar du som den titulära karaktären, en ung flicka som inleder sin “Gliding,” en traditionell övergångsrit genom vidsträckta, handritade ökenregioner (inspirerad av Star Wars planeten Jakku, men också påminner om Mad Max via Nausicaä of the Valley of the Wind). Det finns inga fiender, ingen hälsobar eller traditionella bossfighter, som man kanske förväntar sig i ett typiskt äventyrsspel. Det finns inte ens en fast berättelse eller ordning av händelser. Istället ligger fokus på o-guidade utforskning, där spelaren bygger sin egen väg när de tar sig fram via hoverbike över de distinkta regionerna, och lär sig historierna om världens invånare längs vägen.
Därför måste musiken accentuera känslan av stor upptäcktsglädje i väntan, och skapa en typ av inre motivation som kan vara initialt obekväm för spelare som är mer vana vid konstant belöningar i spelet. “Breath of the Wild var en stor referenspunkt,” påpekade Zauner, och hänvisade till den senaste installationen av Legend of Zelda-serien som hyllats för sin icke-linjäritet och till synes gränslösa spelkarta. “Vi bandoserade alla över hur de inkorporerade så mycket tystnad och sparsamt, och hur nödvändigt det är när man arbetar med ett open-world-spel.”
För Zauner var detta en uppfriskande avvikelse från hennes komfortzon. “Japanese Breakfast är ett pop-projekt, och det finns så vissa strukturer och regler som jag tenderar att arbeta runt,” beskrev hon. “Medan i det här spelet, kan man inte riktigt kalla alltför mycket uppmärksamhet på sig själv. Låtarna måste vara väldigt ambient och baserade på loopar, vilket är en ny upplevelse för mig – den fullständiga motsatsen till att skriva för Japanese Breakfast.”
Men medan Zauners ljudspår inte ber om din uppmärksamhet, belönar det ändå noggrant lyssnande. Varje låt utvecklas som en gradvis evolution, som successivt introducerar subtila men överraskande detaljer som låser upp nya dimensioner till melodier som redan känts kompletta. Tänk på den dunkande takten som kommer in vid 1:49 på “The Wash (Day)”, och hur den omvandlar det tidigare gäspet av ambienttoner och flöjt till en sidogroove, likt en Björk-låt som släpper underlaget under dig så snart du slår dig ner.
Eller titta på “Redsee (Day)”, som börjar som en tätt vävd trance av långa syntnoter och en stadig shaker, och sedan lägger till grottiga dubbeltackade gitarrer, inkorporerar en ny slide-lead och överlägger allt det med knackande arpeggios, innan varje element tas bort i omvänd ordning, en i taget. Effekten är fängslande, och genom hela ljudspåret är den ständigt utvecklande virveln av glaciära synthesizers, nylongitarrer och längtansfull trummor – bland många andra instrument som ingår i albumets vackra palett – lika uttrycksfulla som de instrumentala passager som finns på Sigor Rós-album.
“Det är det första projektet på mycket länge och på denna nivå som jag producerat, komponerat, framförts och arrangerat helt på egen hand,” sade hon. “Det var verkligen viktigt för mig att pressa mig själv som producent. Jag hade aldrig gjort stråkararrangemang själv, eller arbetat med så mycket klassisk gitarr och träblås.” Hon pausade en stund innan hon lade till, “Åh, och handtrummor! Jag trodde aldrig att jag skulle arrangera handtrummor.”
De ljud som Zauner drog från förde henne tillbaka till en barndom tillbringad med att spela spel som Final Fantasy IX, Secret of Mana och Majora's Mask. Du kan höra dessa kontaktpunkter i de många stämningarna i Sable ljudspår, från de som väcker känslor av mystisk skala (“Sensee (Day),” “Hakoa (Night)”) till de som är lekfulla och varma (“Cartographer’s Theme,” “Chum Lair”). Men du kan också spåra kopplingar till mer moderna verk från Zauners senaste dykning i världen av indie-spel. Den lugn som hennes kompositioner erbjuder känns i harmoni med de idylliska vibbarna från några av hennes favorittitlar, såsom Spiritfarer eller A Short Hike, och särskilt Stardew Valley, ett spel som njuter av stillhet och som Zauner med värme liknade vid en napp.
En annan koppling till hennes tidigare bekantskap med speltraditioner är de musikaliska skillnaderna mellan dag och natt inom många av miljöerna, en praktik Zauner specifikt antog från sina erfarenheter med Breath of the Wild och Chrono Cross.
