Som post-rocks märkligare, högre kusin, domineras math rock av nördig gitarrspelare och inhumana trummisar. Mycket gitarrtapping, mycket looping på pedalerna. Mycket distorsion, men det mesta du hör låter otroligt klart. Lyriskt... tja, det är vanligtvis svårt att tyda texterna om du inte plockar fram linernoteringen. Sångarna inom math rock är väldigt viktiga för det övergripande ljudet; de fungerar som ett ytterligare instrument. En del kritiker har sagt att emo hjälpte math rock att bli mer lyrisk (exempel: Minus the Bear). Dessutom, ett osannolikt men välkommet inflytande på genren: Black Flag’s My War. Ja, punk rör vid allt.
På något sätt är King Crimson kopplad till math rock. Det gäller även Steve Reich och Philip Glass, som gjorde enkla musikaliska kompositioner; math rock är inte enkelt. Faktiskt är det riktigt komplext och utmanande. Med all oregelbundenhet och atypiska rytmer inblandade, skulle det kunna förstås om vissa musiklyssnare bara inte får grepp om math rock. Kanske får allt detta startande och stoppande deras hjärnor att vilja explodera? Trots detta kan math rock vara den mest intressanta genren inom rock. Det låter som någon sorts musikalisk beräkning.
Att lyssna på math rock får mig att vilja spela med en miniräknare. Här är de 10 bästa math rock LP:erna att äga på vinyl.
Det sägs att Polvo avvisade matematisk rock, så vi kan lika gärna börja listan med denna kringresande grupp från Chapel Hill. Polvo är den astrologiska signaturen för genren. Ash Bowie och Dave Brylawski leker dragkamp. Skjuter ut ur en kanon, Dagens Aktiva Livsstilar hade förmodligen för många idéer. Det finns så många övergångar, men det låter så fantastiskt unikt. Sida A och sida B slutar båda med sju minuter långa klagomål som ger känslan av något mer; den andra låten på varje sida är en galen afrikansk rytm, vriden med ekande gitarrer. "Time Isn’t On My Side" har inga influenser och var så unik att den inte kunde påverka något.
Matt Sweeney (sång/gitarr), som har samarbetat med Cat Power och Run the Jewels, kan vara en förespråkare för att matematisk rock är ett skämt, men Ride the Fader bör tas på allvar. Samproducerad av John Agnello (hans senaste arbete är Waxahatchee’s Out In The Storm), gjorde Chavez ett plågsamt gitarrpopalbum som skakar skelett.
Ride The Fader har ett utökat skronkigt gitarrsolo ("Flight '96") som föregår Jack White; gitarrerna svärmar bara på denna LP. Som ett mer förvrängt Superchunk—den bandets tre första album var på Matador—skadar Chavez med sina aluminiumspikarna hårt. Det finns poppiga stunder, söta stunder och ett metallavsnitt med en xylofon (“Tight Around The Jaws”). Mest betydelsefullt sänder Scott Marshall ut sina baslinjer som en jordbävning efter en A-bomb.
Instrumentala band tvingar lyssnaren att respektera instrumentation. I Donny Cabs fall, förändrar det helt hur musik kan spelas. Att kalla Don Caballero för trollkarlar kan vara en underdrift; detta är några av de bästa jammanden i rockbranschen.
Gitarrerna av Ian Williams (vi kommer att höra mer från honom senare) och Mike Banfield är ett spastiskt, sammanlänkande paniksystem; det var inget som någon hade hört förut. Damon Ches fantastiska trumspel erkänns inte av någon annan trummis förutom honom. What Burns Never Returns börjar lämpligt nog med “Don Caballero 3”—det är deras tredje album efter en miniavbrott, med originalbasisten Pat Morris—där Che släpper loss en trumroll för tiderna, förmodligen den längsta trumrollen som spelats in i en professionell studio. Därifrån bubblar gitarrerna bakom Ches mani medan vi klipper oss på hakan, och funderar på Cabs nästa drag. Detta är obarmhärtigt jammande; Don Caballero gör bara vad de vill. Oavsett om det är “Delivering the Groceries at 138 Beats Per Minute” eller “From the Desk of Elsewhere Go,” kommer musik aldrig att vara densamma.
