Os melhores álbuns eletrônicos de 2019

Uma década após seu sucesso icônico “Daniel”, o mais recente álbum de Natasha Khan não recebeu a atenção que realmente merecia. Talvez a mudança da Parlophone para uma rota independente o tenha mantido muito protegido pelos seus fãs, ou talvez em 2019, o extraordinário disco de synthpop sincero parecesse um tanto fora de sintonia com os tempos. Mas o Bat For Lashes nunca foi sobre seguir tendências, e o conciso e evocativo Lost Girls apresenta uma compositora que não pede desculpas por suas influências retrô enquanto amadurece em seu ofício. Com a contribuição do colega de estúdio Charles Scott IV, “The Hunger” treme como os mini épicos de Peter Gabriel dos anos 80 e “Feel For You” se balança como os singles da Danceteria da Factory Records daquele período.

Capturada nos destroços pegajosos da explosão indie-alt do início dos anos 2010, desagradavelmente chamada de PBR&B por alguns, FKA Twigs poderia ter sucumbido à narrativa que deixou muitos de seus predecessores imediatos preso no âmbar de subgêneros. A adulação crítica altiva e o foco microscópico da cultura de fofocas ameaçaram comprimir sua carreira, e um desconcertante diagnóstico de fibromas poderia ter lhe feito ainda mais mal. Portanto, voltar quatro anos após o relativamente menor M3LL155X com o deslumbrante, não-conformista e emocionalmente não filtrado MAGDALENE a coloca além do cânone de qualquer gênero. Uma das músicas mais fortes de sua carreira e do ano como um todo, “Sad Day” transforma fragilidade em força, seu refrão impactante quase operático em sua execução. E realmente, como alguém poderia não staniar Twigs depois de dar a Future sua melhor música do ano com “Holy Terrain”, uma desconstrução trap com a contribuição de Yeezus alumni Arca e Skrillex?

Nas semanas finais desta década, a inovadora gravadora de bass Hyperdub astutamente lançou Tunes 2011 to 2019 de Burial. Uma coleção de músicas que não foram apresentadas em nenhum de seus dois álbuns, o projeto parecia quase cinicamente cronometrado para se adequar tanto à temporada de listas anuais dos críticos de música quanto aos resumos de dez anos associados. Embora muitos aceitem a isca e recompensem o produtor e seus benfeitores em uma tecnicalidade que pode ser discutivelmente justificável, isso não deve ser às custas de um álbum real do selo digno das honras. Sem hesitação, estou completamente confortável em afirmar que o álbum de estreia de Loraine James For You And I é o lançamento mais importante e essencial da Hyperdub desde Untrue, talvez até melhor. Uma obra complicada e profundamente humana, o álbum encapsula uma Londres pessoal oculta que fala volumes sobre a cidade em geral. Seu conteúdo aborda sua diversidade em meio a uma emocionante tempestade de estilos urbanos e de clube, presente nas ansiedades nervosas do tema e nas reveries de videogame, assim como no “My Future” do rapper Le3 BLACK. O barulho solto de “So Scared” evoca sentimentos angustiantes tanto quanto o refrão falado em loop de James, e ele permanece como um fantasma de fones de ouvido muito tempo depois que o álbum termina.

Ninguém controla o bass como Kevin Martin. Como alguém cujo catálogo, particularmente como The Bug, volta repetidamente às tradições do reggae para minerar reverentemente ouro de graves, a decisão de eliminar essa camada sonora para o mais recente projeto de King Midas Sound fez de Solitude uma curiosa aberração em sua discografia. Com as reflexões de Roger Robinson sobre um relacionamento desmoronado substituindo o peso do bass por um peso emocional, a dupla constrói um mundo de dor e tempestade. Uma raiva silenciosa em relação a si mesmo, ao outro e ao mundo borbulha sobre os sonhos metastáticos de “In The Night” e sob os drones gementes de “Zeros”. Isso não é uma distopia ballardiana ou escapismo de sistema de som, mas sim a opressiva realidade e a solidão existencial do agora.

Enquanto os aplicativos estão em todo lugar e dirigem quase cada decisão que tomamos, o simples prazer de assistir ao The Weather Channel para verificar a temperatura local flutuou de vista como tantas nuvens fofas. Quer as sensações New Age daquela experiência tenham passado despercebidas para você ou não, Nonlocal Forecast recaptura as vibrações místicas nesta impressionante obra de kitsch como arte. O raro álbum que você não se importaria de viver por um tempo, Bubble Universe! transborda com reviravoltas encantadoras e goteja com tinturas reveladoras, um trabalho de amor que recompensa aqueles que podem deixar de lado noções preconcebidas e permitir um pouco de travessura prog-lite e um toque de smooth jazz em suas vidas. “Cloud-Hidden” desenrola-se como um pré-definido de teclado que ganha vida, enquanto “Foam, Vaccum, One” deixa seus drones ambientes luxuosos e reluzentes. “Planck Lengths” avança com a alegria da bateria eletrônica de Phil Collins, apenas segurando-se para o canto dos pássaros e a respiração.

