Referral code for up to $80 off applied at checkout

De 10 bästa John Cale-albumen att äga på vinyl

Till minne av en ny utgåva, här är 10 album du behöver för att förstå den walesiska musikern.

På December 1, 2016

Att fokusera på en aspekt av John Cale’s karriär är att beröva sig själv många glädjeämnen. Älskar du hans arbete med Velvet Underground? Hans solo popskivor kan mycket väl vara bättre. Dyk ner i ett av hans många livealbum? Hans tidiga experimentella arbete är också definitivt fascinerande. John Cale är en av de där unika artisterna som är så missnöjd med vardagen av begränsningar att han skapar en värld där de inte längre existerar.

Join The Club

Gå med med denna skiva
'

Innan han blev egot till Lou Reed's id i Velvet Underground var John Cale en banbrytande medlem av den experimentella musikscenen i New York som så småningom skulle bäras av ljusgestalter som Philip Glass, Steve Reich och John Cage. Efter att Cale lämnade Velvets vandrade han längs en krokig väg som tog honom från soloprojekt till inspelningar live till samarbeten och tillbaka igen, vilket så småningom fastställde honom i nuet. I början av året släppte Cale M:Fans, en nytolkning av låtar från hans 1982-album Music for a New Society och en pseudo-meditation över döden av hans länge samarbetande Lou Reed.

När året går mot sitt slut förbereder Domino Records att återsläppa hans banbrytande livealbum, Fragments of a Rainy Season. Dokumentet av soloframträdanden från 1992 är en avskalad titt på Cales största hantverk: hans låtskrivande. Återutgåvan innehåller olika borttagningar och alternativa versioner, men den fungerar också som en påminnelse om att återbesöka den stora och expansiva katalogen av en världsklass talang. Så ofta—speciellt 2016—behöver vi förlora musiker för att verkligen fira och uppskatta det arbete de har skapat. Lyckligtvis för oss fortsätter John Cale att skapa. Det är dags att vi aktivt erkänner honom som en av grundpelarna i modern rockmusik.

Som hyllning till återutgåvan av Fragments of a Rainy Season har jag delat upp Cales diskografi i fem distinkta sektioner: hans solokarriär, hans tid med Velvet Underground, hans tidiga experimentella dagar, hans samarbeten och hans livealbum. Denna uppdelning är mindre en definitiv lista än en påminnelse om att John Cale har en av de mest fascinerande och omfattande diskografier av alla musiker som för närvarande är verksamma. Njut av skivorna nedan, men använd dem som en språngbräda för att utforska allt som återstår.

Paris 1919

Paris 1919 är Cales mest populära soloutgåva, och med god anledning. Den kretsar kring albumets titelspår, en fyraminuters skiva av perfekt popmusik proppad mellan åtta andra låtar. “Paris 1919” sväller med slingrande och lager av stråkar, vilket ger låten ett percussionelement utan att någonsin använda trummor. Cales röst är rik och triumferande, mycket som den är genom hela albumet. “Child’s Christmas in Wales” låter som en uppsluppen George Harrison b-sida, och “Graham Greene” är kanske den bästa hyllningen till författaren vi någonsin får.

*Paris 1919 *fungerar både som ett bra album och som en karta till Cales arbete med VU. Om Lou Reed var den skarpa, ståliga kärnan i bandets tidigaste version, var Cale absolut dess hjärta. Cale såg till att ironin erbjöds med en sida av uppriktighet och hedonism baserad på ett grundläggande gott. Han var gruppens experimentella medlem men att vara experimentell innebär att ha rötter spridda överallt från vilka man kan växa. Paris 1919 är ovärderligt inte bara som ett nästan perfekt popalbum, utan också som en påminnelse om hans plats i ett av våra mest formativa band.

Music for a New Society

Även om både Helen of Troy och Vintage Violence är bättre tidiga Cale soloutgåvor, finner Music for a New Society musikern i hans mest övertygande. Albumöppnaren “Taking Your Life in Your Hands” låter som Bowie som gör karnevalsmusik, med den mjuka skönheten av Cales röst från Paris 1919-eran helt borta. Istället får vi något grovt och argt, bråkigt och förvirrat på denna 1982-utgåva. '80-tals synthar placeras bland snurrande gitarrer och introspektiva analyser placeras ovanpå ljudmurar (“Broken Bird”).

Music for a New Society låter mer relevant än någonsin. Medan Cale fann inspelningsprocessen mödosam och smärtsam är den känslomässiga resonansen från sessionerna påtaglig i inspelningen. Bon Ivers senaste skiva (22, A Million) tar cues från Cales nakna ärlighet maskerad av effekter och ljud, och det är omöjligt att lyssna på Nick Caves nyare arbete utan att höra Music for a New Society som en vägkarta. Det finns kanske ingen större sammanfattning av Music for a New Society’s skiftande natur än “Close Watch,” en pianodriven låt—tänk Leon Russell på nedtrappning—som plötsligt byter till ett säckpipsledt militärt outro. Det borde inte ge någon mening, men det låter exakt rätt.

