Emo är förmodligen den mest nostalgiska genren inom musiken: “Heart on your sleeve”-ömsinthet blandat med ljudligt angrepp. Smärta, konflikt, osäkerhet och känslomässig bekännelse som blev en stereotyp kopplad till mode, kultur, beteende, känslighet, blyghet, misanthropi, ångest, introversion, självskada, självmord och alla de nonsens som kritikerna sa. Vissa emo-band avfärdade varumärket för att undvika uppståndelsen (förmodligen ett smart drag!). Trots alla de dåliga band som emo skapade, var några av banden i genren (och är fortfarande) riktigt bra på att spela rock ‘n’ roll. Och vilken unge i sitt rätta state skulle inte köpa band-t-shirts på Hot Topic för 16 år sedan? Butiken hade bara typ 500 på display.
Rötterna till emo finns i punk och post-hardcore, som härstammar från Washington, D.C. i mitten av 1980-talet genom den yttre intensiteten hos punkband som Rites of Spring och Minor Threat. Nej, berätta aldrig för folk att de två banden var emo; du kommer med rätta få en knuff i ansiktet. “Emo” blev på något sätt en term — punkrockare blev uppenbart känslosamma på scenen — som spreds och till slut skapade en hel dramatisk scen. Vid forskning framkom det att “emo” första gången trycktes i New Musical Express 1995. När den legendariska punkhjälten Ian Mackaye såg “emo-core” skrivet i ett nummer av Thrasher 1985, sa han att det var “den dummaste jävla saken jag någonsin har hört i hela mitt liv.”
Associerade genrer av Emo: pop punk, indie rock, emo pop, screamo och Midwest emo (va?). Long Island, NY och New Jersey blev centra för Emo, men bara de få och stolta pryder denna lista. Så småningom sponsrade stora företag nationella turnéer, och genren började bli ett avlägset minne runt 2010; lyssnarna och spelarna började växa upp till framstående vuxna. Tills nyligen när undergroundrevivalband — i stil med The Hotelier, Touche Amore, Joyce Manor och The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die — grävde fram all nostalgi, och påminde tidigare Emo-lyssnare om varför genren kan vara så meningsfull att lyssna på om man följer rätt band. Fackelbärarna Brand New (nu borttagen från denna lista på grund av avskyvärda sexuella övergreppsanklagelser mot Jesse Lacey), Thursday och Glassjaw finns fortfarande kvar när Emo uppskattas som aldrig förr.
Innan vi börjar böla över alla de uppgrävda minnena, här är de måste-äga klassikerna av Emo. Det kommer att göra ont, men mestadels i texterna.
Den kultföljande av Jawbreaker under 1990-talet kan sammanfattas med att du tar Bivouac-skivomslaget ur fodralet och vänder det. Det du ser är en sekvens av utmärkta livefotografier av Jennifer Cobb; en av hennes bilder fångar en fan, tumme upp och leende, som adresserar kameran med en “Vi ♥ Jawbreaker”-skylt. Med nedbrytningar så spektakulärt tunga, var de tre männen i Jawbreaker soldaterna av Emo.
När Bivouac snurrar, känns det som om du är på en av deras svettiga shower; du kanske får en spottad. I början av 90-talet var det “Nirvana det” och “Nirvana det”, men, hallå, det är Jawbreaker här nere; de var på samma nivå. Jawbreaker lämnade det brinnande, räknade de döda, böjde strängar, och shreddade huden av spruckna förstärkare. När du tänder den där “Chesterfield King”-cigaretten och hör bastrumman av åska, kommer du att veta vad jag menar.
Under en av Sunny Day Real Estates tidiga shower i Seattle, fick musiken en Sub Pop-anställd att gråta. Det kan ha varit tillräcklig anledning för Bruce Pavitt och Jonathan Poneman, ägarna av Sub Pop, att ta en chans på Sunny Day och erbjuda bandet ett kontrakt. Sunny Day kom igång snabbt, och släppte tre utmärkta album på fyra år, med början med det crusaderande Diary 1994.
