De 10 bästa Tom Waits-albumen att äga på vinyl

Blue Valentine (1978)

Öppnande med en vacker, svepande tolkning av "Somewhere" (från West Side Story berömmelse), Blue Valentine finner Tom Waits vid en punkt mitt i sin karriär; hans tidigare jazz- och bluesinfluenser är tydligt närvarande i hans låtskrivande, och ändå ser albumet en större användning av elgitarr, med ett bredare utbud av ljud och arrangemang än som någonsin använts på ett Waits-album. Det finns stråkinstrumentfyllda, hjärtskärande ballader som "Kentucky Avenue" och öppningslåten; det finns jazzy, bluesiga låtar som "Christmas Card From A Hooker In Minneapolis" och titelspåret; och det finns de rökfyllda, svängiga låtarna "Romeo Is Bleeding," "Whistlin’ Past The Graveyard," och "Wrong Side of the Road." Detta är ett album som, med Tom Waits på gränsen till en musikalisk transformation av något slag, har något litet för alla, och är en utmärkt introduktion till de osmakliga platser och smutsiga karaktärer som skulle bli avgörande för Waits låtskrivande.

The Black Rider (1993)

Om du vill ha ditt Tom Waits-vinyl med den konstiga faktorn hög, då är detta skivan för dig. Ursprungligen skapad som soundtracket för pjäsen med samma namn (regisserad av Robert Wilson, med vilken Waits skulle samarbeta många fler gånger i framtiden), The Black Rider är en framsätespass till ett nöjesfält från helvetet, ett cirkus sett genom galenskapens ögon. Det finns, förstås, stunder av tystnad genom hela föreställningen - den djupt allvarliga "November", och den söta, berusade "I'll Shoot The Moon" - men detta är Tom Waits i full fart som bakgatan-säljare, hans grusiga utförande skapar sin egen härligt livfulla karaktär mot de skakande instrumentalen. Sådana låtar som "The Black Rider," "Just The Right Bullets," och "Carnival" gynnas starkt av vinylutgåvan; med mediets ljudkvalitet kan du nästan känna hur energin knastrar när de konstiga och fängslande ljuden strömmar från din skivspelare. Det är verkligen en unik upplevelse, och en som du bör prova minst en gång - du kanske finner dig själv vilja återvända för åkturen.

Small Change (1976)

Som en direkt kontrast till den föregående posten, Small Change är Tom Waits tredje studioalbum, tillbaka när han var djupt förankrad i sitt jazzfyllda singer-songwriter-estetiska. Genom att maximalt utnyttja sitt piano och en uppsättning strängljud är låtarna på detta album mycket mer personliga; albumet spelades in efter en lång period av turné och att vara på vägarna, under vilken tid Waits hade ökat sina dryckesvanor betydligt. Som sådant är den lyriska innehållet i Small Change mycket mer cyniskt, med Waits som hävdar om sig själv att "det finns inget roligt med en fyllik." Men trots stämningsskiftet är låtskrivandet på albumet några av Waits bästa, inklusive klassiker som "Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)," "The Piano Has Been Drinking (Not Me)" och "Step Right Up." Ett av Waits jazziaste, bluesigaste album, Small Change cementerade Waits som en viktig figur i den amerikanska låtskrivarvärlden.

Frank’s Wild Years (1987)

Som avslutning på trilogin av album som började med Swordfishtrombones (mer om det snart), Frank’s Wild Years är ett udda album, med gående baslinjer, trumpetpauser och stunder som får dig att dubbelkolla om det instrument du just hörde verkligen är vad du trodde det var. Keyboard-liknande ljud förvandlas till reverb-gitarr, soptunnor förvandlas till trummset, och Tom Waits röst, alltid akrobatisk, visar en imponerande mängd flair och variation, från ett tunt snobbigt skratt till ett vrålande morrande under en låts gång. Från öppningslåten, "Hang On Saint Christopher," tar albumet dig på en resa som är tillräckligt bekant för att vara lockande, men tillräckligt konstig för att man ska vilja hålla kvar uppmärksamheten. Liksom många skivor på denna lista, är glädjen av att lyssna på Frank’s Wild Years på vinyl det pop som kommer med varje nytt ljud du hör, och karaktären som varje ljud får när plattan glider framåt. Pumporgel, glockenspiel, Mellotron - Waits hittar ett sätt att få dem alla att samarbeta för att skapa en fantastisk, uppfinningsrik skiva.