Fragments of a Rainy Season

John Cales musik är sällan rolig. Även i sina ljusaste stunder finns det en kvarstående smärta eller frustration under ytan. Fragments of a Rainy Season (den ursprungliga utgåvan) tar olika Cale-shower från 1992 och presenterar dem som de är. Det är en soloturné, och Cale låter ensam. Han låter ensam genom hela, särskilt på sin tolkning av “Hallelujah”—den mest hjärtskärande versionen av Leonard Cohens låt inte av Jeff Buckley. Fragments visar perfekt splittringen i Cales musik. Det är omöjligt att avgöra om avståndet ligger mellan Cale och hans musik eller Cale och hans publik. Kanske är det båda. Allt jag vet är att innan Cales version av “Heartbreak Hotel” vågade ingen få Elvis att låta så ledsen.

Circus Live

Nåväl, kanske kan han ha lite kul. Circus Live, som samlar europeiska shower under turnéer 2004 och 2006, är en fullband runda genom Cales historia. Vi får Velvet-låtar (“Venus in Furs” och “Femme Fatale”), låtar från olika soloprojekt (“Hanky Panky Nohow” och “Helen of Troy”), och den enstaka covern (“Heartbreak Hotel,” igen...inte gladare, men säkert högre).

Den mest chockerande aspekten av Circus är hur fräsch Cale låter. Det borde vara en lag att aldrig tvivla på en Velvet, men ändå låter Cale här vid 65 bättre än de flesta vid 40. Hans röst är säker och genomträngande, hans band är inte bara skarpa utan aktivt imponerande—något som inte alltid händer med äldre grupper. Kanske kommer hans styrka från den tillfälliga rosa frisyren eller den iblandvarande själsprickan. Oavsett vad, hoppas jag kunna vara hälften så imponerande när jag är hälften så gammal.

The Velvet Underground & Nico

Vilken annan val skulle vara dum, eller hur? Det talar till Velvet’s oföränderliga diskografi att jag aktivt ifrågasätter vad jag var säker på för några ögonblick sedan: Att Velvet Underground & Nico är deras bästa skiva. Cales korta tid (från 1965 till september 1968) med gruppen gör det lättare att snäva ner valen, eftersom Loaded och Velvet Underground—andra uppenbara val för bandets bästa album—båda kom efter att Cale åkte.

Cales fingeravtryck finns över hela denna skiva, från hans radikala användning av viola på “Venus in Furs” till Lou Reeds skrämmande men perfekta gitarrskrik på “Heroin.” Och min gud, det kan inte finnas någon bättre låt skapad på denna planet än “Heroin.” Detta borde kräva en förklaring, men en del av “Heroin’s” perfektion ligger i en oförmåga att förstå varför det är så underbart. Det borde vara ganska irriterande. Beteendet varierar utan en påtaglig mönster, Lou Reed låter ointresserad, gitarrerna är skarpa, och albumets andra halva är ren buller. Men när allt är över, vill man bara ha det igen.

White Light/White Heat

Förutom att vara en hörnsten i Art Rock-rörelsen, är White Light/White Heat en grundläggande utgångspunkt för en fortfarande stark amerikansk noise-scen. Skivan hjälpte till att introducera de fragmenteringar och sprickor som en kombination av pop och noise kan skapa. Det är en potent blandning vi fortfarande ser från populära noise-band som HEALTH och No Age. White Light/White Heat är en grundläggande skiva, som hjälpte till att introducera så många olika varianter av rockmusik från ett ideologiskt centrum.

White Light/White Heat är också anmärkningsvärd för sin skarpa kontrast till Velvet Underground & Nico. White Light släpptes bara ett år efter Velvet 1968, ändå är det nästan medvetet antitetiskt mot bandets debut. Det är grovt och det drönar på. Medan Velvet Underground & Nico inte på något sätt var en smal, ren skiva, är den ofta vacker. White Light/White Heat erbjuder ingen av denna njutning, men det är ändå anmärkningsvärt.

Sun Blindness Music

Cales ‘60-tals experimentella inspelningar är både i takt med avant-scenen som var vid det tiden och en föregångare till de vänsterfälts tendenser han tog med till Velvet Underground några år senare. Sun Blindness Music är en tidig ingång i den minimalistiska scenen som skulle utvecklas av musiker som Steve Reich och Philip Glass. Medan kompositionerna av dessa två musiker försöker utvinna skönhet från delikat och subtil upprepning, är Cales arbete hårt och vulgärt, ett försök att hitta en boj i klippigt vatten.

