Som alla genrer var funk ett biprodukt av omständighet. Inte i den slumpmässiga betydelsen av ordet, utan i meningen att konsten formar och anpassar sig till den aktuella kontexten. För James Brown var funk en separation från soul-ljudet—och bandet—som gjorde honom. För George Clinton var det en ny början efter att ha förlorat en rättslig strid och funnit LSD. Och för Sly Stone var det en spegling av tiderna och hans själ: glädjefull och optimistisk genom 60-talet, cynisk och melankolisk när årtiondet vände.
Från och med mitten av 1960-talet tog dessa föregångare av funk soul, jazz och R&B och avskalade dem till sina väsentliga komponenter. Genom att variera tempot, taktarten och instrumenteringen förvandlade de trötta låtstrukturer till cykliska groovande rytmer drivna av bas, rytmgitarr, trummor, horn och senare, synthar. Ibland komiska, sarkastiska och andra världsliga på samma gång, är funk musiken i sin mest gutturala och spännande potential.
Även om dess popularitet avtagit i mitten till slutet av 70-talet, dog funk aldrig riktigt. Rick James och Prince chockade tillbaka det till liv under 80-talet med syntar och swag. Och på 90-talet kunde det höras överallt från de samples-tunga hiphop-låtarna av Dr. Dre till Red Hot Chili Peppers’ basgångar. Än idag fortsätter groovet som funk startade att driva hits för artister som Maroon 5 och Bruno Mars, liksom ett helt Childish Gambino-album.
Albumen nedan visar var och en en annan smak av funk. Vissa får dig att dansa, andra får dig att tänka, men de kommer alla att sätta ett leende på ditt ansikte minst en gång. Dessa är album som du behöver lyssna på när du har upplevt Betty Davis. Betrakta detta som din fortsatta utbildning i funk.
Ett definitiva protestalbum och ett avhopp från den psykedeliska soulen som drev bandets framgång, There’s A Riot Goin’ On handlar lika mycket om de kämpor som svarta amerikaner fortfarande stod inför efter medborgarrättsrörelsen, som om Slys egna demoner. Spänningar mellan bandmedlemmar, krävande skivproducenter och utbredd droganvändning, ihop med frekventa överdubbningar i albumets mix, resulterade i ett dimmigt ljud som inbegrep den sociala klimatet i början av 70-talet. “Luv N’ Haight” evangeliserar Slys drogansträngda isolering med den upprepade frasen “Feel so good inside myself; Don't want to move.” En downtempo-återinspelning av bandets tidigare hit “Thank You (Falettin Me Be Mice Elf Agin)” destilleras och funkifieras på låten “Thank You for Talkin’ to Me, Africa,” och framhäver ytterligare hans cynism gentemot bandet och världen omkring honom. Betydelsen av There’s A Riot Goin’ On som ett funkalbum, konstprofil och kulturell kommentar kan inte underskattas och placerar det som ett av de mest kraftfulla albumen under 1900-talet.
När 3+3 kom ut 1973 hade Isleys haft mer än 20 top 100-låtar. Deras tidigare utgåva var en samling av de största hitsen som skulle märka en framgångsrik karriär för de flesta band. Men istället för att blekna, valde Isleys ett återfödelse. För första gången inkluderade de officiellt tre yngre medlemmar av familjen—Chris Jasper, och Ernie och Marvin Isley—de som betecknar deras övergång från motown till ett funkigare ljud. Marvins basarbete och Ernies ledgitarr (en uppenbar elev av den tidigare bandmedlemmen Jimi Hendrix) är framträdande, och förvandlar klassiker som Isleys egna “Who’s That Lady” (omdöpt till “That Lady, Pt. 1 & 2”), Seals & Croft’s “Summer Breeze,” och Doobie Brothers’ “Listen to the Music” till funk-rock skatter. De originella låtarna bör inte heller förbises (se den laid back top five R&B-singeln, "What It Comes Down To"). 3+3 är både en mästarklass i låtcover och en grundpelare inom funk.
Herbie Hancock kanske inte är det första namnet som kommer i tankarna när man överväger funk-essentials, men han var en jazz-funk fusionpionjär på 1970-talet. Hans första förmåga inom genren kom i form av Head Hunters, ett rent instrumentalt 4-låt jammverk med backingbandet Headhunters tillsammans med Herbies fingrar på elpiano, clavinet och, självklart, synthesizers. En medveten förändring från hans tidigare experimentella album, Head Hunters trycker funkgränser på varje låt oavsett dess låtstruktur. “Chameleon” öppnas med en enkel men supafly synth-baslinje som går genom mycket av låten medan “Sly,” en hyllning till Sly Stone, börjar jazzig och downtempo men ger till slut väg för skickliga solon av Bennie Maupin på saxofon och Herbie på piano. Ett spel förändrande album för funk fusion-album, Head Hunters bör inte missas.
I slutet av 1970 hade James Brown bränt igenom två av de bästa backande banden som någonsin gjort det. Även om hans andra band, The J.B.’s, behöll sitt namn, förlorade de kraft när bröderna Bootsy och Catfish Collins (bland andra) övergick till George Clintons Parliament-Funkadelic-kollektiv. Men denna förlust stoppade inte Brown och nästa version av J.B.’s från att spela in deras bästa studioalbum, och en av Browns sista framgångar innan hans arbete tog en dykning i slutet av 70-talet. Utgivet 1973, The Payback var ursprungligen tänkt som soundtrack till en blaxploitationfilm, men avvisades av filmens producenter och regissör (påstått) på grunder att det inte var funky nog. Även om sanningshalten i den berättelsen är en annan sak, så är detta album funky som sjutton. I klassisk James Brown-stil låter han bandet göra det mesta av arbetet, med solon från den oersättliga Fred Wesley på trombon, Maceo Parker på altsax och St. Clair Pinckney på tenorsax. Bandet låter så bra, jag är ganska säker på att Brown fångar den heliga anden under den närmare 13 minuter långa jam-sessionen “Time is Running Out Fast,” när Brown gör oss den äran att få höra hans röst, smälter han perfekt in i bandet, och spottar om hämnd på titelspåret och croonar om förlust på balladen “Forever Suffering.” Om du vill höra hur synergi låter, så är detta det.