Det är synd att Henry Miller och Anaïs Nin—June of 44 är döpt efter deras korrespondens—aldrig fick höra denna musik. Både upplyftande och paranoid, Four Great Points har en felfri leverans. Den är på den smidigare sidan av matematisk rock, men albumet har en hotfull progression; June of 44 kan slå en groove.
Tre av de åtta låtarna är instrumentala och mycket coola: “Lifted Bells” har en gitarr som låter som en ambulanssiren; takten på “Doomsday” skapades med diverse objekt; och “Air #17” har en kille som pratar in i en skrivmaskin tillsammans med Fred Erskines slö trumpet. Låt för låt, June of 44 skulle kunna misstas som ett helt annat band, men de är förmodligen trötta på sådana anklagelser. Four Great Points kräver att du tar ner din konst. “Styrd av beslutsamhet och nakna själar,” “glöm inte att plocka upp nålen från låsjakten.”
Fyra självpåtagna idioter från ett regnigt hörn av USA skapade det som troligen är den mest betydelsefulla Hydra Head Records-utgivningen genom tiderna. Omremastrat för vinyl i maj 2012, We Are the Romans har fuckat upp barn sedan 1999. Botch tog med en revolution; det är vetenskap i form av västerländsk medicin. Med inte bara den bästa låttiteln någonsin (“Frequency Ass Bandit”) har spelarna involverade i denna lastbilslast av strömmar vuxit till en handfull anständiga band: These Arms Are Snakes, Minus the Bear, Narrows och Russian Circles.
Spelad på nio dagar, We Are the Romans är ljudspåret av att falla genom ett svart hål. Det är metal, ja, men bara så mycket mer. Botch hade många förstärkare att blåsa; detta var inte ett spel Botch skulle förlora. När gitarrerna glimmar och splitter, blir stora ögon vanliga. Någon har just slagit upp bakdörren; njut av dina sista sekunder innan dessa Buddhiska Ass Bandits befriar din smärta med snurriga psykedelika och stickande pilar i överflöd. Och allt detta innan titelspårets helhet på sida D, en Aphex Twin-liknande mörk EDM som drar dig genom en tunnel av snarar. Hejdå nu.
Det mest textdrivna albumet på denna lista, detta karaktäristiska band har matematiska rockkvaliteter på Go Forth, men det är mer som en fantastisk rockskiva som inte får missas. Predominant matematiskt på den andra sidan, Beats Per Minute för varje låt är listade bredvid titlarna; det sträcker sig från 120 till 166 på sida A, och 102 till 173 på sida B. Inte något vi vanligtvis ser, men vi kan inte förvänta oss mindre från ett band som har Tim Harrington, en sångare som hellre kryper än går, en man som dricker stora mängder kaffe medan han sjunger om konsten att få ligga.
Eftersom hela Go Forth är konsekvent, är det svårt att ge specifika referenspunkter; jag rekommenderar att lyssna på den hela vägen igenom med så lite avbrott som möjligt. Les Savy Fav kan förändra ditt liv. Mästerligt producerad av ingen mindre än Phil Ek, Go Forth glittrar som en ljus stjärna samtidigt som den upprepade gånger slår lyssnaren med en bastrumma. Sjung med i “Reprobate’s Resume” (“snälla var snäll mot mig”), dela en liten seger (“Daily Dares”) och låt bandet begå kidnappning. Med spektakulär separation—varje del av Les Savy Fav är i fokus—inte många album slutar med sina två bästa låtar. “No Sleeves” och “Bloom On Demand” kommer för alltid att vara igenkännbara; det är en mycket stark avslutning på en vackert grov LP.
Om en blodig slasherfilm var ett album, skulle Art Damage vara det. Det går i en vind, det är 29 minuter av tung matematisk helvete. Nåväl, det finns 57 sekunder mot slutet (“A Tyrant Meets His Maker”) för att fånga andan med lite synt och tangenter, men det är allt. Art Damage är en ström av riff. Ett dokument av galenskap packat med melodier.
