Jag bryr mig inte om vad någon säger, ju mer obskyra jazzartister du känner till, desto coolare är du. Jazz har fått ett återupprättande de senaste åren, så att ha en grundläggande kunskap om de stora spelarna är nyckeln till ditt sociala rykte (om du umgås med rätt människor, det vill säga). Om du verkligen vill särskilja dig, är det dags att lära känna några avant-garde jazzartister.
Detta är inte en fullständig lista, men den tar hänsyn till spelare från olika epoker och ger dig en bra grund för att påbörja din utforskning av den märkliga jazzens värld. Skaffa alla dessa album på vinyl, kolla liner notes, och köp mer från alla sidmusiker medan du håller på. Alla dessa artister bröt sig loss från de begränsningar av vad jazz "skulle" vara och gick sin egen väg.
Här är 10 viktiga avant-garde jazzalbum som du behöver äga:
Sonny Murray, trummisen på detta album, var en av de första som bröt med taktkänslan till en spelstil som saknade begränsningar, vilket gav frihet för solister. Tillsammans med mästerbasisten Gary Peacock skapar de ett vida öppet fält där Ayler kan springa i vilken riktning som helst. Aylers saxofonspel är ett utmärkt exempel på vad som får musiken att fungera. Hans budskap är mer än summan av de spelade tonerna; det är hans själ som sipprar genom hornet. Hans melodier är enkla, men de förmedlar en komplexitet av känslorna i varje ton. Även om Ayler dog ung (under mystiska omständigheter) har hans produktion en mogen och självsäker ljud som vanligtvis tar flera decennier att uppnå. Spiritual Unity förblir ett klassiskt album och ett måste för alla som är intresserade av avant-garde jazz.
Detta album smyger sig på dig. Det börjar sparsamt och bygger långsamt upp till en galenskap som endast kan komma från Sun Ras sinne. Juxapositionen av soloinstrument med sektioner av fullständig kaos håller inte bara detta album underhållande, utan avtäcker nya och oväntade kopplingar med varje lyssning. Det sker så mycket på en gång att du måste välja en tråd—vare sig det är en saxofon, bas eller piano—och följa den genom improvisationerna. Sättet som varje tråd interagerar med alla andra är där magin i detta LP ligger. Sun Ra är en utomjordisk figur i det att han verkar vara allvetande, förstå dessa associationer i realtid. Även om hans katalog är omfattande står Heliocentric Worlds som ett viktigt landmärke för att navigera genom hans material.
Detta LP innehåller två sviter, “Complete Communion” och “Elephantasy,” där varje består av en sida. Kompositionellt glänser Cherry med intressanta, roliga och sjungbara melodier. Hans skrivna delar framhäver den individuella rösten av varje musiker i gruppen: Gato Barbieri, Henry Grimes och Ed Blackwell. Sättet som dessa instrumentalister spelar på varandra bör vara standarden som alla musiker strävar efter. Utan ackordinstrument blir bakgrundsmelodierna integrerade i utformningen av solona. Dessa melodier flyter in i perfekta övergångar mellan solister och kompositionella sektioner. En av de mest slående delarna av denna inspelning är hur synkroniserade Henry Grimes och Ed Blackwell är. De låter som om de är en musiker, som förändrar känslor, tider och dynamik utan ansträngning. Detta är en essentiell lyssning för att höra hur man kan tänja på gränserna för jazz utan att förlora tillgängligheten.
Det har skrivits mycket om hur denna musik komponerades, noterades och navigerades av bandet, så jag kommer inte att fördjupa mig i det (om du inte vill scrolla i flera dagar). Om du tar bort den kulturella påverkan på jazz och de nya koncepten för komposition, finns det kvar ett oerhört underhållande album. Det finns en unik metod för tystnad och utrymme representerad genom denna inspelning. För mig är perioderna där musiker sitter ut lika viktiga som när de spelar. Spänningen som byggs upp från denna tystnad släpps när musikerna spelar, vilket i avant-garde och free jazz-inspelningar är motsatsen till normen.
Andrew Cyrille har en så lätt beröring med sitt trumspel, eftersom han alltid stöder och aldrig övertar de andra musikerna. Henry Grimes är en av basister på detta album, vilket ger honom två betydelsefulla inspelningar under samma år (denna och Complete Communion). Hans historia är intressant, med tre decennier bort från musiken mitt under karriären, men han är tillbaka på scenen idag och är mer produktiv än någonsin. Unit Structures är ett ögonblicksbild av en period när jazzen började formas till något nytt, och det är ett måste för alla vinylentusiaster.
Vad händer när du blandar free jazz, funk och R&B? Du får Les Stances a Sophie. Vad Art Ensemble of Chicago gör bättre än nästan alla andra är att de låter som om de har roligt. Genom alla deras album och liveframträdanden finns det alltid ett inslag av glädje—oavsett hur komplicerat materialet blir. Roscoe Mitchell och hans vänner använder intressanta kombinationer av instrument, stilar och sång för att förmedla sitt budskap. Med horn, visselpipor, klockor och sång håller Art Ensemble of Chicago dig gissande om vad som kommer härnäst, och hur det kommer att passa. De blandar stilar sömlöst och skapade därigenom sitt eget distinkta ljud. Detta album pressade dem till frontlinjen av avant-garde jazzscenen och cementerade dem på listan över de mest inflytelserika artisterna inom jazz.