Det öppnas aggressivt av sin instrumentala titelspår, Machine Gun är utan förbehåll svettigt. Milan Williams’ slappy, staccato clavinet finns genom albumet men når sin sanna, funky-futuristiska potential på “Machine Gun,” “Rapid Fire,” och “Gonna Blow Your Mind”—allt utan att kompromissa med smutsigheten i det omgivande instrumenteringen. Den gående basen och de utan tvekan obehagliga texterna i “Young Girls Are My Weakness” är så stanky att du kanske känner att du behöver duscha efteråt. Och vi skulle vara försumliga om vi inte nämnde Lionel Richies exceptionella prestation på “Superman,” som fungerar som en utmärkt förberedelse för hans kommande solokarriär. Med exakt noll ballader, The Commodores’ debutalbum är ren funk genom och igenom och bör vara en självklar del av varje samling.
Inget annat album i denna lista förmedlar sin skapare lika mycket som Betty Davis’ They Say I’m Different. Det är högljutt, dominerande, sexigt, ofta skrämmande, och ändå på något sätt lyckas det upprätthålla en luft av cool känslomässigt avstånd. Ge en låt som “He Was a Big Freak” en lyssning så förstår du varför ex-make Miles Davis tyckte att hon var för het att hantera. Även om den inte har den stjärnspäckade line-up:en från hennes debut, får denna tvåa den första skivan att verka som ett steg i utvecklingen. Självproducerad av Davis, They Say I’m Different är en sällsynt uppvisning av kvinnlig styrka i en musikbransch som alldeles för ofta förnekar kvinnor erkännande och möjligheter bortom mikrofonen.
Under ledning av den legendariska funk skaparen George Clinton och med tidigare medlemmar av J.B.’s, erbjuder Parliaments Mothership Connection folket exakt vad de vill ha: ren funk. Byggt kring konceptet “en pimp som sitter i ett rymdskepp format som en Cadillac,” är detta det enda albumet på denna lista som ger sina lyssnare en DJ som blir turguide för att följa med dem på deras resa in i funky yttre rymden. Clintons berättelse transcenderar nivåer av billig emceeing genom att leverera sitt löfte om ren, ofiltrerad funk på alla 7 av Mothership Connection spåren (4 av vilka innehåller “funk” i sina låttitlar). Ett album så inflytelserikt att det lades till i Library of Congress, Mothership Connection är epitomet av P-Funk.
Utgivet på höjden av discoeran, kunde Earth, Wind, och Fires nionde album med rätta passa bra in med sin nära släkting i genren. De slagkraftiga hornfläktarna, tighta bakgrundssången, och det upplyftande tempot genom hela albumet verkar stämma överens med discomaktens dominans för tiden, men när man lyssnar noga, avslöjar bandets funky rötter. Hornfläktarna i albumöppnaren “In the Stone” stiger högt över funkhuset som rytmgitarren och basen har byggt. Den framskjutna låten “Let Your Feelings Show” börjar i en samtida dansstil, men vid slutet har den brustit ut i ett bländande funkträningspass, buren av rytmgitar-duon Al McKay och Johnny Graham. Även om den tydligt är påverkad av disco-scenen, visar I Am upp den typ av exuberant funk som bara EWF kunde skapa.
Det är lätt att tänka på honom som en komediprop, men det är svårt att hitta någon som utstrålar lika mycket swag, eller bär så mycket glitter, som Rick James i början av 80-talet. Hans punk funk-manifest, Street Songs, nådde trippelplatinum tack vare den aggressiva, fuzzade synten av “Give It to Me Baby,” “Super Freak” och “Ghetto Life.” Albumet dykter in i social kommentar på den senare låten, och går all in med “Mr. Policeman”—en rakt igenom fördömelse av polisvåld—men är som bäst när James fokuserar på att utbilda sina lyssnare om köttsliga begär. Ett av få exempel på 80-talets funk på samma nivå som Prince, Street Songs är ett femfingerklapp i ansiktet från början till slut.
År 2016 tvingades vi konfrontera The Purple Ones dödlighet, men lyckligtvis har vi fortfarande album som 1999 som argumenterar emot detta. Hans första att nå multipel platinastatus, lanserade 1999 Prince till nya nivåer av popularitet medan den förutspådde ljudet av hans nästa monsterhit, Purple Rain. “Little Red Corvette” förde folk till detta album, men så bra som den låten är, var det bara popbete i den elektro-funk fälla som Prince ställt. Detta var inte din pappas funk. Med finess blandar han bas och rytmgitarr med de digitala ljuden av synt och trummaskin, lägger Prince ner albumets bästa grooves på “1999” och “D.M.S.R.” Och medan funk ofta varit sexigt, blir saker och ting nästan X-rated med den erotiska bryggan av “Lady Cab Driver” och den bokstavliga klimaxen av den sista låten, “International Lover.” Genom att ta de bästa elementen av Dirty Mind och projicera dem framåt, placerar 1999 funk mot en bakgrund av datorer, älskare, apokalyps och Information Age-paranoia, uppdaterar och höjer genren.
Exklusiv 15% rabatt för lärare, studenter, militärmedlemmar, vårdpersonal & första responders - Bli verifierad!