Closing Time

Trots att det är Tom Waits debutalbum, Closing Time förblir ett bevis på Waits fantastiska arrangemang och unika, poetiska låtskrivande - och detta är på dagarna innan han hade sitt signaturvrål! Producerad av den legendariske Jerry Yester (tidigare från Lovin’ Spoonful), Closing Time anses i stor utsträckning som ett jazzalbum - Yesters produktion på albumet hjälper till att betona Waits tidiga jazzbakgrund - men det hindrar inte den sporadiska folkinflytandet från att smyga sig in i blandningen. Den öppnande croonaren "Ol’ 55," den enda singeln som släpptes från albumet, skulle senare bli berömt coverad av The Eagles, som då var skivkamrater med Waits. Låten förblir en av Waits bästa; från den klassiska pianolinjen till de subtila gitarrerna och bakgrundssångerna som glittrar genom hela låten, är kompositionen av låten en bra indikator på den omsorg och uppmärksamhet som Waits ger till varje låt på det tolv-spåriga albumet. Det betyder inte att det är den enda höjdpunkten på albumet; tvärtom innehåller Closing Time några av Waits mest klassiska låtar, från "Martha" till "Virginia Avenue" till "Rosie." I slutändan handlar det emellertid om de små detaljerna på Closing Time som kommer att få dig att vilja återvända; lyssna efter de subtila glimrande gitarrharmonierna på "I Hope That I Don’t Fall In Love With You," eller den bekanta barnvisemelodin som avslutar "Midnight Lullaby." Precis som att besöka en gammal vän, är Closing Time pålitlig, njutbar och en oändligt nyanserad lyssning, även efter alla dessa år.

Köp den exklusiva Vinyl Me, Please-utgåvan av detta album här.

Mule Variations (1999)

Det hade gått sex år sedan Tom Waits spelade in ett fullt studioalbum - det senaste hade varit 1993 års The Black Rider, en galen feberdröm av ett album som plockade ut nästan varje eklektisk tråd som låtskrivaren kunde samla. Men sex år av ensamhet gjorde Tom Waits gott, och han återvände till scenen med ett nytt skivbolag, en ny attityd och ett nytt album som fick det att verka som om han aldrig hade lämnat. Vad Mule Variations medförde var en helt ny, stram låtskrivningsstil för Waits; påstås ha beslutat att hans låtar blivit lite för långa och långtgående, och hade bestämt sig för en mer kortfattad och direkt skrivmetod. Detta resulterade i ett av de catchy Tom Waits-albumen i hans katalog, djupt rotad i sydliga blues och gospel. Sådana låtar som "Low Side of the Road," "Get Behind The Mule," och "Chocolate Jesus" skulle fungera som ritningen för framtida album, medan andra som "Eyeball Kid" och det olycksbådande spoken-word stycket "What’s He Building In There?" avslöjade en ny, mer industriell instrumentation i många av hans låtar. Det verkade som den exakta rätta utvecklingen för den långvariga Howlin’ Wolf-entusiasten, och en väg som han skulle fortsätta att utforska djupare in i sin karriär.

Swordfishtrombones (1983)

År 1982 mötte Tom Waits sin blivande fru, Kathleen Brennan, på inspelningssetet för den av Scorsese regisserade filmen One From The Heart. Waits skulle senare hävda att det var Brennan som ursprungligen övertygade honom att inte bara omfamna sin önskan om mer utstickande musikaliska utflykter, utan att gå ännu djupare ner i kaninhålet, överge sin beat-poet persona för något lite… konstigare. Resultatet av denna fullständiga riktning är Swordfishtrombones, den första av en trepartsserie på något sätt som skulle fungera som den mest mångsidiga musiken som sångaren och låtskrivaren någonsin har registrerat. När man hör detta album i kombination med hans tidigare arbete, Heartattack and Vine, kan man höra ton- och låtskrivningsförändringen. Borta är balladerna som pepprade hans tidigare album; bortkastade är strängarrangemangen och jazzpianot, ersatta med benknakande marimbor och låga, hotfulla trumpeter. Detta var inte bara en återuppfinning av artisten; detta var en nästan fullständig 180, den enda kvarstående aspekten av hans musik är hans röst, fortfarande lika underligt formbar som någonsin. Från det skrikande sammanbrottet i "Shore Leave," till den croonande morrningen i "In The Neighborhood," är Waits’ röst ett instrument för sig själv, sökande för att rundas av det horde av ljud han bringar till bordet. Swordfishtrombones är ett djärvt album, som söker dra undan mattan under alla antaganden, och är ett av Tom Waits’ mest färgstarka album.