“De spelen har i grunden ‘annan värld’-versioner, så de är väldigt lika temat, men perversioner av det, som att BPM har sänkts eller att det har lagts till instrumentering,” förklarade hon. Till exempel, där “Dag”-versionen av “Ibexxi Camp” är en fantastiskt plockad och fredlig låt, blir “Natt”-varianten uppslukad av den underliggande synthlinjen, gitarren begränsad till en allvarlig marsch. Processen att terraformera dessa låtar till två distinkta men komplementära halvor var en av Zauners favoritdelar av projektet.
Den största missuppfattningen de flesta har om videospelsmusik är att den inte kan stå på egen hand. Detta är lika sant som det är för filmmusik – vilket streamingnummer på Hans Zimmer ensamt borde ge dig all bevis du behöver för motsatsen. Oftare är det motsatsen, där spelande av ett spel på mute kan ta bort mycket av den intuitiva rytmen, ledtrådarna och känslan som sätter spelarna i ett tillstånd av flöde. Zauners ljudspår är avgörande för väven av sitt kompis-spel, men det fungerar också särskilt bra som en egen pjäs. Varje låt berättar en oberoende historia, lika rikt vävd och helt formad som något från Japanese Breakfasts låtkatalog. Om du lyssnade på albumet innan du spelade Sable, kommer upptäckten av “Abandoned Grounds” eller “Burnt Oak Station” i spelet sannolikt att kännas som att återvända till en plats du minns från en dröm.
Du kanske också redan känner dig bekant med berättelsens ton, som Zauner liknar vid Studio Ghibli-klassikern Kiki's Delivery Service, där en 13-årig häxa under utbildning genomgår en liknande övergångsrit som Sable's Gliding, och lämnar hemmet för att lista ut sin kallelse. Zauner lyckades fånga dessa teman utan att behöva stava ut dem i texter, och uppskattade särskilt hur hon kunde “skriva något utan någon verklig specificitet.” Som hon förklarade, “Jag tror att i många låtar av Japanese Breakfast drar jag kraft i mitt skrivande från väldigt personliga detaljer eller observationer. För Sable kom berättelsen mycket senare. Det fanns en allmän idé om en flicka som växer upp, som utforskar olika biomer och städer, och bestämmer sig för en mask – det var allt jag riktigt hade att gå på.
“Jag tror att jag alltid har sett konst som ett sätt att undersöka mina egna känslomässiga problem,” fortsatte hon, troligen inkluderande sin New York Times bästsäljande memoar (och tåre-drama) från tidigare i år Crying In H Mart. “Det var verkligen spännande att jag inte behövde gräva i mitt personliga trauma och livet för att göra något som kunde röra människor, eller röra mig, på det här sättet.”
Du kanske kan spela mycket av Sable utan att inse att de unika ljudlandskapen designades av hjärnan bakom Japanese Breakfast. Det är, förutom “Glider”, Zauners stora vokala höjdpunkt (och en av bara tre låtar på det 32-låtiga ljudspåret med riktiga sångstämmor). De livliga färgerna och den intima, introspektiva låtskrivningen skulle inte vara på sin plats på Jubilee, det senaste och mest fantastiska albumet av Japanese Breakfast från för några månader sedan (om du inte redan har märkt det, har Zauner varit upptagen). “Jag är fångad mellan vinden och delar av det okända,” sjunger hon, samtidigt i karaktär, men kanske också självreferentiellt.
För lite mer än fem år sedan, övervägde Zauner att sluta med musiken helt innan hennes Japanese Breakfast-debut Psychopomp blev en oväntad åskledare för karriärmöjligheter. Detta ljudspår är ett passande slut på hennes självbeskrivna “2021-trilogi av kreativt utflöde”, eftersom berättelsen om Sable på vissa sätt speglar Zauners egen. Som om hon själv var på en Gliding, gick Zauner framåt med huvudet rakt fram, trots att hon var osäker på vad som väntade henne på andra sidan av Psychopomp. Hon motstod inte osäkerheten, utan lärde sig just hur mycket hon var kapabel till genom att helt enkelt segla framåt för att göra det – vare sig det handlade om publicering, videospel eller snart, film (Crying In H Mart blev snabbt plockat för en filmatisering). “Glider fångade brisen, känns som att flyga,” sjunger hon med genuin eufori i “Glider.” Hon har inte rört marken än.
Pranav Trewn is a general enthusiast and enthusiastic generalist, as well as a music writer from California who splits his time between recording Run The Jewels covers with his best friend and striving to become a regular at his local sandwich shop.
Exklusiv 15% rabatt för lärare, studenter, militärmedlemmar, vårdpersonal & första responders - Bli verifierad!