Bekväm att leva i, gjorde Sunny Day balanserad alternativ rock. Diary ångar som bränt bröd, men har små nyanser som små gitarrsträngar i bruset, en lätt knack på toppen av ride-cymbalen, eller eko i virveltrumman. De tre första låtarna — “Seven,” “In Circles,” och “Song About an Angel” — är de första tre låtarna Sunny Day någonsin arbetat med; inte många album har förmågan att dra in lyssnaren i de vackra procedurerna som Diary gör. Emo är känd för den mjuka/höga dynamiken, och Sunny Day är inflytelserika med låtar som “48” när en lervält av trumslag frigörs till pärlor som stjäl sanningen. Jeremy Enigk är en underbar sångare, förlänger orden på rätt ställen, och han blir aldrig för gnällig. Diary är mest imponerande; kanske är den mest slående faktumet att den inte har något fluff över en speltid som överstiger 50 minuter. 2009 års nyutgåva har två bonuslåtar — röd på bordet, magenta när du håller den mot ljuset. Gitarristen Daniel Hoerner säger att dessa texter från “Grendel” sammanfattar Sunny Day Real Estate: “regnet var där för att tvätta bort mina tårar/jag ville vara dem men istället förstörde jag mig själv.”
Döm inte detta album efter dess titel; musiken känns bra. Producerad av J. Robbins från Jawbox, Nothing Feels Good fick en följd eftersom Emo vanligtvis inte är så här roligt. Ofelande sväng, klart och rent, var The Promise Ring en föregångare till Dismemberment Plan. Davey von Bohlen (sång, gitarr) kanske aldrig skrev perfekta rader, men han lyckas packa in mycket text inom en tvåminutersperiod.
På titellåten vet Bohlen inte Gud, vet inte någon, och vet inte om något blir okej. Han känner inte Billy Ocean, eller havsbotten. Bohlen går inte längre på college, och han äger inga album. Från Wisconsin, har Promise Ring texter om platser som ligger långt från Amerikas Dairyland — Delaware, Philadelphia och Bethlehem; kanske ogillar de hemlandet? Låtarna från Nothing Feels Good flyter samman, några tyngre än andra; detta är inte ett tungt album. Men det är catchy som fan. Sentimental och potent, Nothing Feels Good utstrålar fantasi. Det kan ha mest momentum av något album här.
Absolut brutalt. Daryl Palumbo, som lider av Crohns sjukdom — några av sångerna spelades in medan Palumbo låg i en sjukhussäng — hade haft med tillräckligt många otrogna människor i sitt liv att han kunde fylla ett helt LP om alla de tomma erfarenheterna. Innan eller efter Everything You Ever Wanted to Know About Silence, är jag inte säker på om någon någonsin har svurit så mycket på låttexter, shreddat så många röstband, eller uttryckt så mycket avsky mot promiskuösa människor. Ljudande mycket som hardcore, Glassjaws debut presenterade en ny, oväntad form av känslor med subversiva gitarrer och lätt sarkasm.
Verkande kortare än sin 51-minuters speltid, EYEWTKAS sticker obarmhärtigt och knastrar, förutom under de långsamma delarna under “Her Middle Name Was Boom,” “Piano,” och den plågsamt viktiga titellåten. Det är som att ett getingbo exploderar medan Palumbo dansar i galenskapen. Det är för lätt att läsa texterna som kvinnofientliga (“du kan leda en hora till vatten och du kan satsa på att hon kommer dricka och följa order;” “jag hoppas att du tycker om att dö ensam;” “sättet du fuckade hans liv är en så stor maskering att vi svär;” och “kom upp från dina knän och gör mig till din Gud”), men Palumbo säger att orden kommer från att bli sårad av fruktansvärda människor. EYEWTKAS är det bästa Glassjaw någonsin skrivit; det låter fortfarande som ett jävla monster. Palumbo kan sjunga och skrika med de bästa, och sättet han skriker “vem fuckar du nu?” i slutet av “Lovebites and Razorlines” är en av de bättre vokala vridningarna du någonsin kommer att höra.