Ornette är känd för att tänja på gränserna för jazz och detta album fortsätter den traditionen. Vid denna tidpunkt i sin karriär hade Ornette redan släppt Tomorrow is the Question, Shape of Jazz to Come, och Something Else! och kunde ha tagit det lugnt. Men han gjorde det inte. Precis som Art Ensemble-albumet, kombinerar detta element av funk och R&B med free jazz. Science Fiction inkluderar till och med poesi, ett gråtande barn, och vad som låter som basen av Charlie Haden genom effekterpedaler. Albumet fångar en övergångsperiod för Coleman till ett mer elektrifierat ljud. Album som representerar en förändring i ljud och riktning låter ofta de fräschaste. Denna egenskap kommer från musikerna osäkerhet om det slutliga ljudet som de arbetar mot. De måste lita på att de kommer att nå dit de vill och längs vägen tillåter dessa övergångsalbum oss att delta i resan. Science Fiction är hyllat av musiker och har nyligen tolkats av Bad Plus med Tim Berne, som som också nämns senare på denna lista.
Spelandet från alla musiker är superb: Anthony Braxton, Dave Holland, Sam Rivers och Barry Altschul blandar sig perfekt för att skapa ett unikt och otroligt underhållande album som fortfarande överraskar efter flera lyssningar. Det finns inget ackordinstrument så bandet är fritt att röra sig harmoniskt utan restriktioner. Alla melodier fastnar i ditt sinne och solona innehåller en slags telepati som är mycket sällsynt. Barry Altschul rör sig fritt genom en utvidgad trumuppsättning som inkluderar percussion och en marimba medan Dave Holland håller fast vid några av de mest fantastiska groovarna genom tiderna (med och utan tidsunderskrifter). Braxton är en monstertrumpetare och kompositör, och många av hans album övervägdes för denna lista också. Det lämnar Sam Rivers, vars kreativitet i att skapa melodier håller dig gissande genom hela albumet. Tillsammans är detta ett supergrupp och en klassisk skiva.
Carla Bley och Charlie Haden är två av de största namnen inom avant-garde jazz. Genom många år och flera samarbeten har dessa två injicerat intressanta influenser i jazzmusiken. Och på detta specifika album integrerade de spanska och latinska influenser. Carla Bleys arrangemang är vackra genom hela albumet, och spelandet från musikerna är fullständigt avslappnat. Liberation Music Orchestra, vilket var gruppens fullständiga namn som släppte detta album, var Charlie Hadens skapelse. Han skapade gruppen kring tiden för Vietnamkriget som ett sätt att tala för de förtryckta. Detta album, Ballad of the Fallen, var en kommentar om det spanska inbördeskriget samt USA:s trassel i Latinamerika. Att lyssna genom detta perspektiv ger så mycket substans till ytan eftersom du kan höra frustrationen i musiken. Även om det finns många tunga spelare på detta album, står Mick Goodrick på gitarr och Paul Motian på trummor ut. De har båda en så igenkännbar individuell stil, men de böjer den för att perfekt passa inom arrangemangen och stämningen i styckena.
När det gäller verkligt originella nutida kompositörer inom jazzområdet finns det ingen jämlikhet till Tim Berne. Detta album kan vara mer än 30 år gammalt, men det är fortfarande lika friskt och spännande idag. Berne har en förmåga att vända det förväntade och skapa något nyskapande och intressant. Han bytte ut en basist mot en cellist (Hank Roberts) och avrundade ensambeln med Bill Frisell och Alex Cline. Sångerna är ibland vackra och ibland fulla av ångest. Tim Berne komponerar och spelar saxofon med komplexa rytmer och överlappande linjer som inte borde fungera, men gör. Under vilken melodisk del som helst händer det alltid en annan linje som är lika intressant som bubblande under. Detta album är sprängfyllt med självförtroende i spelandet och några av solona är verkligen originella. Lyssna på Frisells solo på “Federico”! Omslaget sätter tonen för musiken inuti, en fantastisk abstrakt målning av Stephen Byram, som har gjort många Berne-albumomslag. Tims nyare album är alla värda att lyssna på, även om jag inte tror att många av dem har släppts på vinyl.
Zorns verk är hisnande i sin bredd. Hans album sträcker sig från rak jazz till brus till klassiska kammarmusikskompositioner till allt däremellan. Naked City tillhör den kategorin. Låtar som “N.Y. Flat Top Box” hoppar sömlöst mellan genrer varannan sekund. Allvarligt—varannan sekund! På något sätt fungerar det ändå. Detta album skulle vara soundtracket till en film noir från helvetet; det hoppar från avslappning till ren aggression och ilska, med allt från laid-back swing till grindcore till bluegrass. Det är en fullständig attack på vad dina öron förväntar sig. Bandet är fullt av några mycket tunga spelare: John Zorn, Bill Frisell, Fred Frith, Joey Baron, Wayne Horvitz och Yamatsuka Eye. Även om han är känd som en gitarrist vars egna inspelningar nästan kom med på denna lista, tar Frith på sig basen här, och slår verkligen till. Att lyssna på alla svängningar och svängningar i musiken och tightheten hos musikerna kan jag inte föreställa mig mängden av repetition som var involverad. Denna skiva behöver vara i din samling.
Ryan Kowal är vibrafonist, percussionist och kompositör som bor i Providence, RI. Han älskar att utforska ny musik, särskilt på vinyl, och dela den med andra. Hans veckovisa vinylblogg samt inspelningar och videor av uppträdanden finns på hans webbplats.
Exklusiv 15% rabatt för lärare, studenter, militärmedlemmar, vårdpersonal & första responders - Bli verifierad!