Com todo o respeito pelos algoritmos amorais do Autechre, não falamos mais sobre IDM principalmente porque ele simplesmente deixou de importar. Ainda assim, o legado do que a Rephlex Records do Aphex Twin se referiu de forma provocativa como braindance ajudou a guiar muito do que temos à disposição na música eletrônica underground hoje. Um antigo colega de gravadora desses pioneiros da Warp, patten faz músicas que consideram os dados anteriores antes de aplicá-los às estruturas rítmicas mais contemporâneas encontradas na pista de dança em seu Flex auto-lançado. Menos excessivamente encantado com o fetiche futurista de seu predecessor, ele submete drill, grime e trap a abusos de onda em cortes como “Night Vision” e “Snake Eyes.” Uma arma chave no arsenal de patten é a manipulação vocal, acrescentando uma borda frenética à footwork de “Infrared” e ao clamor pós-rave de “Memory Flood.”

A ficção científica tem fornecido muita inspiração para músicos eletrônicos e de jazz, para melhor ou pior. No caso da ópera espacial de Salami Rose Joe Louis, é inegavelmente o primeiro. O jazz de teclado cativante da banda Brainfeeder em “Octagonal Room” e “Nostalgic Montage” ocasionalmente e alegremente distrai a narrativa solar expositiva. Mesmo que você não esteja acompanhando sua história, Zdenka 2080 avança com sua missão musical, principalmente por meio de faixas relativamente breves na extensão de clipes de beat tape. No entanto, enquanto o selo de FlyLo é conhecido por atender ao formato da cena de L.A., este trabalho coeso se destaca por si só. Vocais que lembram os corais celestiais liderados por Kamasi Washington dão um certo charme a “Love The Sun” e “Cumulous Potion.”

Como muitas vezes aconteceu no ano passado, o reggaetón continuou a abalar o mundo em 2019 como um fenômeno pop. Mesmo que J Balvin e Daddy Yankee viajem pelo mundo como importantes embaixadores comerciais do estilo, Tomasa Del Real representou a autenticidade de um underground inclusivo das pessoas que o gênero uma vez sistematicamente excluiu. Um sólido sucessor de seu Bellaca Del Año, o semi-eponímico TDR da líder chilena do neoperreo mantém o dembow longe da estagnação com sua essência colaborativa e empoderadora. Ela é sexualmente direta em “Ella Quiere Culiar” ao lado do TECH GRL, e comanda a pista de dança em “Perrea Conmigo” com o lendário DJ Blass. Normalmente salpicada, se não totalmente encharcada, em auto-tune, a voz de Del Real ancora cortes voltados para o futuro como “Los Dueños De Neoperreo” e o divertido “Braty Puti.”

Com muita frequência, a celebridade de Diplo tira o foco do fato de que Major Lazer não é um projeto solo, mas sim o produto de energias colaborativas, incluindo aquelas do DJ/produtor jamaicano-americano Walshy Fire. Nascido de uma tentativa deliberada de reconciliar as cenas de música contemporânea frequentemente de forma irritantemente segregadas na África e no Caribe, seu Abeng conecta nomes como Mr. Eazi e Runtown do primeiro com Kranium e Machel Montano do segundo. Julgando pela consistência e potência dos resultados do exercício, o choque sonoro de Afrobeats, dancehall e soca, entre outros estilos regionais, prova ser um sucesso profundo. Evitando o slackness em favor da positividade, o calor e a camaradagem predominantes de “No Negative Vibes” e “Round Of Applause” ajudam na cura diaspórica.

Considerando quantos dos flashes momentâneos dos anos 2000 foram resfriados antes dos anos 2010, é mais do que um pouco selvagem pensar que uma banda que lançou algumas de suas melhores músicas após o electroclash ainda pode estar viva e ativa. No entanto, enquanto alguns de seus colegas montam reuniões voltadas para lucros para uma geração jovem estranhamente suscetível à nostalgia, os sarcásticos rapazes do Chk Chk Chk nunca desistiram de verdade, se inclinando mais para o disco do que para o art punk, começando com Thr!!!er de 2013 e continuando com os sucessores As If e Shake The Shudder. Demonstravelmente melhor do que estes dois últimos, Wallop encontra a banda tão enérgica e pop como sempre, com o glamour house forte de “Couldn’t Have Known” e o funk rock autoconsciente de “Serbia Drums.”