Sun Blindness Music tar tre stycken från Cales dagar med Theater of Eternal Music, med fokus på enkel teori och praktik för att extrahera ett större hela. “Sun Blindness Music,” den första låten i antologin, varar nästan fyrtiofem minuter och upprätthåller sig själv på varianter av ett enda ackord. Det är en uttömmande lyssning och en uttömmande övning, som pressar gränserna för vad musik kan vara och vilken funktion den spelar. “Summer Heat’s” 11 minuter är ännu tuffare, eftersom låten är ingenting mer än en gitarrsolo som snurras ut under en längre tid. Sun Blindness Music fungerar bättre som en introduktion till de filosofier han skulle tillämpa med Velvets än att den är en stående musikstycke, men det är likväl en viktig föregångare till Velvetness of Velvet Underground.

Stainless Gamelan

Det fjärde och sista utdraget från Table of Elements-utgåvan av Cales experimentella musik är Stainless Gamelan, ett fem låtar djupt dyka in i detaljerna av instrumentering och komposition. Gamelan följer Sun Blindness Music, Day of Niagara och Dream Interpretation, de två sistnämnda båda värdiga val för detta val. Men det finns något med Stainless Gamelan som fortsätter att avslöja sig. Alla fyra dessa skivor skrevs och framfördes under en kort period av tid, så avvikelsen mellan utgåvorna är inte stor. Men Stainless Gamelan erbjuder en ganska stor öppning för den nybörjart experimentella musiklyssnaren att komma in genom.

Titta, vilket album som har omfattande användning av ett instrument som kallas ‘thundermaskinen’ är alltid tidlös i min bok, men Stainless Gamelan erbjuder värde utanför perfekt fördelning av instrument. “At About This Time Mozart Was Dead…” är en uppenbar föregångare till Black Dice och de tidiga dagarna av Animal Collective, och “Terry’s Cha-Cha” är en lägereldssånggone fel. Vem blandade whiskeyn med peyote?

Songs for Drella

De fascinerande aspekterna av John Cales 1990-fullängds-duett med Lou Reed fungerar på många nivåer. För det första är försoningen av de två avlägsna Velvet ett eget kapitel. Att de återsamlades vid Andy Warhols begravning och sedan beslutade att göra en sångcykel om mannen är helt perfekt. Det hjälper att albumet också är fantastiskt.

Reed’s sarkastiska, blinkande leverans förstärks av Cales medelkritiska renässans—en tid då det inte var helt säkert vilket håll Cale skulle ta härnäst. Albumets låtar varierar från första personens berättelser från Warhols perspektiv till åsikter om mannen av Cale och Reed. Songs for Drella borde, i all väsentlighet, fungera som ingenting mer än en gimmick och dyka upp som en liten blinkning i respektive kataloger av Cale och Reed. Ändå förvandlar duons kemi och beundransvärda talang Songs for Drella till ett mästerverk.

Wrong Way Up

Songs for Drella var John Cales näst bästa samarbetande utgåva från 1990. Bara fem månader efter att Drella släpptes, kom Cales album med Brian Eno, Wrong Way Up, in i världen. Eno och Cale har båda bakgrund inom experimentell komposition och en historia av att ankra band med eklektiska—om inte disparata—personligheter. Det skulle inte vara långt borta att anta *Wrong Way Up *skulle vara en teknisk, teoretisk, experimentell kropp av arbete. Men att förvänta sig något förväntat från dessa två är att inte känna dem alls.

Wrong Way Up är en fördjupning i ‘80-tals pop. Det låter som en musikalisk nytolkning av Jonathan Demmes Something Wild. Refrängerna är anthemiska och trummorna kommer från maskiner. Eno och Cale turas om att sjunga, med den förra som ett vackert kontrapunkt till Cales isolerade fantasi. Albumet är en höjdpunkt i Cales karriär och ett platoniskt exempel på sann samarbete. Av albumets tio låtar är endast dess final (“The River”) en individuell skrivinsats (från Eno). Det är trevligt att veta att John Cale, en av musikens mest enastående talanger, kan samarbeta väl med andra.

Dela denna artikel email icon
Profile Picture of Will Schube
Will Schube

Will Schube är en filmare och frilansskribent baserad i Austin, Texas. När han inte gör filmer eller skriver om musik, tränar han för att bli den första NHL-spelaren utan någon professionell erfarenhet av hockey.

Join The Club

Gå med med denna skiva

Gå med i klubben!

Gå med nu, från 44 $
Varukorg

Din kundvagn är för närvarande tom.

Fortsätt bläddra
Liknande poster
Andra kunder köpte

Fri frakt för medlemmar Icon Fri frakt för medlemmar
Säker och trygg kassa Icon Säker och trygg kassa
Internationell frakt Icon Internationell frakt
Kvalitetsgaranti Icon Kvalitetsgaranti