Omedelbart igenkännbar, Bleed American var Jimmy Eat Worlds DIY-svar efter att ha blivit avskedade av Capitol Records. Oavsett om bandet fick ner sig själva bundet, teamade Jim Adkins och hans grabbar ihop med producenten Mark Trombino, och tryckte fram en klassiker för lyssnare som gillar rockmusik. “Med en hand högt,” resonerar Adkins på den episka slutsatsen “My Sundown,” “kommer du att visa dem din framsteg.” Släppt fem veckor före 9/11, handlar albumet om Den Amerikanska Vägen: alla vill ha mer än vad de har. Men i slutändan somnar alla.
Jimmy Eat World var på sin spel, rullande ut hits och experimenterade (Trombino spelar en “magisk lådan” i “Cautioners,” nästan en elektronisk låt). Du kommer klappa händerna (“The Authority Song”), få gåshud (“Hear You Me”), smälta (“Your House”), headbanga (“Get It Faster”), och kanske hitta en låt för din bröllopslista (“If You Don’t, Don’t”). Tillräckligt tillgängligt för att landa en låt (“Sweetness”) på soundtracket för NHL 2003, men tillräckligt änglalikt för att vara helt originellt, Bleed American är galet smart. Det är en hyllning till det inspirerade. Njut av livet, gå på en show, och pumpa din näve.
The Ugly Organ har inte duplicerats, och det borde nog inte; det är briljant på ett främmande sätt. Cursive, del av Saddle Creek-folkloren, är ett konstigt band som slår en intressant ton, kastar tusen idéer i mixern. The Ugly Organ är en frenetisk, fantastisk röra. Tim Kasher är sin vanliga snabba, ratade frontman; Gretta Cohn ger livlighet med en cello; och den 13-medlemmars “Staying Alive”-kören inkluderar Conor Oberst. Söt hjärtat Jenny Lewis sjunger på tre låtar! Jag stirrar på en vägg; jag stirrar ner i min kaffekopp.
Att namnge en låt “Art Is Hard” för ett album som är så rastlöst säger mycket. Inspelningssamtalen måste ha varit galna. Men The Ugly Organ har fler mjuka/långsamma/söta delar än det verkar — konstiga viskningar, “The Recluse”, gitarr och cello fungerar som kusiner, och gott om melodrama. Även om Kashers ego skiter på vad han matar det, kan han sjunga riktigt bra när han lägger in hela ansträngningen. Cursives fjärde LP är illamående — får dig att titta över din axel — men vi behöver alla rengöring då och då.
Att lyssna på detta album 14 år efter dess utgivning är det lite överdrivet. Även om det kan hävdas att denna lista skulle vara ofullständig utan Three Cheers for Sweet Revenge, som gick platinum inom 365 dagar av existens, sålde till slut över en miljon enheter. Inte för att det finns en miljon vinylkopior av Three Cheers, men, hej, ge dem helvetet, ungar. My Chemical Romance spelar glamorös punkmusik i mycket hög hastighet; det är en utmattande affär. Det här skitet är laddat, mannen. Gerard Way skriker som om han har 17 knivar i ryggen. My Chem gjorde en deal med Djävulen, och de brände genom tusen gitarrsträngar.
Hade Queen varit rasande galna, kanske de hade gjort en skiva som Three Cheers. Extrem sorg oavsett — “på toppen av mina lungor i mina armar, dör hon” — och trots allt alkohol och kokain som nästan dödade Way, gjorde My Chemical Romance något kraftfullt. Det är hyperkinetisk film skjutet genom en railgun.
Konceptuellt tungt med bilder av död, självförvållad smärta, och negativitet mot bröstkorgen, spelade Saves The Day in upplyftande låtar som borde vara läxor för varje band som försöker spela pop punk. Sound the Alarm behövde alla dessa fantastiska hooks; bandets föregående album (In Reverie) såldes dåligt, vilket fick deras skivbolag (DreamWorks) att klippa upp deras kontrakt. Saves The Day spenderade det mesta av sina pengar, sångare/gitarrist Chris Conley låste in sig för att skriva låtar, och Sound the Alarm räddade en karriär med snygga små paket som packar en punch. Steve Evetts (känd för att ha producerat alla de absurda Dillinger Escape Plan-albumen) får en guldstjärna för en av de mest fantastiska basgitarrinspelningarna jag någonsin hört.