Blood Money / Alice (2002)

Utgiven som ett dubbelalbum av något slag, Blood Money och Alice är två sidor av samma mynt. Varje skiva skapades ursprungligen för en annan pjäs; Blood Money för Woyzeck, Alice för en pjäs med samma namn, båda regisserade av Robert Wilson. Men de två albumen är nästan motsatser till varandra: medan Alice är drömlik, nästan etereal i natur, är Blood Money tung och brutal, det närmaste Tom Waits någonsin har kommit att göra ett industriellt / metalalbum. Mellan de två av dem har albumen en imponerande uppsättning olika instrument som alla visas, såsom stroh-violin och cirkulär violin som används genom hela Alice, eller calliope och stocktrummor (spelade av ingen mindre än Stewart Copeland!) på Blood Money. Karaktären av de två albumen fungerar som en slags studie av Tom Waits’ musik fram till denna tidpunkt: skönheten blandat med det vilda. Båda albumen presenterar detta på olika sätt, och att se dem arbeta tillsammans fullbordar den fulla bilden som de båda bara visar en del av på egen hand. Det finns till och med återkopplingar i några av låtarna som relaterar mellan albumen, såsom nämnandet av gräs och diamanter / is i både "Alice" och "All The World Is Green." Att lyssna på de två i rad är ett måste.

Rain Dogs (1985)

Detta är vanligtvis albumet som de flesta Waits-fans pekar på som deras första, och med god anledning: från den hesiga jiggen av "Singapore" till handpercussion och jazzy gitarrintro i "Jockey Full of Bourbon", nästan varje låt på detta album är en övning i transport, som tar lyssnaren från en scen till nästa med nästan perfekt klarhet och tydlighet. Det finns flera överraskande stunder som hoppar ut och befaller din uppmärksamhet, såsom Keith Richards gitarrsolo i "Clap Hands," eller den oroande pianolinjen i "Tango Till They’re Sore," stunder som samtidigt kommer att stanna kvar hos dig och sedan överraska dig igen vid upprepade lyssningar. För ett album som är nästan en timme långt, har Rain Dogs lite filler - detta är ett fullständigt, tungt album, perfekt för ljudälskare eller de som är intresserade av en djup, helt unik lyssningsupplevelse.

Bone Machine (1992)

Under hela denna lista har det nämnts om varierad instrumentation, variation av vokalmönster, låtskrivartalang och prestationenas förmåga; och ingen av dessa element av Tom Waits musikalisk kompetens visas med mer förmåga än på Bone Machine, utgivet fem år efter hans senaste verkliga studioinsats, Frank’s Wild Years. Varje musikalisk textur, varje ljud är i perfekt form här; från de motbjudande (och nu signatur) marimba-delarna i "The Earth Died Screaming," till det västerländskt inspirerade klang och bravado av "Goin’ Out West," innehåller Bone Machine många av de bästa låtarna i Tom Waits redan imponerande katalog. Helvete, nästan varje enda låt har något nytt att ge, en ny fantastisk musikalisk textur att avslöja. Och med tanke på att Bone Machine är ett av Waits mest pessimistiska album hittills, finns det verklig skönhet att finna i det auditiva landskapet som Waits skapar - från de sorgsna klarinetterna i "Dirt In The Ground" till den helt triumferande gitarrlinjen i "I Don’t Wanna Grow Up." Det är förmågan som Waits har att skapa verkliga, kraftfulla känslor genom sin musik som gör honom till en kult hjälte, och Bone Machine exemplifierar de bästa delarna av Tom Waits unika musikaliska ljud.