Under Fear Before The March of Flames’ storhetstid kan de ha varit det mest drogfyllt bandet som kommit från Colorado. Så småningom förkortade de namnet till Fear Before, och medan de var på sin första Australienturné 2009 föll deras vän genom ett tak; bandet blev aldrig detsamma. Det visade sig att integritet var en träspik, och de blev alla fuckade. Hur som helst, Art Damage’s fulhet är imponerande. Det är en snabb frigivning av frustration och stress; vi alla behöver det. Genom de sjuka ögonen är musiken inte helig.
Från Botch till Minus the Bear, gitarristen Dave Knudson gjorde en skiftning. Skräcken är borta, istället finns det något udda och mycket mer avslappnat. Minus the Bear är Tetris i musikalisk form; låtar byggda av fallande block. Till synes handlar det om en serie av semestrar, Menos el Oso (den spanska översättningen av bandnamnet) är den perfekta inställningen för en solnedgång på stranden. Det svävar i luften, icke-polluterad luft.
Atmosfäriskt pedestrian, Menos el Oso har instrumentala utsmyckningar vid rätt tillfällen; det är slemmigt som en orm, men förblir mjukt. Den första lyssningen visar sig konstig, men detta andra album lever vicariously om du ger det tillräckligt med tid. Om du är en vuxen på en strand med en plats att sova, kan du bli ett barn igen.
Mirrored är ett kritiskt debutalbum från ett komplicerat band bildat av erfarna spelare; musikvärlden slukade detta album omedelbart. Ian Williams, tidigare medlem i Don Caballero, på gitarr och keyboard; John Stainer, tidigare medlem i Helmet, frikostig på trummor med det högsta cymbalsständet i ligan; Dave Konopka på bas, gitarr och effekter; och Tyondai Braxton, som aldrig var del av någon annan Battles-produktion, på gitarr och keyboard, körande sina sång genom en väteballong. Folk, detta är ett Adderall-infuserat leksaksland av berusande rytm och spänning.
Vad händer när traditionell musikerskap utmanas? Mirrored hände. Det skulle vara mer oroande om det inte vore så upplyftande. Genom maskiner, ljudet avhumaniseras; gitarren är en fuzzpistol. Battles revolutionerade hur rockmusik och elektronik skulle fungera tillsammans. Faktiskt, det är verkligen galet musik som ifrågasätter verkligheten. Ljud kommer till förgrunden, faller tillbaka, bara för att dyka upp igen. Är pipandet från röster eller en gitarr? Är det en stönande elefant? Håller någon på att kvävas? Musik som är så oförklarlig borde förmodligen vara pretentiös; det kunde inte vara mindre. Mirrored är perfekt lekfull. I en glaskartong, gjordes det bara en gång.
Alltid lurar sina fans, The Dillinger Escape Plan spelade sin sista show den 29 december 2017, på Terminal 5 i New York City; det var en serie av tre på varandra följande nätter. Men ett decennium tidigare, på Ire Works, skapade bandet en fantastisk våg av illusionära D-beats och bankande nedbrytningar. Och DEP var förvånansvärt sensuell; “Black Bubblegum” borde ha varit en kommersiell hit. Dillinger är slut, men de lämnade en karriär full av dolda budskap och klassiska hymner.
De flesta av Ire Works’s nedbrytningar måste kännas för att tro—“Party Smasher” är precis det. Sju och en halv minut lämnar inte mycket tid för en rad stilistiska förändringar, men DEP packar fem låtar i det lilla segmentet; det är en häpnadsväckande prestation. “Milk Lizard” skapades för att fylla en arena (lyssna efter den innovativa hornsprutningen i refrängen) och den andlöst husjazz av “Mouth of Ghosts” löses upp i det som nu kan höras som det sista farväl. Ire Works är anmärkningsvärt konstnärligt för ett band som felaktigt anklagades för att vara köttigt.
Jordan J. Michael tror att musik (särskilt i vinylformat) är nyckeln till lycka. Han njuter av alla genrer, men lyssnar inte på något nonsens. Han är känd för att göra 'Gonzo grejer' och är en New Yorker som bor i Chicago.
Exklusiv 15% rabatt för lärare, studenter, militärmedlemmar, vårdpersonal & första responders - Bli verifierad!