Conleys barnsliga röst är inbjudande, men vad han säger — oavsett hur hoppig instrumenteringen blir — draperar Sound the Alarm i katastrof: “Jag känner mig som att svälja mina ögon;” “skär av mina ben när du ber mig att gå/slit min egen hals när du säger att prata;” “jag tog en grensax till mitt bröst, bröt alla mina revben;” “jag kommer att gräva min grav och vänta här på att du ska inse;” “för paranoia är den enda vännen jag känner;” och “lägg cyankali i vattenrören.” Conley kanske är sjuk, men ingen kan sjunga raden “att äta mitt ansikte” bättre. Och vi behöver de helvetiska gitarrsolona, som det på titellåten. Självklart, “alla du känner kommer att dö någon dag”, men åtminstone lever Sound the Alarm vidare.
Den ökända Dave Fridmann hjälpte Thursday att bli det band de alltid velat vara — texturerat, rymdigt, och absolut professionellt. Börjar med A City by the Light Divided (2006) och avslutas med No Devolucion (2011), Common Existence är den livskraftiga av torsdagens andra kapitel. Klättrande som skyskrapor, är musiken tillräckligt högt för att fylla stadioner, men meditativ nog att ta in medan du slappar på soffan. Basen och trummorna rusar; solens ljus skjuter igenom fönstret.
“Resuscitation Of A Deadman” är en engagerande öppning låt, precis som “Understanding in a Car Crash,” “For the Workforce, Drowning,” och “The Other Side of the Crash” var före den; Thursday vet hur man drar in lyssnare i sina album. Common Existence utvecklar sitt vackra vansinne “med hjärtattacks effektivitet,” sjunger Geoff Rickley. Från snabba virveltrumshits från “As He Climbed The Dark Mountain” till den återvändande bandets ambians i “Time’s Arrow,” finns det mycket att förlora sig i. Virvelvinden av ljud kan överraska som krossade glas, och elektroniken kan skära som brott; Rickley är bara trött på alla de döda soldaterna med sörjande mödrar. “Gammal skiva som försvinner, vi vänder den och sjunger de låtar vi aldrig hört.” Kretsarna i din skivspelare brinner.
Från samma habitat av den populära Emo showplatsen The Palladium, tog The Hotelier tillbaka medvetenhet till genren med denna universella release genom Tiny Engines, som brukade vara hemmet för Beach Slang och Restorations. Transformativt, skadat, och brooding, Home, Like Noplace Is There har en ordentlig introduktion fylld med 288 ord. Christian Holdens emotionella röst sväller tills han bara tappar det (“vad vet jag?”). Harmonierna på albumet är fantastiska, men de deprimerande texterna faller som tegelstenar från fem våningar hög.
Den första halvan av Home, Like Noplace Is There är ganska sublime; från vänster fält, blir The Hotelier edgy och aggressiv. “Du bar binära som ett jävla hedersmärke” — Holden skriker. The Hotelier har den sanna Emo-dynamiken: ledsna texter, musikaliskt upplyftande. De har verklig kraft. Holden säger att han “river upp bitar av gamla nyheter,” men han och hans band återinförde solidaritet tillbaka till genren. Inte många album får en Metascore på 91; Home är en Emo-trop.
Jordan J. Michael tror att musik (särskilt i vinylformat) är nyckeln till lycka. Han njuter av alla genrer, men lyssnar inte på något nonsens. Han är känd för att göra 'Gonzo grejer' och är en New Yorker som bor i Chicago.
Exklusiv 15% rabatt för lärare, studenter, militärmedlemmar, vårdpersonal & första responders - Bli verifierad!